ARTICULOS DE MAIL ART POESIA VISUAL Y ARTE EXPERIMENTAL

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TituloALFONSO LÓPEZ GRADOLÍ, REFLEJO DE UNA VIDA A TRAVE
AutorJOSÉ-CARLOS BELTRÁN
PublicacionLOS BOSQUES DE LA MEMORIA
Dia0Mes0Año0Página0
MateriaPoesia conceptual
Sinopsis
Con “Los bosques de la memoria” * ,nos encontramos ante un libro necesario para entender la obra de uno de los poetas más representativos de la poesía valenciana del siglo XX, una poesía mediterránea y llena de vitalidad, retrato fiel de su autor, un hombre lleno de sensibilidad que se entrega en cada verso, dejando testigo de momentos históricos del cotidiano vivir, con versos llenos de belleza, sin olvidar las nostalgias de los lugares vividos, su mediterránea concepción de la vida, lo denuncia como un creador de belleza, guardián de paisajes y de sentimientos.
Este “Los bosques de la memoria” reúne una selección de la obra del poeta de 1968-2000, de los libros : El sabor del sol (1968), Los instantes (1969), El aire sombrío (1975,) Una muchacha rodeada de espigas (1977) Las señales de fuego (1985), Una sucesión de encuentros (1997) y Los signos de la soledad (2000). Quedando muchos no incluidos como “Poemas Mediterráneos”(1977), “Al-Basit” 1982, “Las señales del tiempo” ( 1971) o de los últimos publicados “Los días luminosos” 2003, además de al menos dos inéditos que yo conozca, lo que demuestra la importante obra de las que estamos hablando, con la lectura de ”Los bosques luminosos” el lector podrá gozar de ser conocedor de una poética que es la biografía de un hombre y su momento , con unos ideales humanitarios, fiel a sus principios espirituales
El libro viene prologado por el propio Alfonso , haciendo uso de los comentarios a cada uno de los libro correspondientes de críticos y amigos de reconocido prestigio como José Hierro, en el prólogo del libro “El sabor de sol” “ La poesía de Alfonso es necesaria, y útil para el propio poeta que dice, escribo cuando no puedo más”.. Francisco Umbral, “ En él palpita un fino poeta indudable, de sentimiento delicado, eminentemente lírico, y de palabra segura, acendrada, comunicativa”“ Pedro J. De la Peña, “ Si uno de los compromisos de “La Diferencia” es la reivindicación de los escritores y poetas marginados por la oficialidad ,tenemos en Gradolí un autor al “que cabe prestar atención y y deberemos de revisar su obra, tan maltratada, por la dos últimas décadas de degeneración literaria” Jaime Siles, “ Claudio Rodríguez en el prologo del libro “ Los instantes” “la poesía es experiencia dicha con palabras, hay en este libro una neta adecuación entre ambas” Antonio Hernandez, en una lectura publica, el en Madrid el 29 de Febrero del 2000, “ …y me refiero a su forma bellísima de expresar las ideas,” “ Luis Jiménez Martos, director de la colección Adonais, en la que en 1977 le publicó “ Poemas mediterráneos” “ , Guillermo Día –Plaja, “Lo que más me interesa de la escritura poética de Alfonso .L. Gradolí es esa misma escritura. Es decir la manera expresiva que consiste en avanzar por pespuntes, por iluminaciones , por balbuceos, de manera que produzcan en el lector el impacto de lo vital” Ricardo Bellveser, Antonio Fernández Molina dice “La poesía de Alfonso López Gradolí, puede adscribirse dentro de un posromanticismo esencial, que arrancando de Bequer pasa por Cernuda, se impregna de las aportaciones del 27 y de la vanguardia especialmente de las técnicas del automatismoy del collage. o Jesús García Caldero, en una lectura de poemas el 27 de Octubre de 1997 “ a medida que fui leyendo los libros de Alfonso me fui dando cuenta de su enorme capacidad de evocación. Ha expresado lo elegíaco desde ángulos verdaderamente insospechados “ entre otros.
Lo que muestra la importancia de la obra de López Gradolí a lo largo del pasado siglo y con un futuro en plena madurez del autor, que no ha perdido nada de .la frescura de sus anteriores libros, con una temática testimonial y sentimental, como voz de alargada juventud .Con este libro a la manera de unas “casi obras completas” La Institució Alfons el Magnamin y la Generalitat Valenciana , han tenido el acierto de reconocer una de las importantes obras de la poesía valenciana, de un autor que por unas circunstancias u otras, siempre ha estado un poco marginado de los grupos de poetas en Valencia, pero como nada de lo que vale se puede callar en el tiempo, ahí esta la respuesta en este “Los bosques de la memoria” para que las futuras generaciones sepan que hubo un poeta que elevo la voz de la poesía valenciana a lo más alto de la lengua castellana, donde ocupa el lugar que le corresponde por su calidad de obra

*“LOS BOSQUES DE LA MEMORIA”
ALFONSO LÓPEZ GRADOLÍ.
Editorial Calambur., 348 pags Madrid 2001

TituloEl arte de los escombros
AutorAntoni Mari
PublicacionLa Vanguardia /Suplemento
Dia7Mes12Año2005Página4
Materia
Sinopsis...//... para Baudelaire el artista moderno es un trapero que recupera las sobras que la sociedad tira,...y pasamos de una época en la que las cosas eran lo que eran, a otra en la que las cosas ya no son lo que eran, ni siquiera lo que parece que son. Asi la materia queda liberada de sus obligaciones de adaptarse a un estructura determinada y puede volar libremente en busca de un nuevo destino en cada ocasión. Buen ejemplo de todo ello es la poesía experimental que a base de transformaciones y más transformaciones, al final ya nada es y, al mismo tiempo, es todo.

TituloDEL COLLAGE A LA APROPIACION
AutorManuel Guerrero
PublicacionLa Vanguardia
Dia7Mes12Año2005Página23
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisEl trabajo de Manuel Guerrero trata de averiguar si es el Collage la más importante aportación del arte del último siglo. Se pregunta si ha sido está vartiante artística la que ha permitido que el arte se convierta en un fenómeno de masas.

Entronca sin vacilaciones el collage con el calligrama de Apollinaire y la revolución poética de Mallarmé, lo que, sin duda, empalma con el nacimiento de la PV.

Otra afirmación contundente es la de Perejaume al considerar que el collage contribuyó definitivamente a desdibujar las fronteras jerárquicas entre los géneros artísticos, fundiendo plástica, literatura, cine, música,...y por alli aparece John Cagé cuestionando todo. La pregunta final y fundamental del autor es preguntarse si no será la apropiación, el apropiacionismo, el final del principio del arte y, en consecuencia, el nacimiento de otro concepto radicalmente distinto de ARTE. -CRC-

TituloPoesía para el Barrio Chino
AutorXavier Noret
PublicacionEl País
Dia27Mes10Año2005Página0
MateriaPoesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
Sinopsis...//...Cuentan que el dramaturgo Josep Maria Benet i Jornet, nacido en el barrio, estrenará muy pronto una obra ambientada en el Raval en la que lamenta que la gente que actualmente vive en la plaza de Padró -emigrantes extranjeros en su mayoría- ya ha perdido los referentes históricos de los edificios y de las calles que habitan. Y es que el barrio ha cambiado mucho últimamente: se han abierto nuevos espacios, como la Rambla del Raval, se ha poblado con gente nueva y han surgido nuevos comercios de productos y olores exóticos. Por ello es bueno que aparezcan revistas como L'Avenç para recordar cuáles son sus orígenes, o libros como esa Antología poética del Barrio Chino, publicada por primera vez en 1948 por el poeta Sebastià Sanchez-Juan. En ella encontramos versos y canciones de autores tan distintos como Alsamora, Baudelaire, Carner, Cirlot, Delgado, Garcés, Guerau de Liost, Maragall, Musset, Perucho, Salinas, De Sagarra, Salvat-Papasseit, Spender y Verdaguer....//...

TituloTutti i colori del mondo
AutorG. Tes
PublicacionCorriere della Sera
Dia7Mes11Año2005Página0
MateriaPoesia experimental,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisTanto el "Corriere della Sera" como la publicación "Come" (1-12-05) Realizan un completo reportaje sobre esta convocatgoria de mail art organizada por Claudio Jaccarino con la colaboración de César Reglero. La publicación "Come", además de glosar la figura de Claudio Jaccarino y de su Laboratoirio di Cromogafía, realiza un completo informe sobre el mail art y la integración de este movimiento dentro de la enseñanza a través de una entrevista a este artista multidisciplinar.

DOCUMENTACION

TUTTI COLORI DEL MONDO
PROGETTO INTERNAZIONALE DI ARTE POSTALE
international mail art project
Scuole elementari di via Scrosati, Milano, Italia
Scuole elementari di via Vespri Siciliani, Milano, Italia
Laboratorio di cromografia - Labcrom di Sol

TUTTI I COLORI DEL MONDO
Scuole elementari di via Scrosati
Via Scrosati 3
20146 Milano
Italia

Scuole elementari di via Vespri Siciliani
Via Vespri Siciliani 75
20146 Milano
Italia

-No se devolverá ningún trabajo
-Los trabajos serán expuestos al término del curso escolar 2005/2006
-Se enviara documentación a todos los participantes


Tituloart.es,arte_contemporáneo
AutorFernando Galán
Publicacionart.es,arte_contemporáneo
Dia0Mes0Año2005Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
Sinopsis ................................................................

art.es,arte_contemporáneo_internacional anuncia la publicación de su nº 10, con los siguientes contenidos:

• Proyecto art.es nº 10: Marina Abramovic & IPG, técnica mixta. Portada y 17 páginas interiores. Como siempre, en exclusiva para la revista. Introducción de James Wescott.
• Reflexión: - La Berlín inacabada atrae al artista español (Andrea Rodés).
- Conceptual (Victoria Combalía).
- IPG: un futuro prometedor para el “performance” (James Wescott).
• Media_Art: Entevista con Iván Marino (Lucía Ayala y Sara Constantini).
• Arte_Off_Art. (Nilo Casares y Ximo Lizana)..
• Cine: La comunidad RAF. Sobre terrorismo, democracia y cine (Rubén Hernández)..
• Entrevista: - ¡Oh, Berlín ! Entrevista con Sabrina van der Ley, directora artística de Art
Forum Berlin (Fernando Galán)..
• Obra_y_Palabra: - Kim Chang-Young (Japón)..
- Jesús Gómez (España).
- Kyungwoo Chum (Corea / Alemania).
• ¿Qué pasa en... Beijing? (Fernando Galán).
• Bienales: - Bienal de Arte Chino de ;ontpellier 05, Francia (Menene Gras de Balaguer).

Además de crónicas de los corresponsales sobre Exposiciones en todo el mundo. Y la sección de Libros. Los puntos de distribución de art.es (galerías, museos, librerías especializadas, instituciones culturales...) ascienden ya a 375 en 58 países. Speedimpex empieza a distribuir art.es en Estados Unidos.

Hasta el final de este año art.es participará con stand en Arte Lisboa y Art Basel Miami Beach. art.es es Revista Asociada oficial de Art Forum Berlin. (www.art-forum-berlin.com)

TituloLa paradoja del trigo
AutorLisy Smiles / La Capital
PublicacionLa Capital
Dia18Mes12Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte experimental
SinopsisITINERANCIA DE UNA IMPORTANTE EXPOSICIÓN DE MAIL ART: La paradoja del trigo
Unas doscientas piezas de arte correo se exponen en el Macro. La convocatoria comenzó en 2003, ante las imágenes de niños argentinos denutridos

Nunca hay una sola forma de contar una historia. Es difícil lograr que un único relato contenga tantos significados. Algo de eso ocurre por estos días en el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro). Cientos de piezas de arte correo se muestran en sus dos últimos pisos. Llegadas de distintos puntos del mundo, son la respuesta a la desafiante pregunta: "¿Hambre en el país del trigo?".

La idea surgió a principios de 2003, en Girona, Catalunya. Hasta allí habían llegado las imágenes de niños tucumanos desnutridos. La cuestión movilizó a un grupo de artistas que decidió recurrir a una convocatoria de arte correo. Desde entonces no cesan de llegar pequeñas obras de lugares tan disímiles como las historias que transmiten: Corea, Italia, Japón, Canadá, Inglaterra, por citar algunos.

"El hambre es una invención humana", o "No me mientas, no todos tienen hambre" son algunos de los textos que acompañan las imágenes: a veces dibujos, otras, tan sólo una trama tejida con la palabra hambre.

Eduardo Sívori es argentino, museólogo y psicólogo social, vive en Catalunya desde 2001 y fue el mentor de la convocatoria junto a otros miembros de la Asociacio Amistat i Cultura Catala Argenti de Girona. En diálogo con Señales recuerda que tras la crisis de 2001 se abrieron cuentas bancarias para depositar dinero, y se enviaron alimentos, ropa y medicamentos. "Nosotros nos movilizamos para hacer algo que fuera más allá de esas acciones. Nos interesaba trabajar sobre la concientización de esa paradójica situación: que se mueran niños de hambre en el país de las vacas y el trigo", advierte Sívori.


Cinco continentes
Entonces, Sívori convocó a Clara Bacquelaine (especialista en arte) y juntos comenzaron a trabajar sobre la idea. "Yo, como museólogo, me contacté con los artecorreístas más reconocidos de los cinco continentes", y las piezas comenzaron a llegar.

Al poco tiempo la muestra tomó forma y se montó en una sala catalana que ofreció el Club de Amigos de la Unesco. Hoy, ampliada, se expone justamente en el Macro, cuyo edificio originariamente fue un silo, un depósito de cereales.

La curadoría de la muestra está en manos de Kuki Cumini, quien explicó que las piezas fueron "acomodándose" a medida que armaba la exposición.

Presentadas por grupos, como si fueran collages, ofrecen nuevas preguntas o irónicas respuestas al interrogante que generó la convocatoria. Son como detalles que se amplían en imágenes únicas cuando se las observa en particular.

Una cuchara vacía, fotos de políticos intervenidas de diversas maneras, los famosos billetes con el rostro del ex presidente Carlos Menem, avisos del mercado rosarino de cereales o la palabra hambre escrita en distintos idiomas, las imágenes se esparcen por los dos últimos pisos del Macro.

El sitio elegido brinda una locación especial y también podría decirse espacial, por su pasado de silo cerealero pero también porque es un mirador hacia la ciudad que crece de la mano de la soja.

Incluso hasta hace pocos días unos pisos más abajo podía observarse una muestra de las contratapas de la revista Barcelona. Esa posibilidad funcionaba junto al arte correo como una continuidad. Algunas de las páginas expuestas podían también responder a la pregunta lanzada a través del arte correo.

La muestra ¿Hambre en el país del trigo? permanecerá expuesta hasta el 31 de diciembre. Se puede visitar de jueves a martes, de 16 a 22.

Pero no sólo se puede visitar, también se ofrece la posibilidad de enviar piezas ya que la convocatoria continúa y además no sólo está abierta a diseñadores, artistas plásticos o ilustradores. "En realidad, puede participar todo aquel que lo desee y que acompañe su decir junto a un hecho creativo", detalló Sívori. Por mail o correo tradicional ahora el ex silo Davis alberga imágenes sobre el hambre en el país del trigo.


TituloHomenaje a Guillermo Deisler
AutorErick Bellido
PublicacionLa Nación
Dia13Mes12Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte experimental
SinopsisArte postal a la carta Erick Bellido
La Nación, Martes 13 de Diciembre de 2005

Con trabajos realizados por más de 200 artistas de la corriente art-mail se exhiben 800 creaciones inéditas en la muestra "No a las fronteras, sí a la interculturalidad". La exposición es un homenaje al creador fallecido hace diez años.

Como una forma de testimoniar su legado artístico y plástico, desde el fin de semana pasado y hasta el 23 de diciembre se encuentra abierta al público la exposición "No a las fronteras, sí a la interculturalidad", en el Campus Santiago de la Universidad de Talca, ubicado en Québec 415, Providencia.

Elke Grundmann de Alemania, Pete Spencer de Australia, Luc Fierens de Bélgica; Antonio Cares y Rodrigo Andrade de Chile, junto a otros artistas de Holanda, Francia, Hungría Italia, Japón, Portugal y Puerto Rico, se unieron para rendirle un homenaje al extinto poeta visual fallecido hace 10 años en la ex República Democrática Alemana.

En esta verdadera galería visual se recogen una serie de trabajos y testimonios estéticos enviados por más de 200 artistas vía correo tradicional y mail, armando una muestra colectiva de 800 obras inéditas, las cuales serán montadas con posterioridad en Talca y Antofagasta, para después itinerar por Sudamérica y Europa.

Para el coordinador responsable de la muestra, César Reglero, "el espíritu de Guillermo Deisler sigue planeando entre nosotros". Por esta razón, cuando recibió un mensaje de su par Clemente Padín, solicitando ideas para el homenaje a Deisler "inmediatamente llamé a una convocatoria mundial de mail-art. Y el resultado está a la vista, pues la respuesta fue increíblemente buena, fuera de lo presupuestado".

LEGADO

De Deisler se sabe mucho sobre su historia de luchador por las libertades, su exilio, su manera de entender el arte correo como forma de traspasar fronteras, de unir culturas, o de entender la poesía visual como lenguaje universal para acercar a los seres humanos, pero popularmente, poco se sabe en Chile de su real aporte al mundo del arte. Ahí el valor de esta muestra.

Deisler destacó por ser uno de los principales promotores de la poesía visual mediante la técnica del arte-correo desde fines de la década del 60 y hasta medidos de los 90. Una vertiente poco diseminada en Chile, pero que el homenajeado desarrolló con personal estilo y pasión. Formó un grupo solidario que fue ejemplo de cómo el arte postal puede ser un instrumento poderoso para denunciar injusticias y servir de puente para unir voluntades con independencia de razas y credos.

Pero donde este chileno alcanzó su máxima producción poética fue en Europa, lugar desde donde se caracterizó por la innovación en las técnicas de grabado y, temáticamente, por la integración de elementos culturales heterogéneos, junto a una profunda preocupación por el respeto y la comunicación entre los pueblos.

La preocupación de Deisler por la universalidad de la cultura y la no existencia de límites que coartan su desarrollo se refleja en parte en esta muestra, donde se integran imágenes gráficas y otros códigos no-lingüísticos en los textos, además del uso de un lenguaje material, con dimensiones verbales, visuales y sonoras, como forma portadora de significados.

"En su poesía mi padre exploró y desarrolló el lenguaje como la máxima expresión de comunicación, incluso más allá de la palabra. Su obra unió a los artistas del mundo, pese a ser un arte irreverente, ya que permite intervenir la obra de otras personas. Ahí su valor", comenta a La Nación la hija del artista Mariana Deisler Coll.

Copyright © 2003, Empresa Periodística La Nación S.A.

TituloHomenaje a Guillermo Deisler
AutorErick Bellido
PublicacionLa Nación
Dia0Mes0Año0Página0
Materia
Sinopsis
Amigos todos:
Aquí va un artículo que sacó hoy martes La Nación. Está muy hermoso y quice compartirlo.
Un abrazo,
Mariana
---------- Forwarded message ----------
From: mdeisler@yahoo.com < mdeisler@yahoo.com>
Date: 13-dic-2005 11:37
Subject: Noticias de La Nación
To: mariana.deisler@gmail.com



Va el artículo

Noticia de LaNacion.cl: Arte postal a la carta

Arte postal a la carta Erick Bellido
La Nación, Martes 13 de Diciembre de 2005

Con trabajos realizados por más de 200 artistas de la corriente art-mail se exhiben 800 creaciones inéditas en la muestra "No a las fronteras, sí a la interculturalidad". La exposición es un homenaje al creador fallecido hace diez años.

Como una forma de testimoniar su legado artístico y plástico, desde el fin de semana pasado y hasta el 23 de diciembre se encuentra abierta al público la exposición "No a las fronteras, sí a la interculturalidad", en el Campus Santiago de la Universidad de Talca, ubicado en Québec 415, Providencia.

Elke Grundmann de Alemania, Pete Spencer de Australia, Luc Fierens de Bélgica; Antonio Cares y Rodrigo Andrade de Chile, junto a otros artistas de Holanda, Francia, Hungría Italia, Japón, Portugal y Puerto Rico, se unieron para rendirle un homenaje al extinto poeta visual fallecido hace 10 años en la ex República Democrática Alemana.

En esta verdadera galería visual se recogen una serie de trabajos y testimonios estéticos enviados por más de 200 artistas vía correo tradicional y mail, armando una muestra colectiva de 800 obras inéditas, las cuales serán montadas con posterioridad en Talca y Antofagasta, para después itinerar por Sudamérica y Europa.

Para el coordinador responsable de la muestra, César Reglero, "el espíritu de Guillermo Deisler sigue planeando entre nosotros". Por esta razón, cuando recibió un mensaje de su par Clemente Padín, solicitando ideas para el homenaje a Deisler "inmediatamente llamé a una convocatoria mundial de mail-art. Y el resultado está a la vista, pues la respuesta fue increíblemente buena, fuera de lo presupuestado".

LEGADO

De Deisler se sabe mucho sobre su historia de luchador por las libertades, su exilio, su manera de entender el arte correo como forma de traspasar fronteras, de unir culturas, o de entender la poesía visual como lenguaje universal para acercar a los seres humanos, pero popularmente, poco se sabe en Chile de su real aporte al mundo del arte. Ahí el valor de esta muestra.

Deisler destacó por ser uno de los principales promotores de la poesía visual mediante la técnica del arte-correo desde fines de la década del 60 y hasta medidos de los 90. Una vertiente poco diseminada en Chile, pero que el homenajeado desarrolló con personal estilo y pasión. Formó un grupo solidario que fue ejemplo de cómo el arte postal puede ser un instrumento poderoso para denunciar injusticias y servir de puente para unir voluntades con independencia de razas y credos.

Pero donde este chileno alcanzó su máxima producción poética fue en Europa, lugar desde donde se caracterizó por la innovación en las técnicas de grabado y, temáticamente, por la integración de elementos culturales heterogéneos, junto a una profunda preocupación por el respeto y la comunicación entre los pueblos.

La preocupación de Deisler por la universalidad de la cultura y la no existencia de límites que coartan su desarrollo se refleja en parte en esta muestra, donde se integran imágenes gráficas y otros códigos no-lingüísticos en los textos, además del uso de un lenguaje material, con dimensiones verbales, visuales y sonoras, como forma portadora de significados.

"En su poesía mi padre exploró y desarrolló el lenguaje como la máxima expresión de comunicación, incluso más allá de la palabra. Su obra unió a los artistas del mundo, pese a ser un arte irreverente, ya que permite intervenir la obra de otras personas. Ahí su valor", comenta a La Nación la hija del artista Mariana Deisler Coll.

Copyright © 2003, Empresa Periodística La Nación S.A.

TituloEl arte de la acción
AutorLLUIS ALABERN Y JOAN CASELLAS
PublicacionLateral / Revista de Cultura
Dia0Mes12Año2005Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Performance
SinopsisA propósito de Günter Brus

La retrospectiva “Quietud nerviosa en el horizonte” (en el MACBA hasta el 15 de enero) presenta por primera vez en España una visión de conjunto de la obra del artista austriaco Günter Brus (1938). Dos artistas performers de la siguiente generación, integrantes del fenómeno grupal de baja intensidad Nova Acció en la Barcelona de principios de los noventa, discuten sobre su obra.

TituloJESÚS ALGOVI: PALABRAS NAUFRAGADAS
AutorF. Basco Graciá
PublicacionBonart
Dia0Mes12Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisJESÚS ALGOVI: PALABRAS NAUFRAGADAS PARA NAVEGAR POR UN MAR DE POESIA.

Museu d'Art Modern de la Diputació, Tarragona.
Del 10 de noviembre al 11 de diciembre de 2005.

12 de noviembre de 2005. (Crónica de F. Basco Graciá).
El polifacético artista Jesús Algovi (Jerez de la Frontera, 1968) exhibe una veintena de cuadros, esculturas e instalaciones, distribuidos en tres salas del Museu d'Art Modern de la Diputación de Tarragona, bajo el título "Palabras naufragadas", en las que el denominador común son las letras, esparcidas por el suelo, formando parte de un cuadro o conformando una gran gota de agua. Una auténtica sopa de letras que incita al espectador a navegar por un mar de ideas. Todas ellas forman parte de las distintas obras expuestas, integradas por poemas que ha desarmado el artista.

Este interés por las letras le viene de su relación con la poesía, según ha declarado Algovi, que desde muy joven estuvo rodeado de amigos poetas. La muestra ha sido expuesta en The Air Galery de Londres y en diversas salas de Alemania y Estados Unidos.

CUATRO BLOQUES

Las obras que presenta el artista están divididas en cuatro bloques: Proyecto Sísifo, que recoge el viaje de una esfera de aluminio de 80 cm. de diámetro por diversos espacios de la naturaleza y la sociedad, con letras que Algovi creó en 2001 en Alemania; Sala de la luz, que se compone de piezas bidimensionales con letras impresas, algunas de ellas iluminadas, que quiere simbolizar el conocimiento, la cultura; New transit, donde expone diversos grabados procedentes de planchas de metal, que quedan reflejadas en huellas de coches y de personas, y Alma cíclica, que consiste en una escultura-instalación y veinte impresiones digitales sobre lienzo, acompañado de un vídeo. La pieza central es una gran gota de agua, formada por multitud de letras de acero que terminan por caer al suelo.


Jesús Algovi con sus colaboradores

VARIEDAD DE MATERIALES

La muestra destaca, también, por la variedad de materiales empleados para la elaboración de las obras: madera, cristal, papel, aluminio, luces interiores, imágenes de vídeo. El autor consigue con ello despertar en el espectador ideas y sentimientos, evitando la indiferencia.

Presidió el acto de inauguración de la muestra Joaquim Nin Borredà, diputado delegado de Cultura; acompañado de Rosa M. Ricomá, directora del Museu d'Art Modern, y el pintor, acompañado de su pareja, Viki Vassiliou, y los galeristas Josef y Andrea Nisters.

UN TRABAJO SÓLIDO

Rosa M. Ricomá realizó una magnifica presentación del artista y de su obra, que calificó como un trabajo sólido, que ha hecho que su obra haya estado presente en muchas ciudades españolas y europeas, pero particularmente en Alemania y en Estados Unidos. Se trata de cuatro instalaciones que tienen rasgos diferenciales con un lazo común: están basadas en las palabras. Palabras que toman formas diversas, que se distribuyen avanzando en el espacio su presencia, formando figuras fácilmente identificables o esparciéndose por el suelo como estrellas en el espacio infinito. Pero al fin y al cabo palabras perdidas entre letras.


El artista con Rosa Ricomá y Quim Nin

UNA OBRA QUE INSPIRA POESIA

Rosa Ricomá destacó el hecho de que estas palabras (letras) aparentemente independientes, o arrancadas de un texto, tienen un discurso, un contenido. Podemos decir que es la desconstrucción de los poemas que escribe el artista en muchos casos, poemas que -según comenta el artista - destruye, deshace, una vez finalizada la obra, y que se pueden considerar como un esbozo de su obra plástica posterior. "Es cierto que no podemos identificar buscando las letras las palabras que identifican estos poemas - dice Rosa Ricomá -, pero si podemos decir que sus obras inspiran y transmiten la poesía que los ha engendrado". Finalmente, dio la bienvenida a la obra de Algovi y agradeció la confianza depositada en el Museu d'Art Modern de Tarragona.

El artista pronunció unas palabras de agradecimiento e hizo votos para que su obra sea visitada y disfrutada por los tarraconenses.

UN PLATO DE BUEN GUSTO

Cerró el acto el disputado Quim Nin comparó la muestra con un plato de buen gusto, de estos tan especiales que elaboran los buenos cocineros, y que cuando los saboreas te das cuenta que se trata de un auténtico arte. Una muestra, por tanto, de un paladar exquisito. Es importante que cuando observamos una obra de arte nos diga alguna cosa que la identifique. Finalmente señaló que se trata de una de las exposiciones que, con el paso del tiempo se puede acordar uno de ellas. Y destacó que la Diputación fomenta la cultura y el arte con exposiciones como esta, que dejan huella y se recordarán seguramente durante mucho tiempo.


Rosa Ricomá presenta al artista

EL ARTISTA

Jesús Algovi nació en Jerez de la Frontera en 1968; reside en Sevilla desde 1974. Es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, en 1990. Se trata de uno de los artistas andaluces con mayor prestancia en los circuitos internacionales. Su obra trata de temas trascendentes como el paso del tiempo, el análisis de la cultura, la esperanza de las cosas y el amor. Sus propuestas se han visto en Europa y en Estados Unidos, destacando entre ellas la celebrada en The Air Gallery, de Londres, en 2002, y en Art Chicago y Art Nueva York, en 2003. Pero no acaba aquí su actividad artística. Es tenor en una coral sevillana; pianista con estudios de más de ocho años; poeta con libros publicados; boxeador aficionado y portero de fútbol en equipos amateurs.

Todas estas actividades le permiten opinar que "en la vida hay muchas más cosas que estar inmerso en la burbuja que es mi estudio. Todas estas actividades me enriquecen y me dan otro sentido de la realidad".




TituloDel Poema Objeto al Objeto Imposible
AutorJosep Maria Rosselló
PublicacionEl Diari de Tarragona
Dia9Mes12Año2005Página35
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisDentro de su sección -Pas de Zebra-( L´etern retorn, J.M. Roselló publica un artículo sobre el décimo aniversario de La Vaquería en los siguientes términos:

"Fresca y brillant, la celebració del 10è aniversari de La Vaqueria amb la exposició de César Reglero del Poema Objeto al objeto Imposible, comisariada por Maribel Ferrús. Una explosión de diversitat d´objetes manipulats amb finalitats simbòliques properes al surrealisme, al seu voltant la papallona de la paradoxa i el somriure de la sorpresa.

En la presentación, l´artista i el poeta visual Guillermo Marín varem fer una traducció simultània
sota paraigua, digna dels millors gags de Tip i Coll.

Eddie ens va sorprendre amb la Performance Huesos de Luciérnaga, i Carles García Tomillero ens va a regalar una exquisida interpretació del monòlog del gran còmic Alady -Ay caramba, caramba-,

El tot Tarragona "vaquer" es va a concentrar al café-cantant, entre els quals hi havia el màgic fotògraf Pep Escoda i el misteriós Xer Recsens (sis(6, insigne director del Museo de la Nada."

El autor del artículo se deja algunas cosas en el tintero, como el comisariado conjunto de Maribel Ferrús y César Reglero, la actuación del Els Diables y la colectiva que acompañó a la individual de César Reglero, y en la que participaron autores tan destacados como:
Agustín Calvo, Carles Canetti, Gloria F. Ros,
Gustavo Fernández, Jacinto García, Isabel Jover,
Manuel Calvarro, Nuri Efe, Paco Muñoz, etc.



Ruggero Maggi

Unai Reglero

Titulo10 años del Macba y Desacuerdos
AutorCatalina Serra
PublicacionQuadern/ El País
Dia1Mes12Año2005Página123
MateriaPoesia conceptual,Arte de accion,Instalaciones,Performance
SinopsisEn un amplísimo reportaje de tres páginas, Catalina Serra hace una bellísima loa de los diez años de actividad del Macba, y glosa la figura de su director Borja-Villel de manera exhautiva. Sólo queremos hacer un pequeña anotación desde el Boek861 que informó puntualmente del maltrato dado a la Poesía Experimental en la magna muestra de "Desacuerdos". Curiosamente Catalina Serra publica la fotografía de la obra de Fernando Millán en esta muestra y señala esta exposición como el acontecimiento del año en el 2005, pero no dedica ni una sola línea a señalar los desastres de este acontecimiento. Por otro lado, apunta la buena relación existente entre la Asociación de Artistas Visuales de Cataluña (AA.VV.) (a la que ella pertenece) y el Macba. Y esto nos parece muy bien, pero nosotros pensamos que lo cortés no quita lo valiente. Diez años de flores y laureles, sin una sólo espina, es excesivo, querida Catalina. -CRC-

TituloLa Vanguardia se llama "collage"
AutorCatalina Serra
Publicacion
Dia25Mes11Año2005Página37
MateriaPoesia experimental,Arte experimental
SinopsisHace unos meses comentabamos en este espacio, a propósito de una retrospectiva de Juan Gris y el cubismo:

"...//...Debemos señalar en primer lugar que el cubismo pertenece a lo que se ha venido denominando la primera vanguardia, porque presenta nuevos lenguaje y, en consecuencia, es claramente transgresor de los cánones de la Academedia.

Por otro lado, nos muestra la obra desde una perspectiva múltiple no lineal, lo cual entronca directamente con el experimentalismo.

Igualmente el frecuente uso del collage pertenece a un recurso catalogado muchos siglos atrás por Rafael de Cózar (cantón) y que ya en su momento, supuso una innovación por cuanto consistía en trabajar a partir de poemas de otros. Una especie de apropiacionismo que se repite en el Collage.

El cubismo fué un movimientos con una clara tendencia a la integración de todas las artes, en la búsqueda de un arte total e integral y asi se manifiesta con el uso del collage.Picasso, en este sentido, fué quién más avanzo por este terreno, con incursión en todas las artes buscando la interdisciplinaridad entre ellas.

Finalmente decir que que al no ofrecer una lectura lineal, el cubismo está buscando la complicidad del espectador, ... y será necesaria su colaboración, la conexión más o menos inmediata con la obra o el salto de una chispa de complicidad, para que la obra adquiera su pleno sentido. ...//..."

Ahora es una retrospectiva sobre el collage en la Fundación Miró la que actualiza el tema, pero desde otros supuestos. En cualquier caso, a nosotros nos interesa resaltar tanto el cubismo como el collage como antecedentes directos de la poesía experimental.

El primer paso lo dió Braque en 1899, pero fué de la mano de Picasso en 1912, cuando el collage adquirió su máxima dimensión. Con la potencia propia del maestro malagueño, el collage salió propulsado y hoy en día resulta un elemento tan cotidiano que nadie apenas lo tiene en cuenta, pero lo cierto es que de él mamaron posteriormente los futuristas, surrealistas y dadaistas sin ningún problema. -CRC-




TituloLA SIMETRIA DEL SUEÑO DE JOSE MARIA MOLINA CABALLE
AutorJOSE-CARLOS BELTRAN
PublicacionLA SIMETRÍA DEL SUEÑO
Dia30Mes11Año2005Página0
MateriaPoesia conceptual
SinopsisLa sombra y el sueño
de José María Molina
XXIV Premio de poesía Ciudad de Benicarló 2004

José-Carlos Beltrán

"LA SIMETRIA DEL SUEÑO" de JOSE MARIA MOLINA CABALLERO. Prólogo de MANUEL GAHETE JURADO
AYUNTAMIENTO DE BENICARLÓ (cASTELLÓN)
45 PAG.

Con “La simetría del sueño, José María Molina Caballero, es galardonado con el XXIV Premio Nacional de Poesía “Ciudad de Benicarló” 2004, siendo este el sexto libro, tras “Río de sombras” 1990, “Silencios rotos” 1990, “Convidados de piedra” 1991, Accésit Premio G.A.Vecquer” 1990,“Un naufragio cualquiera” 1993, Accésit Premio Nacional Rafael Alberti 1992.y “El color de la bruma” 1995, que componen la obra de una voz de interés dentro de la poesía española actual, cuando se trata de buena poesía, de esta que hace llegar a revelar sentimientos no gratuitos movidos por el mensaje del autor que se deja su vida en cada verso, limpiamente, intentando hacer surgir en cada momento, el desasosiego que no le deja tranquilo, como hombre que vive preocupado por su entorno en todos los sentidos, convirtiendo esa experiencia en verso bien escrito y directo al lector, con un idioma bien cuidado .Culminando su obra con este “La simetría del tiempo” en el que esta experiencia se pone de manifiesto en cada poema, dando una obra de madurez tanto creativa como vivencial.
José María Molina Caballero , Rute (Córdoba) 1961 además y sobre todo poeta, es un referente dentro de la poesía española como editor-director desde Rute (Córdoba) de una de las revistas de más prestigio en español, “Anfora Nova” que este año cumple sus quince años y en la que han colaborado las principales voces de habla hispana. Además de ser Director de la editorial Anfora Nova, que edita los libros galardonados con el Premio Mariano Roldán, entre otros. Miembro de la Real Academia de Córdoba desde 1991. Un hombre dedicado en diferentes facetas al mundo del verso, me hace recordar el caso de Manuel Altolaguirre, que este año celebramos su centenario. Molina como divulgador de poetas, a veces olvidándose de sí mismo y de su obra, como lo hizo el maestro, prueba de ello es este “La simetría del sueño” que dista una década de su última entrega. Gracias a hombres como este se escribe la historia de la poesía.
“El mundo es un tapiz de sombra y sueño” con este verso de Fernando Pessoa, se inicia el libro, como un anuncio de lo que nos vamos a encontrar en su interior, dividido en tres partes : Los días simétricos”, Los perfiles del sueño” y “Simetrías interiores” ya en estos anunciados se ve reflejada siempre la duda en los momentos difíciles.
El libro se inicia con un acertado prólogo de Manuel Gahete, un buen poeta, que nos ayudará a entender un poco mejor este libro breve pero intenso, en el que encontramos un Molina Caballero, intimo lleno de dudas por las desdichas que la vida comporta, “Es posible que no quiera entenderlo” pag 13, nos dice en el primer verso del libro, pero a la vez con la necesidad esperanzadora de sobrevivir su tiempo “Las palabras nos sobreviven” pag 14, en el poema “Las palabras” quizá el mejor del libro. “Es posible/ redimir las penas que afligen/ nuestras manos manchadas por la vida/ y de la derrota de los dogmas” pag 15 con esta estrofa nos presenta su mundo de esperanzas y de dudas, que es el tema central de este “La simetría del sueño” que se cierra diciendo “En la vida concurren tentaciones / con las que casi siempre claudicamos “ pag 47, como un signo de debilidad que nos persigue en nuestro natural transcurrir. En resumen nos encontramos ante un buen libro, con el que la obra de José María Molina Caballero se enriquece, y nos hace abrir la ilusión a la espera de nuevas vivencias poéticas, como parte de una vida entregada








TituloAbelardo Morell, fotografia y libro de artista
AutorBelén Ginart
PublicacionEl País
Dia28Mes11Año2005Página43
Materia
SinopsisNunca pude imaginar que la fotografía pudiera hacer libros de artista, pero Abelardo Morell asi lo demuestra. Sus fotografías hacen libros de artista con una facilidad pasmosa. La relación que mantiene con ellos es tan intensa que produce este milagro de manera instantánea:

»Mi atracción por los libros no estaba tan relacionada con su rareza o su preciosismo como con mi deseo de encontrar en ellos las historias que quería contar. La finalidad de mi trabajo es hacer fotografías de aquellas narraciones imaginarias. Uno de los mayores placeres que me ha proporcionado este trabajo ha sido dedicar mucho tiempo a mirar, abrazar, oler y leer muchísimos libros: grandes, altos, pomposos, modestos, divertidos, tristes, orgullosos, injuriosos y radiantes. Naturalmente, además de estos, hay muchos más que necesitan ser encontrados, ¡por quién sea! Para mí, la magia de estos objetos es algo que se sitúa entre la fotografía de un libro y el libro en sí mismo. A veces he vivido la maravillosa experiencia de llegar a la certeza de que los libros contienen todo el material de la vida, todo lo que cabe entre la A y la Z.»

Abelardo Morell nace en 1948 en La Habana, Cuba. Emigra con sus padres a Estados Unidos a los 14 años. Ha realizado numerosas exposiciones individuales, principalmente en Estados Unidos (Chicago, Los Angeles, Baltimore, San Francisco, Detroit...), así como en Canadá, Israel, Londres, París, Tokio, México... El Museum of Modern Art de Nueva York, el Art Institute de Chicago y otros más de cuarenta museos e instituciones de todo el mundo han incorporado obras de Abelardo Morell en sus colecciones.
Ha recibido numerosos premios, entre ellos el Guggenheim Fellowship en 1993. Ha publicado ocho libros de fotografía. Actualmente es profesor de fotografía en el Massachusetts College of Art.

TituloAbelardo Morell, fotografia y libro de artista
AutorBelén Ginart
PublicacionEl País
Dia0Mes0Año0Página0
Materia
Sinopsis

»Mi atracción por los libros no estaba tan relacionada con su rareza o su preciosismo como con mi deseo de encontrar en ellos las historias que quería contar. La finalidad de mi trabajo es hacer fotografías de aquellas narraciones imaginarias. Uno de los mayores placeres que me ha proporcionado este trabajo ha sido dedicar mucho tiempo a mirar, abrazar, oler y leer muchísimos libros: grandes, altos, pomposos, modestos, divertidos, tristes, orgullosos, injuriosos y radiantes. Naturalmente, además de estos, hay muchos más que necesitan ser encontrados, ¡por quién sea! Para mí, la magia de estos objetos es algo que se sitúa entre la fotografía de un libro y el libro en sí mismo. A veces he vivido la maravillosa experiencia de llegar a la certeza de que los libros contienen todo el material de la vida, todo lo que cabe entre la A y la Z.»

Abelardo Morell nace en 1948 en La Habana, Cuba. Emigra con sus padres a Estados Unidos a los 14 años. Ha realizado numerosas exposiciones individuales, principalmente en Estados Unidos (Chicago, Los Angeles, Baltimore, San Francisco, Detroit...), así como en Canadá, Israel, Londres, París, Tokio, México... El Museum of Modern Art de Nueva York, el Art Institute de Chicago y otros más de cuarenta museos e instituciones de todo el mundo han incorporado obras de Abelardo Morell en sus colecciones.
Ha recibido numerosos premios, entre ellos el Guggenheim Fellowship en 1993. Ha publicado ocho libros de fotografía. Actualmente es profesor de fotografía en el Massachusetts College of Art.

TituloCine letrista
AutorRedacción
PublicacionAG Macba Informativo
Dia0Mes11Año2005Página4
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte experimental,Performance
SinopsisEl letrismo es un movimiento de vanguardia poco conocido fuera de Francia o de los contornos de la literatura y el cine experimental. Fundado por el escritor rumano Isidore Isou tras su llegada a París en 1945, el letrismo tiene la particularidad de haberse renovado con sucesivas generaciones a lo largo de más de treinta años. Inicialmente un programa de innovación poética (y musical por su condición de poesía sonora), luego fue abriéndose a toda clase de ramas del arte, la cultura y el pensamiento, incluyendo cierta actividad política en torno a la idea de «sublevación de la juventud». El cine fue, desde 1951, un medio frecuentado por diversos miembros del grupo letrista, aunque llevándolo hasta el borde mismo de su aniquilación. Y es, sin duda, uno de los aspectos centrales y más interesantes del «creatismo» inspirado por Isou.
Este volumen recoge –tras un ensayo introductorio que recapitula y señala más ampliamente su historia y sus claves– diversos textos teóricos y panfletarios, guiones y proyectos que reflejan el papel crucial que el cine ha desempeñado entre los adalides y pasajeros de la insolencia letrista.

Con textos de Eugeni Bonet y Eduard Escoffet (comisarios del ciclo de cine), Isidore Isou, Maurice Lemaître, Gil J. Wolman, François Dufrêne, Guy-Ernest Debord, Marc’O y Roland Sabatier.

Intervenciones de Esther Xargay,Carles Hac Mor, ...

TituloJuan Eduardo Cirlot
AutorNorián Muñoz
PublicacionDiari de Tarragona
Dia26Mes11Año2005Página34
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
Sinopsis...//...Otros poetas visuales de principios de siglo son los catalanes Joan Salvat Papaseit autor del primer manifiesto futurista catalán, y Josep Maria Junoy 3 considerado el primer artista catalán en practicar una estética futurista en España. Estos poetas además de ser influenciados por el creacionismo de Vicente Huidobro, conocen el futurismo italiano que canta el progreso y las máquinas, el dadaísmo, el cubismo y se hacen eco de la plasticidad y visualidad de las nuevas escrituras poéticas con sus caligramas y el uso más o menos innovador de la tipografía, el collage y una nueva disposición del espacio. 4

La década de los sesenta es otro período importante para la poesía visual española. Los poetas españoles comienzan a conocer movimientos vanguardistas extranjeros como el concretismo, el espacialismo, el letrismo o la poesía fonética por ejemplo. Un caso especial es el de Juan-Eduardo Cirlot quien produce poesía experimental desde una orientación y perspectivas únicas en el ámbito español....//...LAURA LOPEZ FERNANDEZ

Juan Eduardo Cirlot resucita ante la lente del tarraconense Gerard Gil . El Incurt acogió ayer el estreno del documental ‘Cirlot, la mirada de Bronwyn’ // La figura del poeta catalán es recuperada por Gerard Gil a través de los testimonios de veinte figuras que le conocieron de cerca y entre las que se cuentan desde artistas hasta familiares. Año y medio de trabajo que se pudo ver por primera vez en el marco del Festival Incurt.

Poeta, compositor, crítico de arte y coleccionista de espadas. Son sólo algunas de las facetas de ese complejo personaje que fue Juan Eduardo Cirlot (Barcelona 1916-1973). El tarraconense Gerard Gil se ha dado a la tarea de recuperar parte de su historia a través de los testimonios de veinte personas que le conocieron, desde gente como Antoni Tàpies o Joan Guinjoan, hasta sus hijas Lourdes y Victoria. Ha sido año y medio de trabajo que ha dado como resultado una cinta de 50 minutos. El film se estrenó ayer en el marco del Festival Incurt, que este año por primera vez incluye documentales en la programación.

Gerard Gil comenta que «con un personaje tan complejo como Cirlot, los testimonios siempre estaban llenos de sorpresas. No es lo mismo acercarse a alguien a través de su obra que hacerlo por medio de las personas que le conocieron». Entre esas ‘sorpresas’ que encontró Gil en el transcurso del rodaje se encontró, por ejemplo, con su afición a las espadas, su sentido del humor o sus relaciones con otros artistas.

Pero si algo le conmovió del poeta fue «la gran soledad que transmite», pero aclara que «la soledad de Cirlot es la de todo aquél que emprende ese tipo de búsquedas imposibles y no algo sentimental de lo que se pueda hablar frívolamente».
DOCUMENTACIÓN SOBRE EDUARDO CIRLOT
Ref.120501/Babelia/ Carlos García Gual
El universo simbólico de Juan Eduardo Cirlot
El poeta, crítico de arte, artista y compositor Juan Eduardo Cirlot (1916-1973).
El reconocimiento pleno del valor de la figura y obra de Juan Eduardo Cirlot se abre camino, al fin, en estos últimos años. Al respecto conviene recordar tanto la exposición sobre el escritor en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM), en 1996, y los homenajes de las revistas Barcarola e Ínsula, en sendos números (en 1997 y 2000), y, en definitiva, la tercera edición española, de su Diccionario de símbolos (Siruela, 1997), así como ahora la muy reciente del ciclo entero de Bronwyn. Y bien puede añadirse, como colofón actual, el libro de Jaime D. Parra, Variaciones sobre Juan Eduardo Cirlot. El poeta y sus símbolos (Del Bronce, 2001).
Profetizaba hace tiempo Carlos Barral en sus Memorias que algún día se revalorizaría justamente la poesía de Cirlot. Y esa valoración al alza parece que le llega ya con notoria, si bien algo tardía, justicia. Tal vez ha sido necesario un cierto cambio de sensibilidad, una mayor apertura de los horizontes estéticos, para advertir cuán auténticamente refulge en toda la poesía cirlotiana un surrealismo audaz y de muy largo aliento, y cuán admirable resurge su actitud de vanguardia en su apuesta por la literatura simbólica en su sentido más amplio. No es la intención de estas líneas analizar todas las aportaciones de su obra, sino que quisiera tan sólo destacar cómo, en el marco del simbolismo, la figura de Cirlot se destaca con nítido vigor en el panorama hispánico, harto castizo y miope, de su tiempo. Para ello me limitaré a glosar su Diccionario de símbolos, el más querido y laborioso de sus textos, según confesión propia.
Un vistazo de conjunto sobre el simbolismo como el que puede leerse en el utilísimo libro La simbología. Grandes figuras de la ciencia de los símbolos (Montesinos, 2001), coordinado por Jaime D. Parra- nos permite observar a Cirlot en la estela de algunos de los grandes pensadores de esta tendencia espiritual, desde Jung y Eliade hasta Bachelard, Guénon y Durand, por citar sólo algunos grandes nombres. En esa tradición simbolista hay que colocar sus trabajos de poética y hermenéutica, y en esa línea hay que valorar su aportación, reconociéndole su papel inaugural en el ámbito hispánico. Fue aquí profeta, a la par de poeta, vinculándose primero al surrealismo francés y al dadaísmo, para inscribirse luego en una tradición espiritualista de muy lejanos horizontes (que incluyen la Cábala, el misticismo sufí y el orientalismo) de anhelo universal. No es tanto la originalidad cuanto la fidelidad a esa tradición poética lo que destaca en su obra. Pero, más como poeta que como ensayista, su escritura está rodeada siempre de un halo singular, con un gusto por los envites lúdicos, los malabarismos léxicos, pero melancólico a veces, entre los múltiples juegos fonéticos y los ecos de quimeras vanguardistas.
Componer un Diccionario de símbolos es un reto difícil, porque la empresa requiere cierta audacia y una mirada de atalaya sobre culturas muy diversas, en una perspectiva ecléctica y universalista, que requiere una fina hermenéutica previa a las definiciones. Porque, a diferencia de los signos lingüísticos, que designan lo real de modo preciso, arbitrario y convencional, los símbolos son entes mucho más sutiles y de significado sugestivo, numinoso, espiritual, trascendente. Los símbolos remiten a un mundo que está más allá de lo empírico, un ámbito espiritual e imaginario que se ha definido en una larga y polifónica tradición cultural. Y en una tradición que, pese a su pretendido universalismo, presenta para unos mismos significantes sentidos y connotaciones muy diversas. Para escribir tal diccionario, Cirlot contaba con un repertorio de muchas lecturas, con su sensibilidad poética y con su entusiasmo de coleccionista, como ha resaltado Victoria Cirlot.

TituloLA DESNATADA PRESENCIA DE BELEN REYES
AutorJOSE-CARLOS BELTRAN
PublicacionINÉDITO
Dia26Mes0Año2005Página0
MateriaPoesia conceptual
SinopsisLA "DESNATADA" PRESENCIA DE BELEN REYES

José-Carlos Beltrán

"Desnatada" de Belén Reyes. 2ª Edición

Prólogo Gloria Fuertes e Introducción de Angela Serna.

Editorial Celya. Col "Generación de Vértice, Nº 47. Pags 66, Salamanca 2005

De todos es sabido que la poesía es un genero minoritario que interesa a pocos lectores que no sean poetas, por lo tanto como negocio es casi nulo, salvo las editoriales de prestigio especializadas, como pueden ser Visor, Hiperión y últimamente D.V.D, que a su vez funcionan en gran parte a la medida de compartir la financiación de la edición con entidades comerciales o públicas convocantes de premios de prestigio por su alto valor económico, lo que les permite publicar otros libros de su interés. como editoriales comerciales. Lo que nos muestra que si tiene un público determinado, aunque su mayoría gira en torno al verso. En esta situación nos sorprende gratamente ver una segunda edición de un libro de poemas, este "Desnatada" de Belén Reyes, agotada la primera edición en 1992, en la editorial Torremozas dedicada a poesia escrita por mujeres, hecho que demuestra que Luz Maria Jimenez, directora de Torremozas, tiene buen ojo al momento de editar un primer libro, con este " Desnatada" de Belén Reyes, acertó plenamente, y he aquí el resultado de una segunda edición trece años después, ya que es un libro, que con el boca a boca, como se venden este tipo de obras, ha ido cautivando a sus lectores, y en esta ocasión lo hace en una editorial que también arriesga y apuesta por nuevos autores, con firme calidad de obra.y una proyección de futuro.

Belén Reyes, madríleña de 1964, en la actualidad lleva un buen racimo de libros de calidad en su haber, obra que define a la mujer, su manera de penar y ser, una forma de vivir entregada a los demás con sencillez y sabiendo en todo momento lo que quiere decir, en un lenguaje cotidiano y directo, sin tapujos desnudándose ante el espejo de la vida. Como dice Gloria Fuertes en el sentido, breve y excelente prólogo a la primera edición de 1992 "¿Por que sé, que Belén Reyes ha nacido poeta?, Porque yo entiendo de poesía" pag 7. "A Belén Reyes se le entiende todo... no esta en la nubes, esta en la tierra" pag 8, palabras que en boca de quien la dice, son todo un testimonio de calidad poética de la autora que nos ocupa. Aunque no sea de las poetas de elite, por las circunstancias quizá provocadas de esa humildad creadora y como persona de Belén Reyes, que la convierte en una `poeta auténtica, fuera de capillas y favoritismos, que muchas veces están lejos de la verdadera poesía, como es la de Belén Reyes.

El libro se inicia con un prólogo de Gloria Fuertes, ese espejo donde se mira Belén Reyes, dando resultado un libro como "Desnatada" una primera salida con calidad probada, a la que continuaran libros como "Fotograma de mujer" 1997, "La carta" 1999, o "Ponerle un bozal al corazón" 2002, en el que alcanza plena madurez su obra, sin apartarse de las coordinadas que la definen lo largo de sus libros, de sencillez en el lenguaje y cotidianidad en la obra, con todos los momentos, sinsabores, que comporta una vida de mujer entregada con toda su conciencia social.

"Desnatada" nadie podría decir que en su momento se trataba del primer libro de la autora, dada su calidad, con un idioma claro y directo, como crónica de la dura realidad de la experiencia, bajo el magisterio de su amiga Gloria Fuertes, como su prolongación para siglo XXI. Versos que son tirones de su vida, sin disimulos, abiertos al corazón dispuesto a escuchar. "Y que sucede / si de pronto un día / te das cuenta de que todo es mentira..." pag 63 pués sucede los apuntes en forma de poema que componen el libro "Desnatada" un desencanto, por aquello que creíamos valido, y que nos ha llevado al desengaño. "Estoy al borde de ser borde" pag 19, inicial verso que nos guiará a lo largo del libro, dice Belén Reyes "Puedo mirarme dentro , en la oscura presencia / de todo lo vivido", pag 60 "Todos van a algún sitio y yo no sé que espero" pag 29, cuando se da cuenta que "La verdad , un siniestro/ y muchas víctimas" pag 31 aunque se revela de ser víctima por lo que lucha en cada uno de sus poemas para no ser absorbida por el entorno acelerado del día al día , haciéndose notaria de las horas vividas entre la duda y el desengaño. "Las palabras se abren/ como heridas" pg43, "Yo tenía una herida a plazo fijo" pag51, llegando a la conclusión casi al final del libro en el intento de aprender la lección "Inventarme vivir/ desenredar nostalgias"..."La vida es un burdel / donde todo se paga" pag 54, y como grito de rebeldía y liberalización nos dice "Porque puedo escribir/ lo que me da la gana" 55, y ello se aprecia a lo largo de todo el libro, uno de los valores fundamentales de estos poemas, que reflejan el pensar y ser de una mujer moderna y que ama la vida, aunque la quisiera de otra manera.

En resumen un buen libro, para releer a quienes ya lo conocía en su primera edición o leerlo en esta 2ª edición, como un acierto del editor Joan Gonper, por lo que representa el escaso mercado de la poesía, una aventura que no se ha realizado gratuitamente, sino porque era necesario llevar el mensaje para abrir ojos, e intentar cultivar esperanzas.

TituloMarcello Diotallevi
AutorEttore le Donne
PublicacionL´Oracolo
Dia0Mes10Año2005Página2
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte experimental
SinopsisMarcello Diotallevi es uno de los poetas visuales italiano con mayor proyección en esta disciplina por la increible fuerza de muchas de sus obras que, como es el caso de su última exposición: "Lettere di Citara", muestras un letrismo tipográfico que impresiona por su estética y su poder sugestivo. El cuerpo de la mujer es otro de los iconos que receptivamente acogen de manera simbólica el mensaje de Marcello Diotallevi.

TituloArte Postal en Elche
AutorJuan Llorens
PublicacionDiario de Elche
Dia14Mes11Año2005Página10
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental
Sinopsis...O DE COMO JUAN LLORENS LUCHO CONTRA LOS ADOS MALIGNOS...

Desde la Primera Convocatoria Internacional de Arte Postal en Elche hasta la segunda han pasado cuatro años y Juan Llorens evoca en esta crónica algunas sensaciones de la experiencia inicial y aprovecha la ocasión para hacer un repaso a la historia del mail art a partir de su propia experiencia: desde su primer contacto a partir de una lata de cocacola chafada provinente de Dinamarca, hasta su encuentro casual con una página de El País que hablaba de Pere Sousa, Ibírico y César Reglero, en aquellos momentos estos tres autores tenían sus respectivos magazines de mail art (P.O.Box, Amae y Sol Cultural) y desde ellos se difundió la convocatoria de Elche que tuvo gran resonancia y una fuerte repercusión. Hasta aquí todo bien, después viene un relato truculento de cómo los ados quisieron jugar con la fortaleza anímica de Juan Llorens.

El Centro organizador y tutor, el Ateneo Pablo Iglesia sufrió unas inundaciones y la mayoría de las obras pasaron a mejor vida, con el tremendo trauma que esto supuso para todos. Mala suerte también para otra convocatoria organizada por el Diario La Verdad sobre la Dama de Elche, el infortunio hizo que las obras fueran guillotinadas al mezclarse con otros papeles. Llorens explica todo esto con una evidente tristeza y casi como una terapia para sosegar su espíritu, pero lo cierto es que han tenido que pasar cuatro años para volver a organizar esta segunda muestra.

Sin embargo, hubo un intento intermedio abortado por el Ántrax y el temor a que todos fueran fulminados por los virus procedentes de Norteamérica. Llorens, a punto de llorar, cuenta como finalmente la convocatoria fue presentada a primeros de Marzo del 2005 en una rueda de prensa que pretendía ser multitudinaria, pero que se disolvió como azucarillo en agua caliente cuando pasó por el lugar el Ministro Trillo y todos los periodistas perdieron el c... para cubrir al excelentisimo, que finalmente fue cubierto en detrimento del mail art.

Ahora Llorens ya está repuesto y lucha a brazo partido contra los ados adversos, mientras se va de cañas con los benéficos con el fín de que todo sea miel sobre hojuela y la felicidad total culmine esta nueva convocatoria llena de emociones fuertes. –CRC-

TituloItinerarios del sonido
AutorMIGUEL ALVAREZ FERNANDEZ, MARI
PublicacionPASAJES DE ARQUITECTURA Y CRÍT
Dia0Mes0Año2005Página32
MateriaPoesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisArtículo sobre el proyecto de arte sonoro "itinerarios del sonido", también disponible en la página web http://www.itinerariosdelsonido.org/pasajes.pdf

TituloMadrid con sonotone
AutorMercedes Cebrián
PublicacionCulturas - La Vanguardia
Dia31Mes0Año2005Página20
MateriaPoesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisArtículo dedicado al proyecto "Itinerarios del sonido" (http://www.itinerariosdelsonido.org/), comisariado por María Bella y Miguel Álvarez Fernández,

TituloDerechos Humanos con Humor
AutorRedacción
PublicacionEl Pais / Ciberpais
Dia17Mes11Año2005Página2
MateriaArte experimental
SinopsisCésar Reglero, Flanagán y Solé desarrollan un proyecto web basado en los Derechos Humanos desde la perspectiva del Humor con la finalidad de que sirva de material didáctico en la escuelas por cuanto este grupo, relacionado con el Taller del Sol y los Colectivos A Pas de Caragol y Miquetas Mágicas, consideran que es el ámbito de la educación desde donde se debe partir para que el respeto a los DD.HH. vayan calando en la sociedad como algo inalienable.
http://www.tinet.org/~cicc/humor/index.html

Tituloel clubdels cors solitaris
Autormax dann/robin klein
Publicaciontren elèctric
Dia0Mes0Año1993Página0
Materia
SinopsisQuè passa quan dos escriptors decideixen escriure un llibre junts? I quan un grup de nois està disposat a "lligar" al preu que sigui? La solució é crear el Club Dels Cors Dolitaris.

TituloPlagiarismo en la Casa Encendida
AutorE.S.
PublicacionEl País
Dia6Mes11Año2005Página36
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisEXPOSICION SOBRE PLAGIARISMO EN LA CASA ENCENDIDA DE MADRID QUE PROVOCA ALGUNAS PREGUNTAS, IMPERTINENTES UNAS, INCORDIANTES OTRAS Y LÓGICAS, LA MAYORÍA.

¿ES NECESARIO EL PLAGIO?

A partir de la cita del Conde de Lautréamont 'el plagio es necesario, el progreso lo implica', Jordi Costa y Álex Mendíbil plantean una cultura de la modernidad que establecería una dialéctica con la tradición, clonando conceptos pertinentes y mutando los impertinentes. La historia de la cultura es, de hecho, una historia de diálogos y refutaciones, de espejos perfeccionados y deformantes, de ecos, reminiscencias, sintonías y rebeldías.

¿A PARTIR DEL PLAGIO SE LLEGA A LA OBRA ORIGINAL?

El plagio creativo provoca nuevos géneros
La Casa Encendida recorre en una exposición la historia, la cultura y el conflicto de la copia

¿ES EL PLAGIO UN FRAUDE O UN ENRIQUECIMIENTO?
"El copiar es un instrumento válido de creación", afirman los periodistas Jordi Costa y Álex Mendíbil, comisarios de la exposición Plagiarismo, El Quijote, Sherlock Holmes, Elmyr de Hory, Orson Welles, Walt Disney, Creative Commons, Raymond Scott, El Perro, Maloney, Tarrida, Narro, aparecen en el montaje que coloca el plagio frente a la ciencia, la historia, la cultura, el conflicto y el delito, para provocar con la tecnología nuevos géneros artísticos, como bootleg, fan fiction y found footage.

Crear, copiar. Las dos palabras se cuelan por toda la gráfica de Plagiarismo, en un recorrido por el pasado y el presente del doble en la literatura, la música, el cine, la arquitectura, el arte, la publicidad y la historia. "El plagio y la copia se identifica con algo delictivo, pero en la muestra reflejamos y reivindicamos el plagio como un elemento diferencial del original, con una aportación de crítica cultural o irónica, con una referencia artística a la tradición o al presenteEl plagio es innato al ser humano y a través de dos vídeos científicos se sitúan la replicación del ADN y la teoría sociológica de la memética, con una cultura en la que se comparte y se copian informaciones como los genes o las bacterias.

¿CUANDO DEJA DE SER PLAGIO Y PASA A SER ORIGINAL?

La autoría, el original y la copia se mueven en la historia, y se aplica a personajes literarios, melodías o imágenes. En el montaje se puede retocar la Gioconda de Duchamp, ver el Quijote de Avellaneda y la tradición de apócrifos de Sherlock Holmes, que continúa en textos de Jardiel Poncela o Mark Twain, y como ejemplo musical la historia de Casey Jones y la veintena de versiones.

El plagio es delito, con las leyes del copyright, en el fraude de Orson Welles, casos como el legado de Disney y los conflictos de Michael Jackson con John Oswald, The Carpenters con Todd Haynes o la discográfica EMI con DJ Danger Mouse, pero también es cultura. Las interpretaciones artísticas, con el empleo de las nuevas tecnologías, dan lugar a la mezcla de canciones (bootleg), los relatos de personajes populares (fan fiction) o las películas con celuloide degradado (found footage), que se difunden por Internet. Aparecen las majas de Goya, Tiziano o Manet junto a las secuelas de Harry Potter y las copias de Elmyr de Hory de cuadros famosos de Modigliani, Leger, Renoir o Chagall.

¿ES LICITO MANIPULAR LO AJENO?

El top manta y el cine popular turco (con las grandes series de Hollywood) se unen a las interpretaciones de artistas como El Perro, Dani Montlleó, Tim Maloney, John Waters, Quim Tarrida, Artemio Narro y David Domingo, para terminar con un "copiar es posible", como las licencias Creative Commons, y la práctica del visitante con el catálogo.

Esta exposición recoge ejemplos históricos de apropiación, desde el Don Quijote de Fernández de Avellaneda, a quien Cidi Hamete impidió seguir escribiendo más secuelas poniendo fin a la vida de su protagonista, hasta las multiples historias que surgieron una vez que Doyle dio 'muerte' a Sherlock Holmes, con ejemplos como los de Mark Twain o Jardiel Poncela.

(*) Eata exposición estará abierta en La Casa Encendida, de Madrid (Ronda de Valencia, 2, www.lacasaencendida.com) hasta el 5 de enero



TituloConceptos confusos : Arte conceptual español
AutorJAVIER MADERUELO
PublicacionBabelia/ El País
Dia5Mes11Año2005Página18
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones,Performance
SinopsisDespués del efecto traumático del Macba con DESACUERDOS, la exposición sobre arte conceptual español que se presenta en el Museo Reina Sofía intenta ilustrar uno de los capítulos menos estudiados del arte contemporáneo en este país con más pena que gloria. El periodo estudiado en esta ocasión es el comprendido entre 1965 - 1980

...//... Durante los años sesenta y setenta, algunos grupos de artistas, en Barcelona y Madrid, (Campal, Liaño, Zabala, Uribe, Millán, Hidalgo, Crespo, Cirlot, Almodóvar, Aberasturi, Cáceres, Brossa, Celaya, Viladot, Papasseit ...) un arte "experimental" y comprometido que, de manera marginal y subterránea, en plena represión franquista, trabajaron con formatos, materiales, temas, poéticas y contenidos que se alejaban premeditadamente de los géneros al uso: la pintura y la escultura. Producían obras y acciones que, coincidiendo o parafraseando a las que se realizaban en otros países, se alejaban de la materialidad y de la objetualidad para primar en ellas los procesos o el carácter lingüístico. De la mayoría de ellos no se tiene noticias en este muestra.
Para un país atrasado y alejado de las fuentes de producción y de información de estos comportamientos artísticos, aquellos grupos fueron un acontecimiento importante que no ha sido todavía ni bien estudiado ni justamente valorado. Para ello, era necesario hacer un esfuerzo por analizar críticamente las diferentes aportaciones separando el grano de la paja que, por motivos tribales o sentimentales, permanece aún confuso.
La exposición El arte sucede. Origen de las prácticas conceptuales en España, 1965-1980 desgraciadamente no ayuda a aclarar en qué consistió el conceptualismo en España ya que muchas de las obras seleccionadas, aunque de la época, son intuitivas o circunstanciales y carecen de "dimensión intelectual", es decir, de argumentación conceptual o de articulación lingüística, ya que la mera transgresión de los géneros tradicionales no es suficiente para calificarlas de "conceptuales". Se han juntado aquí artistas auténticamente conceptuales, pero que están representados con obras que no lo son o que son escasamente representativas de su producción, con artistas clara y decididamente objetuales, con "imagineros" de la diapositiva, accionistas sin reflexión y artistas de lo pobre, cuando no de lo "cutre", lo que enturbia el conocimiento del movimiento conceptual, el valor de sus obras y las condiciones de contexto estético, político y social, es decir, se ha negado la explicación historiográfica del fenómeno.
Así, de la artista que con mayor razón puede reclamar el calificativo de conceptual, Elena Asíns, se muestran unos dibujos muy poco representativos de su especulación numérico-musical. Los "poemas" de Francesc Torres son, sin duda, conceptuales pero no responden al compromiso social y político que caracterizó su obra ni la de sus compañeros del Grup de Treball. A pesar de que se exhiben algunos libros, la obra más inconfundiblemente conceptual que se ha realizado en España, El libro de la i, de José Luis Castillejo, ni aparece en la exposición ni se da noticia de él, lo mismo que sucede con los primeros trabajos de Alberto Corazón. Por el contrario, se repiten los mismos nombres de artistas estériles o de epígonos de Joan Brossa, sin que tampoco se muestre alguna obra "conceptual" del maestro. Por último, las obras se muestran revueltas, sin explicaciones ni aclaraciones, en una especie de rastrillo en el que unas piezas se interfieren visualmente con otras, ayudando así a la ceremonia de la confusión...//...


Titulo“El Sol sale para todos”
AutorPilar Fernández Rodriguez
PublicacionExtremadura al Día
Dia11Mes5Año2005Página0
MateriaArte experimental
Sinopsis “El Sol sale para todos” de Roberto Farona

...//...Roberto es un excelente compañero de charla, sobre todo si el tema es la literatura o Italia, país donde ha vivido y que le encanta, tras su estancia como lector de español en la ciudad de Bolonia. También ha hecho sus pinitos como periodista, poeta visual y artista postal.

Pues bien, yo asistí a la gestación de algunos de los textos que ahora ha recopilado y saca a la luz en esta obra titulada “El sol sale para todos” y que ha publicado la editorial andaluza “Mar de Tanis” con ilustraciones de César Reglero. Se trata de composiciones literarias escritas en prosa, pero no exentas del sentido del ritmo, tan propio del verso, por lo que podríamos decir que están a caballo entre los dos géneros, a la manera de los textos de Pedro Casariego Córdoba o los “apócrifos” de Rafael Pérez Estrada.

En el caso de Farona, los temas eternos son el absurdo de la existencia, los matices inaprensibles de una realidad que, a menudo se nos escapa, la ironía y el escepticismo acerca de la figura de Dios, el engaño de las apariencias, las recreaciones personales de temas históricos o la poesía que se esconde tras los gestos más cotidianos.Pondremos algunos ejemplos de lo que estamos afirmando, y, de paso, contribuiremos a divulgar tan vanguardista obrita.

Sobre el absurdo de la existencia, leemos en uno de sus textos: “Tirar un papel al cesto siempre produce cierta congoja. Si usado, por desconsideración a lo ya expuesto, y si está en blanco, por no haber mancillado su blancura con algún gesto, por espontáneo que sea, que consignara su existencia.”

Los matices inaprensibles de la realidad que se nos escapa: ”No dejó de recorren el mundo hasta tener recogido en el vientre de su aspirador de sonidos la última vibración terrenal, así, pensaba, se crearía la más hermosa sinfonía jamás ideada. Sin embargo, lejos de cualquier previsión, toda esa descomunal mezcolanza de sonidos dio como resultado el más absoluto de los silencios”.

La ironía y el escepticismo acerca de la figura de Dios: “Era difícil de creer, pero era así. Sin mediación de centralitas celestes, un buen día se dio cuenta de que su teléfono tenía línea directa con Dios y podía llamarle cuando bien quisiera. El único inconveniente es que salía siempre la operadora diciendo que dejara mensaje porque había salido.”

Acerca del engaño de las apariencias: “Supieron al fin por la prensa que aquel que desayunaba en la churrería al que creían un vagabundo ensimismado era un filósofo. Ahora se lamentaba de haber salido en los papeles: era embarazosa tanta solicitud, pensaba, aquella gente creía que la misma masa de los churros le infundiría la lucidez adecuada poara interpretar la realidad.”

En cuanto a la recreación personal de temas históricos: “Santa Lucía elaboraba pócimas para las parturientas en el tiempo que el mago vino a visitarla para ofrecerle la inmortalidad que rechazó, porque, dicen las crónicas, prefería recordarse siempre con esa lozanía, alma de los gorriones de la mañana, cuando el pudor le impidiera siquiera en broma contemplarse en las aguas del río. Fue aquel un sortilegio contra la realidad de los espejos y así el tiempo nunca logró velar su belleza.”

Por último, veremos dos ejemplos de composiciones realmente bellas sobre la poesía que se oculta tras los gestos más cotidianos: “Cuando heredó el arca de su abuelo cuidó en las temporadas cálidas de colocar frascos de agua en sus extremos porque así, decía, la madera recordaba los tiempos en que fue árbol y no podría secarse de aburrimiento.”
...//...

TituloDada y el antiarte
AutorMonográfico /varios autores
PublicacionBabelia/ El Pais
Dia29Mes10Año2005Página127
MateriaPoesia sonora,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisBabelia dedica un monogáfico al Dadaismo con motivo de la retrospectiva que se le dedica en el Centro Pompidou de París y el MOMA de Nueva York. Lo interesante del caso es que "Dada", como dijo Tzara, significa NADA, una especie de nihilismo antiestético que se manisfiesta contra todos los ismos, academicismos y orden establecido.

Sin embargo, tanto el Centro Pompidou como el MOMA olvidan un detalle: si bien es cierto que el dadaismo (1916-1924) también realizaban exposiciones, tenía el detalle de poner la entrada por los urinarios, muy a tono con el golpe de mano que dió Duchamp con su Ready Made.

Asi que, en esencia, es un movimiento anti-museo, anti-exposición, ant-todo. Pero la realidad se ha impuesto y el efecto producido por este movimiento iconoclasta ha sido que ha impregnado por completo el arte contemporáneo, en consecuencia, esta en todo tipo de museos y es homenajeado y celebrado en exposiciones mil.

Dicen los entendidos que de esta fuente han bebido hasta la saciedad autores como John Cagé y sus silencios sonoros, Andrè Bretón y el surrealismo, el Body Art, el arte póvera, los especialistas en fotomontajes y en videocreación, Pollock y su action painting, los amontonamientos monumentales de Arman, el happening de Fluxus, la Internacional Situacionista, etc.

Asi que debemos aminorar nuestras ínfulas innovacionistas y recordar a nuestros padres putativos situados en el Café Voltaire. Alli el maestro del escándalo, un tal Tristan Tzara, dió paso a una generación de un humor ácido a veces, otras dulzón, infantil y siempre crítico. La increible historia de Arthur Cravan o los delirios tipográficos de Picabia fueron una consecuencia directa de este ambiente transgresor de principio de siglo.

Hay un aspecto del dadaismo que interesa especialmente a todos aquellos que nos movemos en el terreno de la poesía experimental. Es la poesía sin palabras. Picaba reconció en su momento que fué Apollinaire el inspirador, a través de sus caligramas, de la poética dadaista, al romper, de un plumazo la frontera entre literatura y plástica. Desde entonces no fué necesario recurrir al presente y al pasado de la hoja para que la historia fuera completa.

Apollinaire, era capaz de captar una conversación en la calle, y sin variar ni una coma ni un acento, transcribirla textualmente en forma de poema, sin que por ello le temblara el pulso en ningún momento ni dudara, ni por un segundo, que aquello era arte en estado puro. Después llegaría Cagé y sería capaz de hacer un concierto sin que sonara ni un sólo instrumento (bastaba el carraspeo y los inquietos movimentos del público en el asiento para llenar de contenido la sala)

-CRC-


TituloArman u Humberto Eco
AutorOCTAVI MARTÍ
PublicacionEl País
Dia27Mes10Año2005Página49
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
Sinopsis
Armand Pierre Fernández, fallecido el 22 de octubre en Nueva York a los 76 años, víctima de un cáncer, era sin lugar a dudas, bajo el nombre de Arman, el más popular de los artistas franceses vivos.

Su obra está presente en las calles de diversas ciudades -en Beirut apiló toneladas de carros de combate en la plaza de los Mártires; en París decenas de relojes ante una estación de tren; en Roanne centenares de tenedores ante un restaurante prestigioso, etcétera-, decora el interior de hoteles y tiendas y sus acciones -llenar de basura una galería de arte, destruir a hachazos el mobiliario de un interior burgués o aserrar de manera sistemática violines o saxofones- han sido reproducidas en la prensa y la televisión.

El éxito le ha permitido mantener un taller en la Provenza francesa y otro en Nueva York, multiplicar las ediciones en bronce de sus obras y tener a su servicio un pequeño equipo de colaboradores fijos. Ese hacer industria de sí mismo, de su imagen y marca, hizo que Arman no gozase de la ayuda de las instituciones oficiales, que en Francia prefieren que los artistas, o bien sufran miseria, o sean incomprendidos, o estén muertos.

A Arman, como a un Warhol cualquiera, el reconocimiento de la crítica -era el artista vivo preferido de Umberto Eco- y del mercado le llegó pronto y quizá por eso no fue hasta 1998 en que el Jeau de Paume le dedicó una retrospectiva.

Personaje cultivado y curioso, Arman comenzó en el mundo del arte formando equipo con Yves Klein, Jean Tinguely, Martial Raysse y Daniel Spoerri. Con los tres últimos compartía el haber convertido el objeto en su materia primera, con Klein la idea de "apropiación absoluta". El grupo recibió el nombre de Nuevos Realistas porque ponía fin -al menos eso pretendía- al predominio del llamado expresionismo abstracto.

Mientras Klein se "apropiaba" de una tonalidad de azul y le daba su nombre, Arman se "apropiaba" de la idea de acumulación. Tenedores, libros, coches, lamparillas, violines, llaves, todo era objeto digno de ser acumulado por el furor de coleccionista con humor que animaba a Arman que, por ejemplo, era capaz de bautizar una obra consistente en una acumulación de llaves como El retorno de los cruzados. Desde 1954 Arman había abandonado la pintura en el sentido clásico de la palabra. Muy influido por Duchamp -"era el rey Arturo de una mesa redonda en la que se sentaban como caballeros Max Ernst, Man Ray, Salvador Dalí...", recordaba Arman-, su trayectoria era sistemática y organizada.

En 1959, después de que Klein hubiese expuesto en una galería una obra consistente en vaciar completamente el espacio de la misma, él llegó con su obra Plein (lleno), consistente en llenarla con varias toneladas de basura de "residuos de nuestra civilización".

El lunes, Nicolas Bourriaud, el director del principal centro francés dedicado a la creación contemporánea, el Palais Tokyo, no tenía ningún reparo en admitir que Arman era "uno de los primeros en haber comprendido la naturaleza de nuestra sociedad industrial".

A los objetos de Arman les sucedían cosas, no se limitaban a aparecer almacenados juntos. Primero fueron sumergidos en pintura para ser luego proyectados contra una superficie que recogía así un rastro de su silueta; más tarde decidió romper objetos repletos de pintura o sin pintura alguna. Es el momento de las cóleras de Arman, a la que sucede un periodo de cortes -la sierra es ahora el pincel- para llegar a la fase de las combustiones.

Mientras su amigo César se dedicaba a las compresiones y expansiones, Arman siguió coleccionando planchas, máscaras de gas o destornilladores. En la última feria de arte contemporáneo de París, una obra suya de 1963 -Control de natalidad, una acumulación de muñecas dentro de una maleta- se vendía por 250.000 euros. No es ninguna sorpresa para un artista que, desde 1960, vio cómo su trabajo, siempre comprensible, no siempre del mismo nivel de exigencia, alcanzaba cotas muy importantes. Ya no podrá seguir acumulando.-

TituloLabcrom di Sol homenajea a Viladot
AutorCarina Filella
PublicacionEl Punt
Dia9Mes10Año2005Página39
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisEl col.lectiu de poetes visuals agrupats sota el nom Labcrom di Sol, fotmat per Roberto Farona, Agustín Calvo Galan y César Reglero, acaba de editar un quadern en homenatge al poeta lleidetà Guillem Viladot, mort el 1999, "com a reconeixement a un creador multidisciplinari, pioner al nostre país de la poesía experimental, sempre a la recerca d´un marc amplait per a l´expressió poètic i els nous llenguatges d´avantguardia".

Els autors d´aquest llibre consideren que "sis anys després de la morte de Viladot, la seva figura no ha estat pro reconoguda".

El llibre homenatge a Guillem Viladot,
l´apotecari poeta, de dotze planes comprèn tres obres gràfiques de cadascun dels autors: "tres maneres d´aproximar-se formalment a les arrels de la poesía visual catalana i, evidenment, a la personalitat més trancadora del poeta i farmaceutic d´Agramunt.

El col.lectiu Labcrom di Sol ha iniciat amb aquest llibret d´homenatge una sèrie dedicada a "poetes experimentals fonamentalment de la nostra tradició contemporània, no amb la vana pretensió de popularitzar-los, sinó per retrobar-nos amb las sevas experiències enriquidores, , desde el punt de vista de la creació actual".

César Reglero va assenyalar que aquest quadern es distribuira en l´ambit internacional, sobre tot a Amèrica del Sud i a Itàlia.

TituloAnònims / N.O. + A.R.T.
AutorEVA VÀZQUEZ
PublicacionEl Punt
Dia19Mes10Año2005Página0
MateriaArte experimental
SinopsisNeix a Girona Només Art, un espai d'exposició que prioritza l'obra i celebra l'anonimat

Que cap nom no enfosqueixi ni enlluerni l'obra, que res no hi sigui superflu i, en canvi, tot atrevit. Aquest és el punt de partida de N.O.+.A.R.T, un nou espai d'exposició que s'estrena divendres vinent al número 21 del Pou Rodó de Girona amb una proposta d'artistes anònims que fa honor a l'anagrama i el sentit de la galeria, «només art», res d'oripells. Berta Casas i Carles Martí en són els coordinadors; Glòria Bosch, l'assessora i curadora, i Pep Admetlla, el responsable de la idea. L'autor del dibuix que il·lustra la portada del primer catàleg, naturalment, és anònim.
Si cap informació externa a la imatge no la connota, l'espectador s'enfronta a l'obra nua, aquella que «ens qüestiona sobre la nostra manera de mirar i de pensar, ens allunya dels referents i dels condicionants per exercir lliurement el procés perceptiu», segons afirma Glòria Bosch, que ha titulat la primera exposició Anònims. Només Art és un espai polivalent, estructurat en un àmbit per a exposicions temporals, sempre entorn d'un tema que convidi a la reflexió, i un altre d'organitzat a la manera d'una sala d'estar domèstica on tothom qui ho desitgi pugui trobar un lloc de consulta i debat, amb llibres, catàlegs i projeccions disponibles. «L'objectiu és trencar amb la imatge d'espai o galeria convencional per oferir un servei al públic», asseguren els seus responsables. Anònims s'inaugura divendres, a 2/4 de 9 del vespre, i es podrà visitar fins al 9 de desembre.

TituloElogio del silencio
AutorF. Basco Gracià
PublicacionBonart
Dia0Mes10Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Arte experimental
SinopsisEl Centro Cultural Torre Vella de Salou acoge hasta el próximo 23 de octubre una magnifica exposición de Ana Sánchez (Salamanca, 1964). Presenta veinticinco obras de pequeño, mediano y gran tamaño, que ocupan las dos grandes salas del dentro. Están realizadas en collage, con impresiones gráficas sobre tela, bajo el título común y numerado "Cartel de palabras", que Raquel Medina calificó como un "mar de palabras" o un "elogio del silencio", que es una manera de recuperar las palabras y su significado. Ana Sánchez, por su parte, comenta que en su obra trabaja la palabra, rompe el lenguaje y hace imposible su lectura.

Granados señaló que hace algún tiempo descubrió las obras de Ana Sánchez, y le cautivaron desde el primer instante. Con la inteligente y creativa utilización de recortes de libros viejos o papeles, conseguía unos resultados plásticos extraordinarios. Estas cualidades -opina- han sido, en cierta manera, el motor que la han llevado a continuar investigando y trabajando con esta materia tan humilde como son los papeles viejos, que ella sabe transformar magistralmente en obras de arte.

En esta nueva exposición -destacó Granados- nos sorprende el uso que hace de carteles y otros materiales impresos. "Es una forma de retorno a la bidimensionalidad que tanto le agrada transgredir, manteniéndose fiel a unas composiciones siempre muy trabajadas y con una sensibilidad que se percibe en todas sus obras.

Se trata de una obra trabajada con secuencias bíblicas, efectos táctiles, o como en la muestra actual, con gráficos visuales (Raquel Medina)

TituloENTRE LOS LIBROS FISICOS Y LOS VIRTUALES, en torno
AutorSanti Cabezuelo
Publicacionentrejovenes
Dia0Mes0Año2005Página36
MateriaArte postal
SinopsisENTRE LOS LIBROS FÍSICOS Y LOS VIRTUALES, en torno a una convocatoria de mail-art, artículo de autor en torno a la dualidad entre los libros físicos y los virtuales, en el marco de la exposición de mail-art y libros de artista en el C. C. de la Barceloneta desarrollada en junio de 2005.
Reproducciones de obras de Christa Behmenburg, Larissa Baptista y Mónica Beatriz Damario.

Entrejóvenes 88, Publicación de ámbito estatal (Spain) dirigido a jóvenes.

TituloArte, Prazac, Merlancolía
AutorOctavi Martí
PublicacionEl País
Dia17Mes10Año2005Página37
MateriaArte experimental
SinopsisDesde hace tres años, un equipo de investigación psicografológica formado por César Reglero, Maria Luz Zamora y Agustín Calvo, estan trabajando sobre las escrituras manuscritas de cientos de artístas buscando las raices de la creatividad y la relación de la escritura con la obra. Entre los resultados encontrados, uno muy importante: un porcentaje significativo de artistas muy creativos rondan los límites que separan la creatividad muy acentuada y el trastorno mental. El traspasar estos límites depende muy, mucho, de la canalización que puedan dar a su producción artística y el grado de satisfacción que encuentren en ella. Ahora una importante exposición ahonda en otra parcela del trastorno mental que, por otra parte, también fué significativa en el estudio señalado: la depresión.

Desde el Dada hasta Goya, pasando por Boticcelli, Van Gogh, Munth, Baicon, Duchamp, Picasso, Hopper, etc. han tratado en profundida un tema que afecta a toda la humanidad: La melancolia. Y esta preocupación universal ha sido recogida en una muestra impresionante en el Gran Palais de París y el Centro Pompidou. Son 300 obras que recogen este estado de ánimo que a lo largo de la historia ha sido visto desde muy diferentes puntos de vista:

HIPOCRATES: la melancolía constituía para él uno de los cuatro humores propios del ser humano

CRISTIANISMO: lo asociaba a la pereza y, en consecuencia, muy próximo al pecado

RENACIMIENTO: es la enfermedad del genio

ROMANTICOS: lo asociaban a la soledad y al estado de introspección

EL CIENTIFISMO DE FINALES DEL XIX: directamente la relaciona con la depresión, la neurastenia, esquizofrenía o el trastorno bipolar

S. XXI: Melancolía = Prozac

Y no es una exposición fácil, han sido 10 años de estudio los que ha propiciado la muestra...

-CRC-

TituloARTE POSTAL EN ELCHE
AutorJUAN LLORENS
PublicacionDIARIO DE ELCHE
Dia14Mes11Año2004Página10
MateriaArte postal
SinopsisA sólo mes y medio para terminar el plazo de la Ii convocatoria Internacional de Arte postal de Elche (ver convocatorias BOEK..) a Juan LLorens le faltan animos para escribir sobre el particular...cuatro años intentandolo y dejandolo estar...
En oct-98 tuvo lugar una muestra didactica de mail-art abarcando todo el ciclclo vital, desde niños de primaria a mail artistas consagrados, pasando por amas de casa y personas de la 3ª edad.
Todo arrancaba desde el año 92, merced a un saludo del pintor Erik Styrbjorn Petersen, consistente en un bote de cocacola chafado y franqueado desde Dinamarca.
Despues de la exitante aventura de conseguir de correos el permiso de circulacion de nuestros artefactos.
Por último en el año 96, el encuentro casual en las hojhas del Pais, de otros artistas que se movian en nuestra misma direccion. PERE SOUSA en Barcelona, IBIRICO en Madrid, CESAR REGLERO en Tarragona... gracias a ellos y a todo el material recopilado en sus fancines,supimos de la historia y el espiritu de esta nueva locura.
Sus paginas fueron decisivas para divulgar nuestra I convocatoria Internacional de arte postal en Elche, organizada por el Ateneo Pablo Iglesias y cuantas convocatorias paralelas se llevaron a cabo en el Pericodico La Verdad y la sala Directo.
La fatalidad haria que el sotano donde se guardaban las obras se inundara y el agua acabase con toda la colección. También los artefactos enviados a la Verdad, alusivos a la Dama de Elche... vinieron un dia y se los llevó el del papel, para guillotinarlos.
Los del Pablo Iglesias estuvieron años sin atreverse a decirmelo, y siempre que me veian me preguntaban por mi colesterol y mis trigliceridos....
Gaspar maciá, el delegado hizo todo lo que pudo para reanimarme, asegurando que todos estos aqvatares y vicisitudes en el fondo beneficiaban el marchamo heroico de lo marginal. Que en adelante el mail-art saldria revitalizado y... !tocame los güevos!
En el 2001 se imprimian las bases de la II convocatoria... pero mira por dónde apareció lo del antrax....
En Correos de Elche me enseñaron unas cajas llenas de guantes y caretas. No era el momento.
A primeros de marzo de este año, por fin!!! se quedó en reunir a la prensa y los medios en presentar oficialmente la II convocatoria internacional ..me acompañaron en la rueda de prensa el recien estrenado concejal d cultura Jose Manuel Sanchez , el presidente del ateneo José Fernandez y el concejal de disciplinas y correctivos (azote de grafiteros) Federico Buyolo.
Ibamos a conmover y movilizar a la ciudad con nuestras confesiones... pero os cuento algo? Ese mismo dia pasaba por allí Federico Trillo y todos los medios se fueron detrás de él...

Las Bases de la Convocatoria están en el BOEK, os rogamos participación. gracias. -IBIRICO-

TituloEmbotellamiento
AutorManuela Villa
PublicacionEl País
Dia14Mes10Año2005Página24
MateriaArte de accion,Arte experimental,Performance
SinopsisHay muchas formas de dar a conocer un pueblo aislado (Intza/Navarra/60 habitantes)), pero pocas tan tremebundas como la de organizar un monumental atasco de coches en las carreteras que lo cruzan. Y esta fué la idea para la performance de Maider López. Cuando lanzó el proyecto por diferentes medios, no tenía ni idea del eco que la misma iba a tener. Pero cuando se levantó inquieta el domingo de autos y comprobó que el atasco no desmerecía de los grandes atascos de las grandes metrópolis, su satisfacción fué enorme. Y es que Maider, podía dudar de cualquier cosa, pero nunca debió dudar de la excelente predisposición que tienen los automovilistas para crear un buen atasco allá donde la ocasión lo requiere. La prueba está en que nunca fallan cuando hay un puente. El atasco siempre está garantizado: todos salen a la misma hora y por los mismos sitios. Son profesionales. Y en esta ocasión, que encima se trataba de hacer arte, con más razón. Asi que ahora su esfuerzo estará premiado con una excelente exposición durante tres meses (Octubre, noviembre, diciembre) en Artium-Vitoria.

La conclusión de la experiencia es que no puede haber un pueblo desconocido si es capaz de tener un buen atasco. Lo que ignoramos es si su alcalde promocionará la idea todos los fines de semana con el fín de atraer el turismo de élite, o simplemente quedará como una anécdota con la que demostrar que un pueblo, por más pequeño que sea, cuando se lo propone, se convierte en un pueblo vanguardista, contemporáneo y, hasta si me apuran, un ejemplo a seguir por otros muchos municipios que no tienen nada más que verde, silencio y el soso arrullo de los pájaros.
-CRC-

TituloPoesía Postextual
AutorCésar Horacio Espinosa
PublicacionEscáner Cultural
Dia0Mes10Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
Sinopsis...O DE CUANDO LA SOPA DE LETRAS NO ES SUFICIENTE PARA DEFINIR A LA POESIA EXPERIMENTAL. ¿Qué es y qué no es la Poesía Experimental? En este artículo, César Horacio Espinosa deja claro, en una simple frase, que la definición de Poesía Experimental como conjunto multidisciplinar y cruce de tendencias poéticas, linguisticas y plásticas, viene a ser como una SOPA DE LETRAS. Definición esta última, muy atinada a nuestro parecer, pero hasta este último aspecto es cuestionable, por cuanto, en conversación mantenida con Gustavo Vega, a finales de los noventa, me expresó su convencimiento de que, al menos la poesía visual, no debería perder el referente linguístico para ser considerada como tal. Pero desde hace mucho tiempo la escritura sin letras también es considerada Poesía Visual. Asi que, a nuestro parecer, hasta la mismisima definición de SOPA DE LETRAS empieza a hacer aguas.

Por lo tanto, nos vamos a tener que quedar con ese mestizaje en el terreno de lo híbrido y sálvese quien pueda. Sigamos mezclando lo iconográfico, lo simbólico y lo conceptual en la caldera de la plástica y ya veremos cual es el resultado.

En este experimentalismo definitorio nos encontraremos con la poesía semiotica basada integramente en signos no linguísticos. Signos que tienen un significado social y que manipulados adecuadamente se convierten en un mensaje directo y contundente. La famosa marcha militar de Coca Colas desfilando marcialmente a la búsqueda de nuevos imperios que conquistar, es uno de los ejemplos más contundentes de este género que, por otro lado, al tratarse de iconos universales, no necesitan traducción y su mensaje es válido para todas las lenguas.

Tampoco el poema-acción precisa de letras para manifestarse en plenitud, aunque, si se lo propone, bien pudiera ser la parte fundamental del acto en sí. Recordemos a Ignacio Gómez de Liaño, por la década de los sesenta, manifestándose con otra serie de poetas experimentales ante las Cortes franquistas con letras humanas formando diferentes composiciones (ARMAS)´...y cambiando la composición en función del lugar visitado en su recorrido madrileño.

Por lo tanto, retomando a César Horacio Espinosa, ya nos vale la definición de SOPA DE LETRAS para enmarcar la Poesía Experimental, pero con matizaciones. -CRC-

Titulo¿Para qué sirve el arte?
AutorRosa Olivares
PublicacionExit EXPRESS nº13
Dia0Mes10Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones,Performance
SinopsisEl fin del curso académico español trae un augurio poco feliz: el estudio de la Historia del Arte va a desaparecer como carrera universitaria. Es decir, quedará reducida a una especialización, y tal vez con el tiempo a un master concreto y carísimo. Algo así como lo que supone ahora irse a los cursos de empresas especializadas extranjeras. Naturalmente los implicados -sobre todo alumnos y profesores- se han lanzado a la calle a protestar. Con tan escaso éxito que hasta profesionales que le deben todo a la Historia del Arte y a los profesores de Historia del Arte (como son la directora y subdirectora del Reina Sofía) les han recriminado su actitud y rogado que se manifestasen lejos del Guernica de Picasso, que como todos sabemos no es una protesta sino un adorno navideño.


Francisco de Goya. Dibujo preparatorio para El Capricho nº 39, 1797
Estamos locos, hemos perdido los papeles. Por un lado, como podrán leer en las páginas de este nuevo número, los expertos en arte como María de Corral denuncian la banalización y espectacularización del arte y piden rigor y seriedad. Pero por otro lado las instituciones políticas e incluso las universitarias quitan rigor y seriedad. Mientras filósofos, semiólogos, sociólogos, antropólogos y otros campos del saber se acercan cada vez más al arte como un campo del conocimiento humano, la estructura define al arte y su estudio como algo de lo que una sociedad moderna puede prescindir.
Mientras se abren museos en todas las ciudades y la Ministra se llena la boca con "lo bonita que es la cultura y olé", la enseñanza del arte desaparece de todos los niveles escolares: apenas una opción en el bachiller y apenas media hora que se salda con una visita a uno de los cientos de museos del Estado. Se educa en la ausencia del arte, en la inexistencia de una Historia del Arte esencial en nuestra cultura y en la construcción de nuestra personalidad histórica. Después nos asombramos de las consecuencias que esta inexistencia tiene en la vida cotidiana: la falta de asistencia a los museos, la falta de coleccionismo, la falta, en definitiva, de conocimiento y de cultura artística que redunda en tantas cosas y situaciones que vivimos a diario. Y nos asombramos de que en España, uno de los países con un patrimonio histórico más importante del mundo, la gente no sepa ni mirar un cuadro. Pero parece que esa curiosidad, ese acercamiento al arte no se debe hacer desde el conocimiento ni desde el estudio. Si lo dicen los expertos, a lo mejor con ir a ferias y bienales creen que es suficiente.
Muchas veces nos preguntamos para qué sirve el arte, y esta decisión de eliminar su estudio de la Universidad nos está diciendo claramente que no sirve para nada. Ellos no saben, con su ignorante despotismo o sus intereses compuestos, que el arte es simplemente una parte de la vida, de lo que somos, de cómo nos definimos y cómo nos significamos. Somos nosotros, y son también ellos, aunque no lo sepan. Y eliminar su estudio no elimina el arte, que tal vez no sirva para nada, pero sin el que el hombre es sin duda un poco menos hombre... sapiens.

TituloManolo Valdés / Equipo Crónica
AutorGerard Bagué
PublicacionRl País
Dia6Mes9Año2005Página42
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisCon motivo de la exposición en la Fontana d´Or de Girona de la exposción de Manolo Valdés, se vuelve a hablar del Equipo Crónica, del que fué co-fundador y que constituyó, dentro de la vanguardía artística, uno de los pocos focos mediáticos que fueron capaces de tener una repercusión social en plena era franquista.

DOCUMENTACIÓN:

Equipo Crónica (EC) es el nombre de un colectivo artístico que se formó en 1965 con la reunión de Manolo Valdés y Rafael Solbes y se disolvió en 1981 con la muerte de este último. Generalmente se los adscribe a la corriente de arte pop pero lo cierto es que, en sus manos, los recursos habituales de esta tendencia ?tintas planas, utilización de imágenes tomadas de los medios de comunicación o de otros depósitos visuales de la cultura de masas? son meras herramientas que, combinadas con elementos de muy distinta naturaleza, dan lugar a una obra sin estilo definido y de evidente vocación política. Las obras de EC no sólo incorporan imágenes de los medios de comunicación, de los cómics o del mundo de la publicidad, también recurren constantemente a la obra de otros pintores, cuyas imágenes ?citan? conservando el estilo del cuadro de procedencia. Se trata de una pintura metapictórica, si se me permite el retruécano, que no sale del mundo de la imagen: pintan pinturas, fotos, carteles e incluso collages y lo hacen ?a la manera de?, en una constante reflexión en torno a la naturaleza del lenguaje pictórico, los géneros y las distintas maneras de representar el mundo. Por eso no se puede adscribir su obra a ninguna tendencia aunque, desde luego, su vinculación con diversos movimientos artísticos claramente politizados es sin duda mucho más fuerte que su relación con el pop norteamericano por el que, de hecho, experimentaban una cierta hostilidad y del que a menudo se servían como mero almacén del que extraer imágenes.

TituloMostra Internacional de Poesia Visual e Eletrônica
AutorJorge Luiz Antonio, Hugo Ponte
Publicacion
Dia29Mes0Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental
SinopsisMOSTRA INTERNACIONAL DE POESIA VISUAL E ELETRÔNICA

A cidade de Itu vai sediar uma exposição de poesia visual e eletrônica dos dias 4 a 11 de novembro de 2005, no Museu da Energia Núcleo de Itu e no sítio do jornal eletrônico www.itu.com.br.

Trata-se da MOSTRA INTERNACIONAL DE POESIA VISUAL E ELETRÕNICA, sob a curadoria de Jorge Luiz Antonio, Hugo Pontes e Roberto Keppler, promovida pela Academia Ituana de Letras e pela London School, com o apoio de patrocinadores.

Essa exposição faz parte da Semana da Cultura de Itu, evento da Secretaria Municipal de Cultura.

A poesia visual contará com o espaço do Museu da Energia: painéis com poesias visuais, uma sala com um livro interativo e uma exposição de algumas revistas e livros.

Participarão poetas do Brasil e de vários países.

O jornal eletrônico www.itu.com.br hospedará a exposição de poesia eletrônica, que poderá ser apreciada pelos ciberleitores de qualquer computador conectado à Internet.

O evento é uma proposta cultural e um convite: ir à exposição e acessar os variados sítios de poesia eletrônica, e, depois, comparecer à mesa redonda, no dia 9 de novembro de 2005, a partir das 20 horas, no Museu da Energia.

Hugo Pontes, Jorge Luiz Antonio e Roberto Keppler farão comunicados sobre poesia visual e eletrônica, para, em seguida, dar a palavra a todos aqueles que tiverem interesse em perguntar, discutir ou tirar dúvidas.

Para que os leitores possam apreciar a poesia visual, seguem alguns exemplos de poesia visual.

“Orfeu”, de Elson Fróes:



É um poema feito de imagens que nos apresenta o percurso da poesia, desde aquela cantada ao som da lira na Antigüidade até aquela que passa a existir nos computadores.

Outros exemplos permitem apreciar esse tipo de fazer poético: “Ligue-se”, de Hugo Pontes, explora a tecnologia da comunicação (telefone) e da reprodução (xérox) para estabelecer outra comunicação poética, a da palavra com a imagem:



“Tributo a Cesário Verde”, de Jorge Luiz Antonio, constrói a possível imagem de uma poesia do século XIX que anuncia a visualidade na poesia dos séculos seguintes:




Roberto Keppler, explorando as técnicas das artes plásticas, cria carimbos, um produto tecnológico e um símbolo da repetição e da burocracia, para produzir novos significados em “A consciência do vício”:




Essa mostra pretende apresentar o que há de inovador na comunicação poética e, assim, indicar que a linguagem contemporânea, predominantemente visual, também está sofrendo a intervenção da poesia, que agora vem sendo veiculada não apenas nos meios impressos, mas também nos meios tridimensionais e eletrônicos.

Hugo Pontes é poeta, professor universitário na PUC-Minas e supervisor educacional na Prefeitura de Poços de Caldas. É um dos pioneiros da arte xérox no Brasil e um grande divulgador da poesia visual.

Jorge Luiz Antonio é poeta e professor universitário e vem desenvolvendo pesquisas e criações de poesia eletrônica.

Roberto Keppler é engenheiro civil, artista e poeta visual e trabalha na Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo. É um dos pioneiros da arte xérox, da poesia visual e da poesia computacional.


TituloAntoni Clavé: Un creador consagrat a l'exili
AutorPilar Parcerisas
PublicacionAvui
Dia22Mes9Año2005Página0
MateriaPoesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
Sinopsis...//...Antoni Clavé, va morir dimarts a la nit a la seva casa de Saint-Tropez, a Provença, als 92 anys. Clavé havia consagrat la seva vida a l'art: pintura, escultura, escenografies, gravat..., i de fet fa tres dies encara estava treballant al seu estudi. Figura essencial de l'art català del segle XX, Clavé pertanyia a la generació de frontissa entre l'avantguarda dels anys 20 i Dau al Set, afectada per la Guerra Civil i l'exili. Clavé serà enterrat dimarts al cementiri de Montmartre de París i abans, dilluns a la tarda, serà homenatjat a la sala que du el seu nom al Palau de la Generalitat.

Antoni Clavé i Sanmartí havia conreat, malgrat els seus èxits com a pintor, la humilitat i la senzillesa, que va mantenir a l'esperit de la seva pintura al llarg de la seva trajectòria. No endebades havia nascut el 1913 al carrer de Valldonzella de Barcelona, un dels més pobres i humils de la ciutat, que li deixà l'empremta del que és essencial. Ja l'any 1942, Sebastià Gasch destacava d'aquest pintor "l'amor per la síntesi". "Clavé -deia- és un pintor profundament enamorat de l' essencial".

Clavé pertany a la generació nascuda entorn del 1910, una generació que ja no és pròpiament noucentista, que és massa jove per viure plenament l'eufòria surrealista d'ADLAN, tot i que hi sent una especial inclinació, i que veu truncats els seus millors anys per la Guerra Civil i l'exili. Al seu costat, hi trobaríem Eudald Serra, Grau Sala, Martí Bas i el cartellista Salvador Ortiga, entre altres. L'any 1926 Clavé es va iniciar en els cursos nocturns de l'escola annexa de Belles Arts, on coneix Eudald Serra, Jordi Casals, Ramon Martí i Grau Sala, espai d'aprenentatge de les tècniques de modelatge sense torn que els ensenyava l'escultor Àngel Ferrant. Després, a Can Tolosa, aprendrà totes les tècniques de l'ofici de pintor. Ja de bon principi, va demostrar una habilitat inusual, que més endavant va transmetre a un immens ventall de disciplines: la pintura, l'escultura, el gravat, la il·lustració, el cartellisme i l'escenografia...//...


TituloHomo / Revista de Arte Postal/desparece en papel
AutorSanti Palos
PublicacionDiari de Terrassa
Dia9Mes9Año2005Página24
MateriaArte postal,Arte experimental
SinopsisEl 30 de julio del 2003 el Diari de Terrassa publicaba la primera crónica de HOMO, la revista de arte postal que vino a llenar el hueco que habían dejado los míticos zines de Amano, P.O.Box, Amae y Sol Cultural. El 9 de septiembre del 2005, el mismo diario proclama el acto de defunción de HOMO-PAPEL, después de 20 número que han iulusionado durante más de dos años y medio al mundillo del mail art y la poesía experimental. En este artículo de despedida, Valdor y Javier González, declaran que seguiran con Homo a través de http://usuarios.lykos.es/artepostal

Interesante también las explicaciones que dan en el artículo sobre la evolución de la publicación iniciada por Salvador Benincasa(Homo) y a la que se incorpora en en número 10 Javier Gonzáles como articulista. Relatan como el hecho de tener que seleccionar trabajos por serles imposible poner todo lo recibido, supuso para ellos un choque de contradicciones con respecto a lo que ellos consideraban la esencia del mail art.

También explican como la denominación HOMO esta relacionada con el concepto de que el mail art conecta directamente con la esencia del hombre como ser creativo en cuanto a que desarrolla el "arte por el arte" sin aditamiento ni sucedáneos.

Finalmente manifiestan su intención de que la nueva sede del Centro Andaluz de Nueva Carteya (Terrassa) sirva de promoción y exposición del mundo del mail art, y muy especialmente del material recibido a lo largo de estos dos años y medio.

Nosotros despedimos desde aqui a este fervoroso camarada que ha sido Homo-papel, con quien hemos colaborado en la medida de nuestras fuerzas en todo el proceso, y seguimos en contacto con Javier y Valdor -como amigos y colaboradores-, y con su nueva edición electrónica.

-Boek861-

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REPRODUCCIÓN DE LO PUBLICADO EN ESTA MISMA SECCIÓN EL 30 DE JULIO DEL 2003

REVISTA HOMO DE ARTE POSTAL

Autor SANTI PALOS

Publicacion EL DIARI DE TERRASSA
Dia 30 Mes 7 Año 2003 Página 0

Materia Poesia visual,Arte postal,Arte experimental
Sinopsis El autor del artículo resalta la figura de Salvador Benicasa "Valdor" creador de la nueva revista de arte postal "Homo". Al mismo tiempo que S.P. explica alguna de las características del MA, pone de manifiesto los fines con los que fueron creados esta publicación. Entre otros los de difundir las obras que el propio Valdor recibe. Otra caracteristica importante es que la publicación no se puede comprar pués sólo la recibirán aquellos que envien una obra a Valdor.

En el primer número contó con la colaboración de dos históricos del MA: Clemente Padín y John Held Jr. Actualmente se está preparando su tercer número

TituloFotografiar lo oculto
AutorRandy Kenedy
PublicacionThe New York Times
Dia15Mes9Año2005Página11
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisEste apartado del Boek861, entre otras cosas esta dedicado al arte experimental, y, sin duda, una de las formas más avanzadas de arte experimental es la recogida en una exposición de Nueva York (septiembre-2005/Metropolitan)), comisariada por Pierre Apraxine, y en la que se trata de retratar lo sobrenatural, lo invisible, lo efímero.

DOCUMENTACIÓN

Fotografías paranormales: captando el más allá
Desde 1870 el poder de las cámaras pudo capturar no sólo lo visible, también fenómenos fuera de las explicaciones científicas

La semana pasada el Metropolitan Museum of Art, en Nueva York, abrió sus puertas para exhibir una colección de imágenes como pocas: una exhibición de fotografías paranormales.

Ésta es considerada como una de las más importantes del mundo, en la que se presentan imágenes de inicios de siglo, en las cuales se asegura haber captado el reflejo de entes extraños en este mundo.

La exposición muestra apariciones espectrales, levitación y experiencias extra corporales, en momentos que los médiums se encontraban en estado de trance.

La colección fue presentada por Pierre Apraxine, un conservador de fotografías que por dos décadas fue los ojos y oídos del filántropo Howard Gilman, con quien formó la colección

Lo sobrenatural no le impresionaba
Para Apraxine el temprano interés por la fotografía y el ocultismo se desarrolló más allá de su trabajo como coleccionista. Comenzó al inicio de los setentas, cuando trabajó con Gilman, buscaba, compraba y preservaba fotografías del siglo XIX, profundizándose en el ocultismo como pieza importante de la historia.

Sin embargo, para Apraxine lo observado en las imágenes obtenidas no fue de gran sorpresa, pues él creció como miembro de una familia de Estonia, donde lo sobrenatural en ocasiones parecía ser algo rutinario en el hogar.

Apraxine toda su vida fue curioso y muy observador, consultando psíquicos, hipnotístas, leyendo libros y revistas que le documentaran sobre lo paranormal. Fue con la fotografía que trató de probar al mundo la existencia de lo sobrenatural
Un legado fotográfico
Reales o trucadas, las 120 fotos exhibidas pueden crear incredulidad, pueden ser bellas, desconcertantes o hilarantes.

Algunas fueron tomadas por el excéntrico Ted Serios, quien aseguraba que podía plasmar sus pensamientos en papel fotográfico en los años sesentas y aunque muchos desconfiaron de su habilidad, nadie probó que realizara algún truco fraudulento.

Uno de los primeros sucesos en que se conoció la exposición de fotografías sobrenaturales en los medios de comunicación fue en 1869, durante el proceso judicial por fraude contra William Mumler, un fotógrafo de Nueva York a quien se le conoce como el primero en practicar las fotografías a espíritus.

Esto se convirtió en un gran espectáculo cuando el alcalde de la ciudad ordenó una investigación sobre sus prácticas.


TituloArte correo de nuevo en La Habana
AutorIgnacio Cruz Ortega
PublicacionRadio Musical Nacional
Dia16Mes9Año2005Página0
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental
Sinopsis
Desde hace mucho tiempo La Habana no tenía ninguna referencia del llamado arte correo, hasta –recientemente- cuando los jóvenes creadores Willson Peña Castillo y Jorge Alberto G. Fernández, que lideran el proyecto Semillas, convocaron a la exposición República de Artistas . La muestra, que acogió la galería Wifredo Lam en el municipio de Marianao del oeste habanero, abrió con unas 500 obras enviadas desde 25 países de América, Europa, Asia y Oceanía.

Tal sentido destaca en la exhibición desde su interés por acercar intereses en torno a una particular y utópica temática… La creación de una moneda local para una posible república de artistas, materializada en el diseño de billetes y monedas metálicas, cuyo valor de cambio se sustenta en la relación entre sus autores.

De tal forma, los más de 200 artistas diseñaron sus propios billetes en todos los soportes y manifestaciones que consideraron posibles… Desde técnicas tradicionales como el dibujo, la pintura, el grabado y la fotografía, hasta billetes intervenidos o recreados mediante el arte digital impreso.

Asimismo, con República de Artistas el ámbito cubano de las artes visuales interesa por tal manifestación casi desconocida, y pocas veces practicada en nuestro país. Surgida a finales de la década de 1970, el arte correo se convirtió en vía alternativa, más allá de los circuitos comunes y de las normas del arte establecidas, siendo considerado por sus cultores como expresión artística social y no comercial.

En tal sentido destaca la exhibición abierta por el proyecto Semilla en la galería Wifredo Lam con tan significativo acercamiento al panorama contemporáneo del arte correo internacional, que podrá ser visto hasta los días finales del próximo mes de octubre.











TituloArte de calle / Tárrega
AutorEva San Martín
PublicacionEl Pais
Dia16Mes9Año2005Página18
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
Sinopsis
El Festival de arte en la calle de Tárrega es el más importante de España y uno de los más im portantes de Europa. 25 Ediciones y 81 compañías de todo el mundo refrendan lo dicho anteriormente. Estamos hablando de un Festival de Teatro, pero la realidad es que se convierte en un encuentro internacional de arte en la calle donde la mayoría de espectáculos interactuan con el público y a los que se añaden multitud de performers que van por libre y usan el viejo sistema de pasar el platillo. A este encuentro asisten unas 75.000 personas, lo que es una buena referencia ahora que los teatros tienen deficit de espectadores.


DOCUMENTACIÓN
TÀRREGA I LA FIRA
per Joan Amézaga, alcalde de Tàrrega

Des de fa 25 anys es produeix a Tàrrega, una vegada a l’any, al voltant del segon cap de setmana de setembre, un fet excepcional. Tota una ciutat es transforma i sembla una altra, fins i tot per aquells que la viuen durant la resta de l’any.

I no és tan sols que les places i carrers canviïn de fisonomia pels muntatges de tarimes, grades, focus, carpes i altres elements d’aquesta mena; ni tampoc ho és pel fet que centenars d’espectacles generin l’emoció de milers de persones. Tàrrega es transforma per tot això i a més, sobretot, perquè els seus veïns també es vesteixen d’un sentiment especial.

La immensa majoria dels veïns de Tàrrega varen entendre, ja des de els seus inicis, que la Fira era un esdeveniment que ultrapassava l’àmbit local per convertir-se en una immensa plataforma cultural i festiva al servei d’un país que havia recuperat les seves institucions democràtiques, la seva cultura i les seves tradicions.

Varen entendre, independentment de quina fos la seva edat, condició o mentalitat cultural, que s’havia d’estar al costat de la Fira: deixant balcons i terrats per les actuacions teatrals, acceptant el batibull d’una ciutat plena de llum i so fins a altes hores de la nit, veient que la tranquil•litat quotidiana dels seus carrers donava pas al brogit de milers de persones vingudes de tots els indrets del país.



TituloRobert Whitman/Preculsor de la Performance
AutorRoberta Bosco
PublicacionEl Pais
Dia14Mes9Año2005Página35
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisRobert Whitman /Destaca la autora el hecho de que este preculsor de la performance se distanciara del happening -como acción irrepetible- en cuanto realizaba unas acciones minimamente esbozadas, con temática y argumento, y, en consecuencia, suceptibles de ser repetidas con variantes.//También destaca el hecho de que incluyera en sus performance el ilusionismo y la magia.

Notes biogràfiques
Robert Whitman va néixer a Nova York el 1935. Va estudiar literatura a la Rutgers University del 1953 al 1957, i història de l’art a la Columbia University el 1958. Al final dels anys cinquanta va començar a presentar performances, entre les quals s’inclouen les seves innovadores obres American Moon (1960) i Prune Flat (1965), i a exposar els seus treballs multimèdia en alguns dels espais experimentals més influents de Nova York. Juntament amb els científics Fred Waldhauer i Billy Klüver i l’artista Robert Rauschenberg, Whitman va fundar, el 1966, Experiments in Art and Technology (EAT), una associació heterogènia que organitzava col·laboracions entre artistes i científics. Va fer exposicions individuals en el Jewish Museum, Nova York (1968), el Museum of Contemporary Art, Chicago (1968), o el Museum of Modern Art, Nova York (1973). DIA va organitzar una retrospectiva de les seves obres teatrals el 1976. Alguns dels seus projectes teatrals també han visitat diversos espais europeus, com ara el Moderna Museet, Estocolm (1987 i 1989), i el Centre Pompidou, París (2001 i 2002).

Inauguració: 14 de setembre de 2005
Comissària: Lynne Cooke
Producció: DIA ART Foundation, Nova York, en col·laboració amb el MACBA



TituloNET ART
AutorFlavia de Sanctis Mangelli ed
PublicacionL' Unitá
Dia0Mes0Año2005Página0
MateriaPoesia experimental,Arte experimental
SinopsisEl diario italiano L'Unitá en su versión digital (www.unita.it) dedica un suplemento especial al arte correo-digital, el snake-art en expresión de Vittore Baroni, con ocasión de rememorar el nacimiento del Mowa (Museum Of Web Art)en 1997, dirigido por Amy Stone. Reseñas, galería de obras de autores varios y artículos en un trabajo de divulgación eficaz para conocer los rudimentos del arte digital. (RF)

TituloBurroughs en la Casa Encendida
AutorA.I.
PublicacionEl Pais
Dia9Mes9Año2005Página46
MateriaArte de accion,Arte experimental
Sinopsis
...O DE COMO CREAR UN LENGUAJE A PARTIR DE SU DESTRUCCIÓN...//...

William S. BURROUGHS es una de las figuras más transgresoras e inclasificables de la literatura universal, hasta el punto de resultar dudosa su condición de narrador, en el sentido estricto del término (contador de historias). No cabe duda de que se trata de un escritor, puesto que su medio de expresión es el lenguaje escrito plasmado sobre papel, pero ahí acaban las certezas.

El lenguaje que utiliza está tan alejado de la norma académica como de las distintas jergas y dialectos marginales norteamericanos. Con frecuencia sazona su prosa con términos de invención propia, construcciones gramaticales imposibles o palabras desprovistas de significado pero cargadas de sonoridad. Por todo ello, puede considerarse la mayor parte de su obra como poesía en prosa, ya que su intención no está tanto en la narración como en la evocación de determinadas atmósferas y ambientes, así como estados psicológicos extremos (casi nunca sentimientos). Para este fin utiliza el lenguaje, destruyéndolo y recomponiéndolo a su gusto, siempre consciente de que se trata de un código rígido y obtuso que debe ser dinamitado y reprogramado, intentando utilizarlo como fin más que como medio de expresión, ya que esto último supondría dejarlo en el lugar que siempre ha ocupado y que le ha servido para llegar a un estado de momificación absoluta.

En este sentido, BURROUGHS, como Joyce , decide replantearse la base misma de la creación literaria, que no es otra que el propio código de comunicación. Es consciente de que un nuevo código transmite siempre nuevas ideas, y lo que es más importante: nuevas sensaciones. Para él, escribir es un acto físico de coordinación motora. Su meta es escribir más rápido de lo que se piensa, tal y como lo pretendieron los surrealistas por medio de la escritura automática. Este fin, aunque imposible, se vuelve deseable y útil como método de creación, o incluso de meditación. De la misma forma que la repetición de los “mantras” en el budismo zen es una forma de desproveer al lenguaje de su significado y limpiar la mente de todo pensamiento, ayudada por el ritmo respiratorio que dichos “mantras” imprimen al cuerpo; la escritura automática es una forma de liberarse de esa corriente de parloteo interno, encerrando los pensamientos en una hoja de papel en blanco y dejándolos fluír sin reflexionar sobre ellos. Es el monólogo interior de John Dos Passos llevado a su última consecuencia.

...//...

TituloEl desierto Aragonés/Despoblación
AutorSergio del Molino
PublicacionHeraldo de Aragón
Dia4Mes9Año2005Página123
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisPocas veces una convocatoria de mail art habrá tenido tanta repercusión en la prensa como la que ha organizado Angela Ibáñez bajo el lema: CONTRA LA DESPOBLACIÓN. Son tres páginas del suplemento dominical del Heraldo de Aragón, uno de los periódicos más prestigiosos de España, las que dedica a las obras enviadas, en gran formato y a todo color, y sobre ellas elabora un artículo muy humano sobre las consecuencias de la despoblación en general y en Aragón en particular, y que Angela resume de la siguiente forma:

La partida, la marcha de las gentes buscando trabajo, un mejor medio social, comodidades, servicios, una educación, un futuro…
Buscando unos sueños que, en la mayor parte de las veces, no se cumplen, pero quién se atreve a asumirlo y a volver…
Conocer y concienciar esta lacra que crece sin cesar en todos los sitios, pero sobre todo en los pequeños municipios que terminan por desaparecer
En todo el mundo se produce este proceso, pero Aragón es una buena muestra de ello, Teruel anda a la cabeza, seguida de Huesca y Zaragoza.
• Dar a conocer la situación es dar el primer paso para su solución
• Asentar la población al territorio con servicios suficientes y convertir las expectativas vitales en un desarrollo continuado y no en un negro horizonte.

La portada del suplemento esta basado en una obra de César Reglero y la página dos en una obra de Agustín Calvo Galán. En la página tres, se recogen obras de Francisco José Marco, Consuelo Mariño y Carlos Otarola.

La exposición se inaugura el 10 de Septiembre en Castelnou(Comarca del bajo Martín, Teruel). La convocatoria cuenta con el patrocinio de la Plataforma Ciudadana: TERUEL TAMBIEN EXISTE, y las obras podrás verse en el edificio abandonado de la escuela. Como dice Angela: "No hay nada más representativo de la despoblación que una escuela sin niños."

PARA TODOS AQUELLOS QUE QUIERAN PARTICIPAR EN LA CONVOCATORIA -QUE SERÁ ITINERANTE- DEBEN TENER EN CUENTA LOS SIGUIENTES DATOS:

2ª convocatoria: Sin fecha límite, todas las obras que llegue se irán incorporando a las sucesivas muestras que itinerarán por distintos lugares de Aragón y España para terminar en Bruxelas.

...Y VER LOS DATOS COMPLETOS DE LA CONVOCATORIA EN
http://boek861.com
VER CONVOCATORIAS

TituloGrafitear Persianas
AutorCésar Reglero
PublicacionMés Tarragona
Dia30Mes8Año2005Página17
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisEstan muy preocupados los graffistas porque no se les confunda con muralistas, rotulistas, etc. Y ponen el grito en el cielo cuando algún profano en la metería dice que la pared esta llena de graffitis, cuando en realidad la pared está llena de pintadas.

Las dificultades van “in crecendo” cuando entramos en el terreno del concepto, en el campo de la esencia de lo que supone la cultura del graffiti. Esa actitud de trasgresión, de enfrentamiento ante las normas establecidas o ese temblar cuando las galerías o los museos quieren absorber este movimiento.

No es pues de extrañar que aplaudamos de nuevo a J.M. Roselló y a su pequeño espacio de arte efímero –A.R.T.- por cuanto en esta ocasión sitúa a tres graffiteros (Dann Queralt, Jordi Erola y Lluc Queralt) en la mixtura del espacio público y el privado, entre lo legal y lo ilegal, en la frontera de lo interior y lo exterior.

...//...
Y en esta parte de la teoría estábamos cuando Roselló recogió la propuesta de “Grafitejar” las persianas de A.R.T., situando a los tres artistas al borde de la ilegalidad vigente, sin por ello romper el pacto de confrontación con el academicismo establecido por cuanto todos los ciudadanos de Tarragona contemplaremos entre San Maggi y Santa Tecla como el deterioro progresivo de las obras son parte del proceso creativo.

Ahora no será preciso entrar en A.R.T para contemplar la exposición, pero es preciso que el artista no esté trabajando y tenga las persianas “echadas” para que los graffitis sean visibles. Lo cuál no deja de ser una paradoja, ya que la condición “sine qua non” para la contemplación, será que el espacio esté cerrado.

Lo cuál es ideal para tímidos y amigos de no molestar a los demás, pero para aquellos que no se encuentren en esta categoría, y se atrevan a dar un paso al frente, se encontrarán, con que aún no han concluido los ecos de la exposición anterior y el “cadáver exquisito” realizado a cuatro manos por Marín, Rosello, Abelló y Reglero, aún está de cuerpo presente, en sus últimos esténtores, pero aún presente.



TituloRecogen la trayectoria de Guillem Viladot en un cu
AutorLaia Corbella
PublicacionDiario "La Mañana" de Lleida
Dia23Mes0Año2005Página46
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental
SinopsisEl colectivo de poetas visuales Labcrom di Sol ha editado un cuaderno titulado "Homenatge a Guillem Viladot, l'apotecari poeta", con motivo del sexto aniversario de la muerte del poeta. La obra es un reconocimiento a la trayectoria personal y artística de Viladot expresado mediante tres obras gráficas de los tres autores.
Agustín Calvo, poeta visual de Barcelona y autor de "Letras transformistas", César Reglero, autor de la exposición "Prensa gráfica obsesiva" procedente de Tarragona, y Roberto Farona, profesor de literatura española y poeta visual, se han reunido para dar vida a Labcrom di Sol, un colectivo español, pero con visión internacional gracias a sus contactos con Argentina, América del Sur o Italia.
El resultado ha sido un cuaderno voluntarista de 12 páginas, hecho casi de forma artesanal, al poeta y narrador de Agramunt Guillem Viladot, con el objetivo de reencontrar las experiencias del autor desde el punto de vista de la creación visual actual. Según sus autores, se inspiraron en Viladot por su trayectoria inconformista y su talante heterodoxo por vivir y escribir desde la pequeña localidad de Agramunt y no desde la gran capital barcelonesa.
Los tres poetas visuales pretenden homenajear a una serie de artistas merecedores de la poesía visual, a partir de la inspiración de las raíces de la poesía visual catalana. Con Viladot se inicia una serie de cuadernos que tiene previsto su lanzamiento el próximo año. (ACG)

TituloPoesía Sonora
AutorJosé Lara
PublicacionConaculta /Noticias del Día
Dia8Mes8Año2005Página0
MateriaPoesia sonora,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisAfirma Eduardo Langagne: LA POESÍA SONORA, UN ÁMBITO EXPERIMENTAL NOVEDOSO Y PRÁCTICAMENTE DESCONOCIDO EN MÉXICO

Si la poesía trasciende más allá de la superficie en que fue escrita, se puede decir que ha cumplido su cometido. Sin embargo, la pregunta es saber cómo, bajo qué formas o aspectos ha llegado al receptor y cómo ha tocado o trastocado el sensorio humano.

Lo que durante muchos años estuvo reservado para la escritura, hoy ha alcanzado nuevas dimensiones al tener al aire como canal principal.

Se trata de la poesía sonora, que de acuerdo con Dmitry Bulatov, editor y curador del disco y el libro Homo Sonorus. Una antología internacional de poesía sonora, coeditado por la Dirección General de Publicaciones, Radio Educación y el INBA, su práctica está ligada al desarrollo tecnológico de la grabación que permitió manipular el sonido, y cuyo término fue acuñado en la década de los 50 por el poeta francés Henri Chopin.

"En un sentido amplio puede afirmarse que la poesía sonora es un arte que reúne la poesía y la música, y conforme se ha ido desarrollando incorpora otros elementos, tomados del teatro, el performance y la danza, todo ello enriquecido con la tecnología digital", comentó Lidia Camacho, directora de Radio Educación durante la presentación de este material en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, donde también participaron el poeta Eduardo Langagne y Jaime Raúl Zorrilla Arredondo, titular de Publicaciones del Conaculta.

Lidia Camacho explicó al auditorio que los primeros poemas fonéticos fueron escritos por Paul Scheerbart y Christian Morgenstern y publicados por primera vez en 1897 y en 1905. Pero la poesía sonora se deriva históricamente de dos movimientos vanguardistas: el futurismo y el dadaísmo, que florecieron entre 1909 y 1917 y que pugnaban por borrar las fronteras entre los tipos de arte y romper la barrera de los géneros literarios y artísticos.

"La mayoría de los estudiosos de la poesía sonora la clasifican como un fenómeno específico del siglo XX, periodo marcado por una gran cantidad de vanguardias artísticas que cimbraron no sólo el arte de la pasada centuria, sino también de nuestra concepción del hecho estético".

Muchos son los nombres que se le han asignado a esta manifestación artística: poesía fonética, poesía fónica, poema sonoro, poema partitura, poesía vocal, polipoesía, composición sonora textual, poesía intersigno y poesía sonora. El denomidador común de todos ellos es que su materia prima es la palabra o "los muñones de palabra que apenas son más que un fragmento de vocablo que casi llegan a ser nota musical".

A decir de Eduardo Langagne, no es una tarea sencilla definir lo que es la poesía sonora, ya que más que un concepto, se trata de un ámbito experimental, novedoso y prácticamente desconocido en México al que es necesario poner atención.

Ésta no existe en el papel sino en el aire y sus dimensiones son tan ilimitadas como lo es el universo sonoro. La poesía sonora transmite emociones y la necesidad de consenso de un público, señaló Langagne para después citar a Dick Higgins: "Ésta se sitúa entre la música y la poesía y es el elemento acústico el que determina su valor formal".

Por su parte, Jaime Raúl Zorrilla expresó que la poesía deviene de ese enfrentamiento con el lenguaje, de su desdoblamiento y su fragmentación, al igual que de la transgresión de los límites convencionales.

"La publicación de los discos compactos que acompañan a este libro, nos da la posibilidad de sumergirnos en una infrecuente experiencia de lenguaje poético. La voz se desdobla en sus posibles variantes, al tiempo que construye nuevos sentidos. El sonido es la palabra extraída de la palabra. De ahí, la importancia de hacer partícipes a los lectores y escuchas de este material que viene a llenar un vacío en nuestro medio".
Homo Sonorus. Una antología internacional de poesía sonora, está a la venta en todas las librerías Educal del país.

TituloPARA LEER LOS POEMAS
AutorCORPORACIÓN SEMIÓTICA GALEGA
Publicacion
Dia0Mes0Año0Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal
SinopsisBorrador de taller de lectura de imagen poética

TituloDesnudos multitudinarios
AutorFermin Robles/ Gemma Castellan
PublicacionEl País/ Informativos Net
Dia30Mes7Año2005Página8
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisCon motivo de la muestra de Spencer Tunick expone en Barcelona (Corpus Ibericum)de los reportajes fotográficos que ha realizado de sus desnudos multitudinarios, queremos resaltar algunos de los aspectos que se manejan en el tremendo entramado que rodea a una de esta performance masiva en la que pueden participar millares de personas.

- Nos tenemos que imaginar a 7000 personas desnudas a las cuatro de la madrugada en una de las principales vías de Barcelona.

- Nos lo tenemos que imaginar a todos ellos con su respectiva acreditación

- Nos tenemos que imaginar a más de cien medios de comunicación pendientes de todos los movimientos de estas personas desnudas, acreditadas y moviéndose de un lado para otro en función de las indicaciones de Spencer.

-Gruas y escaleras por doquier completan el escenario para una puesta a punto impresionante

- Ahora debemos imaginar que va pasando el tiempo y aparecen las primeras luces matutinas. El artista y su equipo toman posiciones y los participantes se mueven inquietos.

- Nos tenemos que imaginar las motivaciones que han llevado a cada uno de ellos a encontrarse en esa situación.

- Y nos tenemos que imaginar a un espectador despistado que horas antes los había visto con sus múltiples equipajes y mochilas, y ahora los contemplaba con la estética uniforme que proporciona el desnudo integral para todos.

- Ahora una tarea ardua: conseguir que las siete mil persponas, inquietas, nerviosas, agitadas,...se estuvieran todas quietas y tumbadas en el asfalto por un momento.

- Ahora imaginemos otro momento importante: siete mil almas desnudas y cien periodistas vestidos. Era injusto. Los nudiststa reclaman a estos que "TODOS EN PELOTAS". Una buena parte de ellos se solidarizan y cumplen su función con el "uniforme oficial", osea, sin uniforme."Fotógrafos desnudos sin fronteras"

- Ahora imaginemos que todo ya ha acabado, que los trabajadores empiezan a desfilar hacia el metro y los oficinistas se incorporan al trabajo en tanto que los ejecutivos lucen corbata y maletin de piel pulida. Entre unos y otros, se mezclan aquellos que no se resignan a vestirse, dado que poco antes la ciudad era suya. Los policias no saben como deben actuar en este caso.

-Dejemos de imaginar y contemplemos a Spencer declarando a los periodistas que en su país (USA) ya estaría en la carcel por toda esta secuencia de acontecimientos.

-Informativo Net-Artic que han participado como organizadores del evento se muestran satisfechos por esta declaración de Spencer,

-CRC-












TituloPervirtiendo el Muro de Palesina
AutorRedacción
PublicacionMondo Brocco
Dia18Mes5Año2005Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisPervirtiendo el muro

Bansky, stencilero de culto, "decora" el muro de Palestina.

Nada que ver con las huellas que dejan los marines en Iraq, entre trabajo y trabajo. Ésto sí es obsceno, no que aparezcan un par de tetas en la tele yanqui.

Sin mensajes explícitamente políticos, estas acciones denuncian la inmoralidad de este nuevo muro de la vergüenza patrocinado por USA.

Arte con actitud, manifestaciones más o menos espontáneas y siempre prohibidas, a lo largo y ancho de las paredes del mundo.

Banski, que pretende hace la galeria más grande del mundo, y crear en donde otros destruyen, ...en la carcel más grande del mundo. Se hizo famoso al colocar de manera clandestina varios cuadros contra la guerra de Irak en los más importantes museos neoyorkinos. Igualmente consiguió notoriedad al graffitear coches patrullas con los policias dentro.

El autor, del qué los medios de comunicación no han podido conseguir su imagen, ha declarado que aunque en general se entiende su acción en el muro de Palestina,en una ocasión se le acercó un viejo palestino para decirle que con sus graffitis "estaba embelleciendo el muro, y ellos no querían un muro bello, querían que desapareciera aquel horror".


TituloUna pareja más que artística
AutorMario Almela
PublicacionLevante de Castelló
Dia14Mes0Año2005Página0
MateriaPoesia visual
SinopsisJuan García Ripollés y Antoni Albalat son amigos desde hace largos años. Los dos son creadores y castellonenses. Uno nació en 1932 y el otro en 1961. El menos joven ya ha conseguido un amplio reconocimiento, y tiene su obra diseminada por todo el mundo, aunque le costó largos años y esfuerzos llegar a ser aceptado con toda su personalidad en su propia tierra. El que cuenta con algo menos de experiencia ofrece unas creaciones cada día más valoradas a escala internacional. Valga el dato de que está en preparación la edición cuatrilingüe de su Llibre de voliaines en inglés, sueco, ruso y catalán. Los dos artistas suelen presentar unos trabajos no siempre fáciles de interpretar para los públicos que gustan del arte figurativo o de la narratividad naturalista. Quizá por ello, ambos han compartido en algún momento la calificación arrojadiza de «extraño» o de «provocador».
Ellos han compartido muchas veces en la intimidad sus puntos de vista sobre el arte o sobre la vida. Pero ahora por primera vez podrán verse expuestas sus últimas creaciones frente a frente, de forma conjunta. No se trata de un duelo de artistas, ni siquiera de una competición más o menos deportiva. Cada cual aporta sus últimas creaciones que, afirman, «no tienen nada que ver sobre una temática prefigurada». Uno muestra sus nuevos grabados y esculturas y el otro sus últimos poemas visuales. Y tan amigos, nunca mejor dicho.
El Cau de l’Art de Llucena acogerá el próximo jueves la inauguración de la muestra conjunta en un acto que se espera que trascienda la vertiente cultural para transformarse también en un evento social. La apertura será a las 22 horas y contará además con un recital poético de Roman Bernad y un concierto a cargo del grupo Brankal, que ofrecerá su folk mediterráneo también ecléctico. Los trabajos expuestos podrán verse hasta el 22 de agosto. No se trata de una muestra comercial, por lo que las obras expuestas no estarán a la venta. [Nota d'Antoni Albalat: les obres sí que són venals, almenys les meues, però no em demaneu descompte que no us el faré, el galerista és Jesús Broch].
El beato Ripo expondrá diez grabados y tres esculturas que mantienen el estilo típico del creador, reconocible por cualquiera de sus seguidores. Él define estos grabados, en declaraciones a este rotativo , como «rompedores en la continuidad», pues defiende que en un creador hay siempre una «evolución continua». No se prodiga mucho Ripollés en mostrar su obra en las comarcas de Castelló. Pero señala que «con un amigo siempre se colabora», mientras califica a Albalat como «uno de los grandes poetas que hemos tenido y que tenemos»
La organización del evento ha corrido a cargo de los gestores del Cau de l’Art, Jesus Broch y Eloïsa Tarazona, quienes organizan una importante muestra cultural todos los años desde la inauguración del Cau en 2003.
Albalat presenta 19 poemas visuales de última hornada..Estas obras tienen, como novedad con respecto a anteriores trabajos del creador, una clara utilización de la figura humana, además de continuar con sus temas tradicionales, como elementos naturales (setas, cangrejos, un toro, pollos...) junto con ideogramas chinos.
El artista castellonense defiende, pese a lo inusual de sus planteamientos, que «la poesía visual es más fácil de captar que la poesía escrita. Yo no creo que la poesía esté para ser entendida, sino para abrir puertas interiores: lo que importa es lo que te diga a ti, no lo que le diga a otro». «La poesía escrita también puede ser difícil de comprender, y aquí la poesía visual tiene la ventaja de que, al menos, el resultado estético que proporciona es más agradable», añade el poeta de la Plana.
Ripo y Albalat, Albalat y Ripo. Tanto pinta, pinta tanto. Artistas y amigos. Poemas que parecen grabados y grabados que se asemejan a poemas. Castellonenses y más que artistas.

TituloNumerosas personalidades asisten a la apertura de
AutorMario Almela
PublicacionLevante de Castelló
Dia16Mes0Año2005Página0
MateriaPoesia visual
SinopsisEl Cau de l’Art de Llucena inauguró anteayer por la noche una exposición conjunta de los artistas Ripollés y Antoni Albalat ante una nutrida presencia de público en el que destacaban numerosas personalidades. Entre los presentes estaba el subdelegado del Gobierno en Castelló, Juan María Calles; los diputados autonómicos Francesc Colomer y Javier Tomás; el diputado delegado de Cultura, Miguel Ángel Mulet; el rector de la Universitat Jaume I (UJI), Francisco Toledo; la vicerrectora de Cultura de la UJI, Margarita Porcar; así como el alcalde de Llucena, Vicent Nebot y los concejales de la corporación.
El acto también contó con la presencia de los artistas Melchor Zapata, Maya Jankovic y del fotógrafo Juan Antoni Vicent. Igualmente estuvo Enrique Salvador, de la Coordinadora de Entidades Locales de l’Alcalatén y los deportistas Miguel Miravet, presidente de Marató i Mitja y el alpinista Carles Pitarch.
Quien finalmente no pudo asistir fue uno de los dos principales protagonistas de la exposición, Juan García Ripollés, quien regresaba de Barcelona, pero quedó atrapado en la autopista por una retención de tráfico de tres horas de duración. Albalat, por su parte, dijo que «estoy contento por el resultado, porque al principio tenía algo de miedo con esta exposición, pues nuestras estéticas son muy diferentes. No quise ver la muestra montada hasta el último día, y he de decir que la labor de Eloïsa Tarazona y de Jesus Broch ha sido magnífica, conjuntado las dos estéticas de un modo que creo que ha quedado perfecto. Se complementan muy bien».
El artista y colaborador de Levante de Castelló también reivindicó que el ámbito de la cultura debía descentralizarse al señalar que «la mayoría de veces la cultura se irradia desde la Plana, por lo que pienso que este tipo de marcos, como el Cau de l’Art de Llucena, deberían extenderse. Las gentes del interior no sólo están castigadas por la falta de infrastructuras de comunicación, educativas o sanitarias; también les falta oferta cultural. Y yo creo que la cultura es algo que forma parte del Estado del Bienestar, y que deberían tener todos acceso».
La exposición incluye diez grabados y tres esculturas de Ripollés y diecinueve poemas visuales de Antoni Albalat. Todas estas obras están a la venta, aunque el interés de llevar a cabo esta iniciativa es más cultural que crematístico.
La inauguración de la exposición contó con una serie de actos que fueron presentados por Jesús Broch. Se llevó a cabo un cocktail-cata de vinos dirigido por el enólogo Juan Carlos Pavía, y posteriormente, el poeta de Llucena Roman Bernad Negre recitó dos poemas en honor de Ripollés y Albalat acompañado por Manolo Brancal a la guitarra. Clausuró el acto el diputado de Cultura, Miguel Ángel Mulet. Como punto final de la celebración actuó el grupo Brankal. La exposición estará abierta hasta el 22 de agosto.

TituloArte Postal Multicultural
AutorS.L.O.
PublicacionEl Pueblo de Ceuta
Dia9Mes6Año2005Página18
MateriaArte postal,Arte experimental
SinopsisDiego Segura organiza la II Muestra Internacional de Arte Postal Ciudad de Murcia en las Salas del Museo de Revellin. El tema tratado ha sido el fenómeno multicultural desde el punto de vista fotográfico y en la presentación de la muestra se hizo la propuesta, a partir de esta exposición, de crear un museo de arte postal permanente.

DOCUMENTACIÖN

Diego Segura nace en Ceuta en 1943, residiendo hasta 1963 en Marruecos y si convenimos que lo que vemos, sentimos y aprendemos en nuestra infancia nos marca a lo largo de nuestra vida, Diego Segura sería un ejemplo paradigmático. En sus obras, ya sean pinturas o esculturas, vemos el sol, el color, el misticismo, la espiritualidad de nuestro país vecino.
Sus posteriores estudios en la Escuela de Artes y Oficios de La Loja, en Barcelona, y sus múltiples viajes hasta recalar en la localidad leonesa de Geniciera, no hacen sino formar una personalidad abierta, un artista polifacético que se desenvuelve con soltura tanto en la pintura como en la escultura.
Activo practicante del Arte Postal (Mail Art), preocupado por el cuidado del Medio Ambientes y la recuperación de pueblo abandonados, Diego Segura se nos muestra también en la escultura pública preocupado por cómo se integra ésta en el medio urbano y el efecto que causa en sus habitantes. Diego Segura ha participado en cursos y congresos (Huesca, Valencia, Cuenca...) y, como ejemplo de esta faceta encontramos sus obra más ambiciosa hasta hoy: Hálito de Lena


TituloConstant/ Siatuacionismo y Grupo Cobra
AutorHarry Bellet
PublicacionLe Monde
Dia5Mes8Año2005Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisConstant Anton, artista holandés, fundador del Grupo Cobra y uno de los impulsores del Situacionismo, falleció el 1 de Agosto.

DOCUMENTACION

SITUACIONISMO. MAYO DEL 68. NOUVEAUX PHILOSOPHES. POSTMODERNIDAD

I. SITUACIONISMO

La Internacional Situacionista

La Internacional Situacionista constituyó entre 1957 y 1972 un grupo de filósofos, arquitectos, pintores, críticos y activistas políticos que desde diversas perspectivas y con diversas técnicas, plantearon el interrogante sobre el papel del hombre y la cultura en la sociedad de consumo de postguerra. Desde una perspectiva radicalmente crítica e inconformista, cuestionaron el orden social a través de libros, octavillas, proyectos arquitectónicos, collages y películas que invitaban a subvertir el orden establecido. Influenciados por el Movimiento Letrista, el Movimiento Internacional por la Bauhaus Imaginista y el grupo Cobra, proponen una conexión entre filosofía, arquitectura y cultura artística. Su proyecto más ambicioso y más conocido es la New Babilonia, la ciudad nómada de Constant. Artistas como Guy Debord Asger Jorn o Giuseppe Pinot-Gallizio cooperaron en el proyecto de la Gesantkunstwerk, la ciudad-museo, la obra de arte total.

Desde el punto de vista estrictamente filosófico, el peso específico de los situacionistas, más que por los desarrollos teóricos en sí mismos, sobrevino por la excesiva influencia que ejercieron en la revuelta estudiantil de París en mayo de 1968. Los teóricos del Situacionismo son Guy Debord, (La sociedad del espectáculo) y Raoul Vanergen (Tratado del saber vivir para las jóvenes generaciones). La idea esencial es la falsedad de la sociedad de consumo. Nuestra sociedad es un puro espectáculo, es decir, apariencia. Los situacionistas proponen rebelarse contra esta sociedad de la apariencia y rechazar sus valores establecidos que nos impiden vivir una vida auténtica. Es una lucha contra el consumismo y las seducciones engañosas. Ante la falsa realidad del espectáculo reivindican el valor de la propia vida y la toma de las propias decisiones.

La utopía situacionista consiste en pretender la creación situaciones nuevas que subviertan el orden establecido, ya sea el social, el artístico, el moral, el familiar, el ciudadano, el político, el docente, etc. ...//...
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Los situacionistas devienen de la crítica marxista de la cultura: su campo de acción natural es interrogarse el papel del hombre en la Sociedad de Consumo, en la que la Cultura no es sino una de las formas de comercio y espectáculo. Hijos de la Bauhaus imaginista, del grupo CoBrA (que renegaba de la autoría y del hiperespecialismo en el Arte), y del Movimiento Letrista (las lucubraciones de Isidore Isou, comprometido con el caos y derribo de los sistemas artísticos vigentes), tienen su apogeo en las fases prerrevolucionarias del (tan mitificado) Mayo del 68 francés.

Al ser un movimiento heterogéneo, en el que cabía tanto la crítica social como la creación (teorética) de una nueva estética, el resultado es variopinto. Uno tiene la impresión después de leer sus textos más importantes que el único nexo común es una invitación a la subversión, que va desde la llamada tibia a los estallidos más virulentos. Guy Debord y Raoul Vaneigem fueron ciertamente brillantes; pero en su constelación habitan muchas medianías. Es lógico: el firmamentos se compone de cuerpos más brillantes y otros que no lucen, eclipsados la luz de los anteriores. Sin embargo, la misma amplitud del movimiento, que quiere abarcar demasiado, y las características internas del mismo (antes integrador que sistema cerrado) hace que tengamos de ello una idea confusa si lo abarcamos como un todo.

Los textos debordianos revelan una preocupación por la falsedad de la sociedad de consumo, que tienta a los seres humanos con sus cantos de sirena que esconden el seguro naufragio de la vida. Ante esto, Debord incita a la rebelión contra esta falsedad que nos impide vivir una vida verdadera. La reinvindicación es al tiempo denunciativa y resistente. Al apelar a la propia responsabilidad para negarse a la colaboración contra la Dictadura del Consumo-Espectáculo, evita el mecanicismo de cierto marxismo, pero al tiempo, parece confiar demasiado en un sistema perceptivo exclusivamente individual, que hace de cada ser humano un ser autónomo sometido al Capital por mera dejadez personal, lo cual parece un tanto exagerado.

La vertiente más revolucionaria de la Internacional Situacionista se basa en su llamada a subvertir el orden para edificar situaciones nuevas libres de este miasma. No en vano, hablan de la construcción de la Nueva Babilonia de Constant (una ciudad en la que el homo ludens de Huizinga sea realidad); no olvidemos la atracción que el Situacismo supuso para los arquitectos.

Las contradicciones internas ponen fin al Situacionismo en 1972 con un texto de Debord. Pese a ello -a su muerte declarada-, sigue medianamente activa su influencia, y aparte de reconocer sus rasgos en filosofías posteriores (postestructuralismos, Nouveaux philósophes), se siguen publicando textos relativamente cercanos al Situacionismo: Amador Savater, el hijo del filósofo de la tele, anduvo durante un tiempo (no sé ahora, hace tiempo que no le veo) muy interesado en los textos situacionistas. Leímos en un grupo en la Facultad el libro de Debord que dejo más abajo. ...//...


TituloCarlos Edmundo de Ory
AutorJuan Eduardo Zúñiga
PublicacionEl País/ Babelia
Dia30Mes0Año2005Página16
MateriaPoesia experimental,Arte experimental
Sinopsis-Una casa y dentro un poeta-

Un magnífico relato vital de la experiencia personal del autor en sus visitas a Ory (el más joven poeta del siglo)

DOCUMENTACIÓN

Carlos Edmundo de Ory
(España, 1923)
Poeta gaditano nacido en 1923 y residente en Francia desde hace más de cuarenta años. Este poeta, sutil, oculto, mágico y también de culto, constituye con su vida y obra una de las trayectorias más deslumbrantes y vanguardistas de la poesía del siglo XX. En los años cuarenta funda el grupo Postismo junto a Silvano Sernesi y Eduardo Chicharro, de vinculaciones surrealistas, y a partir de entonces no deja de participar en distintos movimientos de agitación poético-artística europea. Poeta, fundamentalmente, pero también ensayista, epigramista y traductor, los más de cuarenta libros publicados hasta la fecha han sido traducidos a distintas lenguas. Destacan títulos como Técnica y llanto, La flauta prohibida, Lee sin temor y brevísimas formas en verso reunidas bajo el nombre de Aerolitos. Ory ha escrito algunos de los delirios más bellos de nuestra poesía de todos los tiempos y es uno de los poquísimos discípulos que ha tenido el poeta San Juan de la Cruz cuyos versos, plenamente asimilados, suenan con nueva voz en algunos poemas de Ory. Sus poemas expresan delirio y exquisita musicalidad y mejores cuanto más breves son. Por eso el soneto y el artículo periodístico, por su brevedad, son la horma perfecta para talentos como el de Ory. Otros libros representativos de su obra son Los sonetos (1963) y esa joya absoluta que es Poesía 1945-1969.

SOBRE POSTISMO
...//...Era la época de la fundación del postismo. Había terminado la Segunda Guerra Mundial. España vivía una posguerra dilatada. Nuestra cultura, en ese tiempo, tiene pocas rendijas. Está seria como un gerente. Oculta su debilidad bajo aseveraciones y anatemas. Toda mi generación se ha lamentado de haber vivido la infancia durante aquellos años: si hubiésemos sido adolescentes, el trauma no habría sido menor. (Que los muertos entierran a sus muertos). Para Ory, como si hubiera sido niño. Su locura cordial, su inocencia, su espectacular torpeza vital –bajo las que alienta una indómita negativa a aceptar como buenos unos valores que suelen añadir "prestigio" en proporción directa a la espontaneidad que sofocan-, su tierno demonismo –todo aquello por cuanto se le ha llamado pintoresco o pueril o extravagante, todo aquello que, en fin, nos invita a no ignorar su libertad-, no cabían en aquel ágora sombría. No culpo a nadie: era una situación. Reconocer en la imaginación y el enfebrecimiento y el temblor y la risa algo que veinticinco años más tarde buscarían muchos jóvenes desengañados –o afortunados- y resueltos a respetar de verdad la grandeza de la poesía, era algo notoriamente complicado en el extenuado Madrid de mil novecientos cuarenta y cinco. No faltaron algunos corazones con horizonte. Pero la constante era el rechazo, la conmiseración –o la burla. Me disgusta parecer vengativo. Pero me complace extraordinariamente advertir cómo algunos advenedizos de la caligrafía que entonces se permitieron ignorar a Ory o disculparle su portentosa extravagancia, hoy, mientras Ory enriquece despacio y tenazmente nuestro maravilloso idioma, tratan de revivir con angustioso boca a boca a su propio cadáver, o simplemente lo amortajan...//...

TituloMAS DE LO MISMO EN LA POESIA VISUAL ESPAÑOLA
AutorJOSÉ-CARLOS BELTRÁN
PublicacionPOESIA VISUAL ESPAÑOLA DE VICT
Dia29Mes0Año2005Página0
MateriaPoesia visual
SinopsisMÁS DE LO MISMO EN LA POESÍA VISUAL ESÀÑOLA
JOSÉ-CARLOS BELTRÁN


"Antología de la poesía visual" Víctor Pozanco..
Edit.Biblioteca C y H. Barcelona 2005. 176 gas


En este país o se silencia cualquier manifestación artística, hasta intentar ahogarla o en un breve espacio de tiempo todo el mundo habla de ella, como queriéndola descubrir, y eso es bueno, pero a la vez perjudicial, sino se investiga , aportando nuevos conocimientos, naturalmente me refiero a la poesía visual, esa manifestación poética que se inicia en España en la década de los sesenta, silenciándose en los setenta y ochenta, y renaciendo a finales de los noventa, con las antologías "Poesía visual española ante el nuevo milenio" de mi autoría , con prologo de Angela Serna, o la antología "Poesía visual catalana " de Xavier Canals, como catálogo de la exposición en el Centre d´Art Santa Mónica de Barcelona, ambas en 1999, adentrándonos así al siglo XXI como un revivir de la poesía visual española. En estos seis años son varias las antologías ( Antología consultada de la poesía visual española" que yo convoque la correspondiente encuesta que dio lugar a la nominación de 136 poetas visuales de los cuales veintidos pasaron a formar parte del libro editado a color por Fernando Millán en Madrid,,Otras recopilaciones regionales (Valenciana, por J.C.Beltrán y B. Ferrando, Extremeña por Antonio Gómez o País Vasco,deFrancisco Aliseda) y exposiciones como la itinerante "Poesía para ver" desde Madrid 1999-Getafe 2003, tras recorrer ocho poblaciones, que han puesto la creación poética visual en la actualidad artística del momento.
Ahora llega Victor Pozanco, con su vocación de antologo-editor, recordar sus dos anteriores antologías de poesía discursiva en los años setenta, pero esta vez de poesía visual, lo cual pone de manifiesto la actualidad de este genero poético, y nos presenta 22 poetas visuales españoles, sin dar con claridad una intención con esta nueva antología, ya que desde el titulo está confusa, no especifica claramente si se trata de una antología española, internacional o cualquier otro concepto, lo que ya pone en la duda al posible lector, que en la mayoría de los casos será a la vez creador.
Lo mejor de la antología, es la presentación, con una excelente edición, con portada a color con un poema de Jose Maria Iglesias como acertado homenaje, por lo que hay que felicitar al editor-antologo Pozanco, y hay que destacar la sensibilidad con la dedicatoria del libro a José María Iglesias in memoriam, todo un detalle. Y en la contraportada con foto de Victor Pozanco, y un texto que pretende despertar el interes del posible lector.
El prólogo en dieciséis páginas escritas como memoria de autor nos hace un repaso a la historia de la vanguardia en general, y de la poesía visual en particular, sin aportar nuevos datos de interés, reconociendo la ausencia de autores imprescindibles como Julián Alonso, Antonio Orihuela, J.Ricart, Raúl Calvez, y anunciando un proyecto de un nuevo volumen para incluirlos y hasta incluso de un tercer volumen que será presentado y uniendo poetas visuales y discursivos, como una nueva antología poética general del resurgimiento del siglo XXI, una ambiciosa tarea de antologo que sin duda gozará de su interés. Sigue con el cuerpo antológico del libro, presentando a cada poeta contando su historia, donde aparecen textos que poco tienen que ver con la poesía visual.
Se ve en la selección que nos presenta Pozanco, una clara intención de dividir el libro en tres grupos, los clásicos ( José María Iglesias, Francisco Peralto, Alfonso López Grádoli y José María Montells) se nota a faltar la ausencia de Fernando Millán, una de las figuras básicas de la poesía visual en España, como uno de los iniciadores y su principal promotor a través de los años,. Otro grupo de autores que han mantenido el género en las décadas intermedias de los 70-90 como Rafael de Cozar, Josep Sou, Bartolomé Ferrando, Juan Orozco, Juan López de Aél, Angela Serna, Juan Manuel Barrado, Adolfo Vargas, otro grupo integrado a la práctica poética visual entre siglos como Nieves Salvador, José-Carlos Beltrán, Manuel Calvarro, Francisco Morales Iglesias, y un último grupo de nuevas voces como Iñigo Padro, Javier Saez Medrano, Miguel portillo, Miguel Ángel Zorrilla o la sorpresa de José Lupiañez, un excelente poeta discursivo, cuya faceta visual al menos yo tenía desconocida y me parece un acierto su inclusión tras observar su obra incluida, y por último hay una autora Susan Nash, que puede ser muy buena pintora, pero lo que no es según la muestra de su obra presentada y leyendo su bibliografía, poeta visual, su presencia hace dudar de la selección de Pozanco, porque puede llegar a confundir el termino de poesía visual al lector no habitual de ella, pero sobre todo brilla la ausencia que faltan antología poetas tan representativos como Antonio Gómez, el de mayor reconocimiento dentro del género en España, con obra en la exposición internacional ARCO desde hace varios años o Eduardo Scala, Pablo del Barco Joaquín Gómez, José Luis Campal, Gustavo Vega, J.M.Calleja, Xavier Canals, J.Sefree, etc... todos ellos imprescindibles cuando se habla de poesía visual española, no hay más que consultar las más recientes antologías publicadas como la última de "Poesía experimental española 1963-2004" de Feliz Morales Prado, Madrid 2004 la que mejor expone el género hasta el momento, en el intento de un estudio serio sobre la poesía visual en España, siendo un compendió de las anteriores.
El libro termina con unas notas biobliograficas de cada autor, que es donde se contempla que la mayoría de los nuevos nombres, son más pintores que poetas visuales, pero que despierta su interés por esas incorporaciones al genero que con el tiempo pueden aportar nuevas poéticas visuales. Terminando el libro y eso es incomprensible con cinco páginas y media bajo el titulo de "El autor y la crítica" con la reseña de los artículos que diferentes críticos le han dedicado a la obra de Victor Pozanco , este hecho resta seriedad a la obra presentada, y es una lastima porque siempre es interesante un libro de poesía visual, en cuanto ayuda a su divulgación.
En resumen más de lo mismo en el panel de las antologías de poesía visual, que indudablemente ayuda a ampliar la nomina de poetas visuales, y dar el reconocimiento que se merecen otros a veces olvidados como J.Ma.Montells, confirmar la presencia activa de la mayoría de los incluidos. Pero sigue sin ser publicado un estudio riguroso del género, que tanta falta hace para que la poesía visual ocupe el lugar que se merece como un genero poético con sus características propias.
Se puede solicitar a Victor Pozanco .Editor . c/NURIA 27 B. 08591 Aiguafreda ( Barcelona) España. o
Correo electrónico victor_pozanco@yahoo.es .



TituloMimi Parent
AutorVictoria Combalia
PublicacionEl País
Dia11Mes7Año2005Página41
MateriaPoema objeto,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisMimí Parent, artista surrealista

Mimí Parent, autora de la famosa corbata realizada con cabellos rubios titulada Masculino-Femenino (1959), un icono clásico del surrealismo, murió el pasado 14 de junio en Villars sur Ollon (Suiza) en donde estaba reposando debido a su delicada salud.

AMPLIACIÓN DE LA DOCUMENTACIÓN
París y los surrealistas. Museo de Bellas Artes de Bilbao
Del 20 de junio al 18 de septiembre de 2005.
por Alberto López Echevarrieta

Trescientas setenta piezas del surrealismo componen la que posiblemente sea la más completa exposición que se ha hecho sobre este movimiento artístico en mucho tiempo. “París y los surrealistas” es un conjunto muy variado de pinturas, fotografías, objetos y audiovisuales que, con una complejidad laberíntica, nos introduce en la última corriente inteligente de las vanguardias clásicas del siglo pasado.

La muestra constituye un recorrido no cronológico por el París de los locos años 20, agrupando las obras por temas: “Eros surrealista”, por ejemplo, reune fotografías de Man Ray (“Meret y Marcusse”, “Meret Oppenheim”, “El violín de Ingres”, “Nusch y Ady”, etc.). En “La maga y la musa” encontramos obras de Mimi Parent, recientemente fallecida, entre las que se encuentra la célebre “Masculino-femenino”, pieza que la artista presentó en la Exposición Internacional del Surrealismo de 1959-60.

Pero si nos ceñimos a nombres que gozan de la gloria de las artes, tenemos que citar en el apartado de “Antecedentes”, a Goya con su “El sueño de la razón produce muertos”, y a Giorgio de Chirico con “Las musas inquietantes”. Man Ray presenta una serie de retratos de los protagonistas del surrealismo: De André Breton a Victor Brauner pasando por el Antonin Artaud de la “Juana de Arco” de Dreyer. Dalí es figura obligada en “El sueño” con el óleo “La imagen desaparece” y la aguada sobre papel negro “Rostro con hormigas”. En “El automatismo”, Miró asoma con su “Pintura”, realizada en 1926.

Aquí están Picasso, Tanguy, Picabia, Penrose, Magritte, Duchamp, Malkine, un collage de Jacques Prévert y a título de curiosidad el libro “Défense de savoir” de Paul Éluard encuadernado en vidrio por Georges Hugnet, y el famosísimo “Manifiesto del surrelismo” de André Breton. La relación sería enorme.

En la presentación, la comisaria de la exposición, Victoria Combalía, ha confesado haber realizado su trabajo como si ella fuera surrealista de verdad, abordando también el tema político, algo que siempre olvidan los museos; la posición muy firme que tomaron los surrealistas en defensa, por ejemplo, de la República española durante la Guerra civil. O su posición, a veces ácrata, a veces cercana al Partido Comunista, porque estos artistas siempre fueron de izquierdas.

Esta mirada surrealista de la capital francesa resulta sumamente atractiva, entre otras cosas porque ofrece no sólo la posibilidad de una soberbia conjunción de artistas, sino la posibilidad de comprender que los surrealistas no sólo fueron modernos en su arte, sino en cómo veían el arte de los demás.






TituloHistorias dadaistas
AutorEdgardo Dobry
PublicacionEl Pais
Dia16Mes7Año2005Página14
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Instalaciones,Performance
SinopsisUna figura relevante del movimiento dadá entre los años 10 y 20 del siglo pasado fué, sin duda, Hugo Ball (1886.1927), creador junto a Tristan Tzara y Hans Arp del Café Voltaire en Zurich, precisamente donde nació el grupo y toda la poesía de vanguardia.

El comentarista hace mención a la aparición del libro LA HUIDA DEL TIEMPO (Diario). En el mismo se comenta la necesidad de liberarse del lenguaje para que la poesía pudiera presentarse en plenitud sin las limitaciones formales de las estructuras linguisticas. Mallarmé fué el abanderado de esta necesidad, pero también Hugo Ball, en 1916 y en el café Voltaire leyo sus primeros versos sin palabras (poemas fonéticos)

DOCUMENTACIÓN
El movimiento Dada surgió a la vez en Suiza y Estados Unidos en 1916. Desde Zurich se expandió hacia Alemania y hacia Francia. En París es ya el movimiento de moda en 1923. El movimiento Dada tiene la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra otra escuela anterior, sino que se funda en un cuestionamiento de todo el marco conceptual del arte y de la literatura de antes de la Primera Guerra.
El grupo de Zurich

Suiza, a partir del estallido de la guerra en 1914, se convierte en un centro de refugiados pacifistas de toda Europa. Allí se encontraron todos los disidentes de otras escuelas previas, tales como el expresionismo alemán, el futurismo italiano o el cubismo francés. En 1916, en Zurich, un grupo de artistas instalaron en una cervecería un pequeño cabaret, al que bautizaron como "Cabaret Voltaire". Allí se reunieron el filósofo Hugo Ball, el poeta Tristan Tzara, el pintor marcel Janco, ambos refugiados rumanos, y el pintor alsaciano Jeans (Hans) Arp. A partir de ese encuentro comenzaron una serie de actividades en el cabaret así como editaron la revista que llevaría el nombre de "Dada"

Tristan Tzara pronto se convirtió en el promotor y principal exponente del movimiento Dada. Entre él y Hugo Ball dieron sustancia a la teoría dadaísta.

El origen del término Dada es confuso y controvertido. De acuerdo con la versión de Tzara y Ball, la palabra surge de la casualidad: abriendo las páginas de un diccionario con la ayuda de un cuchillo, el primer término señalado fue ese: dada. De acuerdo con otras versiones, fueron los camareros del Café Terrasse, lugar donde se solían encontrar estos artistas centroeuropeos, quienes identificaron primeramente al grupo como dada: para esos camareros, las lenguas habladas por aquellos emigrados eran incomprensibles, salvo la sílaba "da-da" ("sí, sí", en ruso y otras lenguas)

En pocos meses los espectáculos del café Voltaire fueron famosos en la ciudad Suiza. El espectáculo dadaísta había nacido, cargado de provocación, tendencia agresiva, propuestas ilógicas y absurdas.

En 1917 Francis Picabia, un pintor francés, refugiado también en Suiza entra en contacto con Tzara. Ambos darán sentido al Manifiesto Dada de 1918, posiblemente el documento más importante del movimiento dadaísta de Zurich. Tras el fin de la guerra, el dadaismo cautiva a los artistas vanguardistas de París, produciéndose un resurgimiento del mismo. El Zurich dada, con la diáspora de sus refugiados, se había acabado.

El grupo de Nueva York

También la declaración de guerra llevó a la ciudad americana a grupos de artistas refugiados. Entre ellos hay que destacar a Duchamp y Picabia. Allí se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem, Greenwich Village y Chinatown. Aunque Nueva York no era Zurich, ni existía ese clima de refugiados políticos de la ciudad suiza, el espíritu iconoclasta, recalcitrante y nihilista fue idéntico. En marzo de 1915 nace la revista "291", nombre tomado del número de la casa ocupada por una galería de arte en la Quinta Avenida. Duchamp, Picabia, Jean Crotti, como europeos refugiados, junto con los americanos Man Ray, Morton Schamberg y otros dan vida al dada neoyorquino.

El grupo de Berlin

Tras la guerra, Alemania entra en una crítica situación. Tras la revolución bolchevique, el partido Espartaquista alemán -la izquierda socialista- ensaya también la revolución en Alemania. En toda esa agitación social un grupo de artistas van a incorporarse a las tesis izquierdistas: será el Movimiento dadaista.

Procedente del grupo de Zurich, Richard Huelsenbeck, trae a Berlin el espíritu dadaista, pero mucho más radical contra las anteriores escuelas vanguardistas (futurismo, cubismo). Junto con el poeta Raoul Hausman promueve declaraciones y manifiestos a partir del "Dada Club". Junto a los anteriores destacarán el pintor Georg Grosz, agudo crítico del militarismo y del capitalismo alemán de aquellos años, y los hermanos Herfelde, uno famoso divulgador de la técnica artística del fotomontaje, otro indispensable editor de las obras dadaistas de aquellos años.

El movimiento dada berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. La constitución de la República de Weimar en 1919 marca el fin de los proyectos políticos dadaistas y la resituación de este grupo en los marcos artísticos.





Titulo¿Esto es Arte?
AutorRoberta Bosco
PublicacionEl Pais
Dia27Mes6Año2005Página49
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisLa consideración del arte fuera de su contexto admite todo tipo de posibilidades y planteamientos, y la articulista destaca esencialmente la obra de la mexicana Maria Alós quién ofrece a los visitantes a la exposición unas pegatinas adhesivas para que con ellas salgan a la calle y testifiquen lo que es o deja de ser arte.

Asi pués, hay tres tipos de pegatinas que los visitantes se pueden llevar:
A/ ESTO ES ARTE
B/ ¿ESTO ES ARTE?
C/ ESTO NO ES ARTE

...de esta forma, el ciudadano de a píe queda liberado de la tiranía de la crítica, de la mass media y de los condicionantes mediáticos, y puede establecer, según su criterio, lo que es o deja de ser arte. Y, en caso de duda, existe la pegatina con interrogante.

DOCUMENTACION
22a es proposa la reflexió sobre l'abast i funcionament de l'art fora dels seus contexts físics i conceptuals convencionals. “ Lladres de cossos” parteix de la idea d'envair d'una forma subtil, però rotunda la realitat. L'exposició es concretarà, d'una banda, en diferents instal·lacions multimèdia realitzades específicament i, de l'altra, en uns elements portables i editats com a múltiples, pensats per a la seva difusió exterior. El públic visitant s'emportarà l'element que, de manera subtil, alteraràn comportaments i ordres establerts.

Lladres de cossos posarà en pràctica estratègies d'intervenció en l'espai social gràcies a un seguit d'elements que el públic podrà utilitzar lliurement dins i fora del context artístic on s'originen, tot actuant així com a agent de contaminació. Còmplice del projecte, el públic es convertirà en l'autèntic creador d'un espai virtual i alternatiu de difusió, vivència i transformació de l'art. Un espai de pèrdua, de trobada, i de confluència que posarà en entredit l'existència d'un marc expositiu limitat per les constriccions físiques i institucionals de l'espai expositiu. Així, doncs, la proposta Lladres de cossos tindrà lloc en dos espais diferents: l'espai expositiu de Metrònom -durant els temps de durada de l'exposició- i l'espai virtual, de temps indefinit, creat pels usuaris dels elements portables.

22a és un col·lectiu independent d'artistes i crítics amb seu a Barcelona que porta a terme diverses iniciatives de reflexió crítica i producció a l'entorn de la cultura i l'art i contemporanis.
Dates d'esposición: Del 10 de juny al 23 de juliol de 2005
Lloc: Metrònom, c/ Fusina, 9. 08003 Barcelona

Sala Central
www.metronom-bcn.org
Horaris: Obert de dimarts a dissabte de 11 a 14 h i de 17 a 20 h. Dilluns i festius tancat



TituloAtlas de las Nubes/ Antonio Luque
AutorRedacción
PublicacionEntitats
Dia9Mes7Año2005Página29
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisEl trabajo de Luque consiste en 13 instalaciones de pequeño formato que han sido realizadas a partir de 139 entrevistas en la que el autor a buscado indagar sobre los aspectos íntimos de los personajes. Cada instalación esta realizada de manera individual e interrelacionada al mismo tiempo.

TituloArte Efimero en Tarragona
AutorSandra Ausiró Desii
PublicacionEl Diari de Tarragona
Dia16Mes7Año2005Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
Sinopsis
El arte está en la calle. Abrieron las puertas, nunca cerradas, de un barrio viejo para transformarlo en un museo al aire libre que invita a los propios tarraconenses a reflexionar sobre su ciudad. Silvia Iturria, Magda Mercadé, Jordi Llort, Robert Masip y Caro Costa con Elena Gómez son los cinco jóvenes artístas ganadores de la segunda edición de los Premios Repsol YPF. Cinco propuestas, cargadas de cinco sentidos distintos, que han reconvertido el casco antiguo de Tarragona, desde el pasado viernes, en un escaparate del arte efímero.

Ventanas, fachadas e incluso calles enteras han trascendido su papel habitual para convertirse en soporte de estas obras artísticas, que han podido, incluso, esquivar los obstáculos que estos nuevos escenarios presentan. Proyectos de un alto nivel artístico que demuestran que en las comarcas hay gente joven dispuesta a exprimir toda su creatividad. Un potencial artístico que es preciso no desperdiciar.

De las diez propuestas presentadas por los estudiantes de la escuela de arte de Reus y Tarragona al concurso, sólo la mitad fueron premiadas por Repsol YPF, que cubrió los gastos del proyecto y dotó a cada uno de los ganadores con 300 euros. Los jóvenes talentos fueron premiados no sólo por el esfuerzo llevado a cabo, sino por la reflexión y simbolismo que quedaban implícitos en su obra. «La implicación de la gente del barrio fue el toque distintivo para que el proyecto fuese todo un éxito», agrega Mónica López, coordinadora de de los premios Repsol YPF.

Sugieren un ejercicio de diálogo con el contexto y un desafío permanente a intentar ser una medición entre arte y comunidad, fuera del espacio expositivo hacia los espacios públicos y las viviendas particulares. Muchos quizás seguirán sin saber interpretar estas obras, pero ya se sabe que el artista contemporáneo es crítico, visualmente reflexivo, y a veces también algo incomprendido.

Titulo8º Congreso de Mujeres Poetas
AutorAngela Serna
PublicacionLiteratura
Dia8Mes3Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
Sinopsis
VIII Encuentro Internacional de Mujeres Poetas, por Angela Serna

Diversidad de voces y formas poéticas
Es un hecho contrastado que las antologías, revistas de poesía, libros de texto, congresos literarios… que se celebran en nuestro país “excluyen” en muchos casos a las mujeres y sus obras, en un momento en el que se da la paradoja de que la preocupación ciudadana en todos los niveles vuelve sus ojos hacia la situación de las mujeres en los diversos ámbitos: familiar, político, cultural, etc.
La creación de las mujeres (pese a las apariencias), y en especial la poesía, está relegándose cada vez más, considerándose todavía, de una manera muy sutil, como un apéndice de la Literatura general que es la escrita por hombres. Este fenómeno es más visible en todo lo que se refiere a la poesía donde el olvido es mayor que en otros géneros literarios.

Por tanto creemos esencial que estudiosos y estudiosas, junto a las propias creadoras, se sienten a reflexionar y tengan la posibilidad de mostrar, una vez más, la diversidad y la riqueza de su obra poética que, por qué no decirlo, forma parte de la esencia y del papel de la mujer en el mundo literario y en el social…

Los Encuentros de Mujeres poetas se vienen celebrando en las diferentes Comunidades del Estado español desde el año 1996, en que Mª Xosé Queizán convocó el I Encuentro de Mujeres Poetas / Encontro das Poetas Peninsulares e Das Illas, patrocinado por la Xunta do Consello de Vigo, Caixa de Vigo y Feministas Independentes Galegas. El programa incluyó lecturas de poesía en gallego, portugués, castellano, euskera y catalán y ponencias sobre poetas de las diferentes autonomías.

A este primer Encuentro le siguieron otros, cada vez con más interés y participación por parte de todo tipo de público:
• 1997: Córdoba, patrocinado por la Junta de Andalucía, la Diputación de Córdoba y el Instituto andaluz de la Mujer.
• 1998: Lanzarote, patrocinado por el Gobierno de Canarias, el Cabildo de Lanzarote y la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria.
• 1999: Málaga, patrocinado por la Junta de Andalucía, Centro Andaluz de las Letras, Universidad de Málaga, Instituto andaluz de la Mujer y Unicaja.
• 2000: Barcelona, con el apoyo de la Generalitat de Cataluña, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Ayuntamiento de Barcelona, CSIC y la CAM.
• 2001: San Sebastián, patrocinado por Ayuntamiento de San Sebastián, Instituto Vasco de la Mujer, Diputación Foral de Guipúzcoa.
• 2002: Granada, patrocinado por la Universidad de Granada, la Junta de Andalucía, el Instituto Andaluz de la Mujer, el Ayuntamiento de Granada y el Centro Andaluz de las Letras.
Desde el primer Encuentro, y en todos los siguientes, se ha venido insistiendo sobre la pluralidad y, poco a poco, se han abierto y enriquecido con la participación de importantes poetas y teóricas de otros países. Además, en cada encuentro se ha registrado una mayor participación de público, tanto de mujeres como de hombres.

Consideramos muy enriquecedor entrar en contacto e intercambiar experiencias y reflexiones con las mujeres poetas, teóricas y críticas de otros países e incluso de otras culturas y lenguas, por lo que este año, además de invitar a prestigiosas poetas y críticas de nuestro país y de nuestra comunidad autónoma, proponemos una toma de contacto con poetas de otras culturas y lenguas como Margalit Matitihau (Israel: poeta que se expresa en sefardí) y Amina Saïd (Túnez: poeta de expresión francesa con un imaginario totalmente volcado hacia su Oriente natal)
Otro aspecto que se suele tener presente en estos encuentros es la reivindicación de algún nombre poético de mujer que haya podido ser de alguna forma silenciado o relegado a un segundo plano. En esta ocasión, queremos resaltar la figura de Ernestina de Champourcin, poeta por excelencia de nuestra ciudad que este año celebra el centenario de su nacimiento.
Teniendo en cuenta que la continuidad de estos encuentros nos parece absolutamente necesaria, hemos considerado oportuno que una ciudad como Vitoria-Gasteiz, aprovechando el centenario de Ernestina, recoja el testigo y organice este VIII Encuentro de Mujeres poetas. Y ello por un doble motivo: el primero, ofrecer a la ciudad la oportunidad de recibir a poetas y estudiosas de talla internacional dando así un sentido mayor a las actividades poéticas que desde hace un tiempo vienen desarrollando distintos colectivos poéticos de la ciudad desde varios frentes. Creemos que este Encuentro permitirá aglutinar a poetas y a amantes de la Literatura, uniendo esfuerzos en un mismo foro. En segundo lugar: acoger en Vitoria-Gasteiz este VIII Encuentro de Mujeres poetas sería poner un broche de honor al año Ernestina de Champourcin, reforzando y dando mayor importancia a la que fue gran poeta nacida en nuestras calles y, sin embargo, tan desconocida por muchas de nuestras conciudadanas y conciudadanos. Se podrá así proyectar la poesía y la personalidad de Ernestina más allá de la ciudad, más allá del país, pues la presencia de poetas y críticas invitadas tendría una repercusión mucho mayor que un simple homenaje local.

En cada Encuentro, además de convocar a poetas que hablan sobre su obra y que recitan sus poemas, se introduce siempre un núcleo de reflexión poética en torno a mesas redondas (dirigidas al público), a conversaciones (entre poetas de distintos lugares), etc., pero además se plantean diversas cuestiones de interés y actualidad en torno a la poesía escrita por mujeres. Este año queremos centrarnos en la noción de “Diversidad de voces y de formas poéticas”, abriendo así una vía inédita en estos encuentros para otras manifestaciones poéticas realizadas por las mujeres creadoras: la poesía experimental. Por esa razón, junto a poetas llamadas discursivas, se invitará a poetas que también practican lo que se ha venido llamando poesía experimental (o visual), tan arraigada en nuestra poesía (vanguardias) y retomada con fuerza desde hace algunas décadas. Poetas y críticas debatirán sobre el tema aportando experiencias prácticas que vendrán a sumarse a las mesas de debate y lectura anunciadas anteriormente.
Especialistas y poetas reflexionarán junto con el público asistente dentro de un ámbito de interculturalidad. Al mismo tiempo, se organizarán diversas actividades paralelas: presentación de libros (reedición de obra de Ernestina de Champourcin así como algunos poemarios de las poetas asistentes publicados en 2005), recitales: homenaje a Ernestina de Champourcin (su obra), así como otros recitales con aportación de obra de las poetas presentes en el encuentr. Estos recitales serán realizados por grupos poéticos de nuestra ciudad, en un afán de dar protagonismo a nuestras propias poetas y rapsodas, tal y como viene sucediendo en los encuentros que nos han precedido. Por esta razón, habrá un número importante de creadoras vascas, de voces que se expresan en euskera y en castellano, con el fin de mostrar esa diversidad (también lingüística) que caracteriza a nuestras poetas y creadoras en general.

Será, pues, un encuentro Homenaje a Ernertina de Champourcin y homenaje a la poesía escrita por mujeres, será también un homenaje a las culturas, a los pueblos y a sus lenguas: vasco, catalán, gallego, español, francés, sefardí, serán las lenguas habladas durante los tres días, pero sobre todo se hablará un lenguaje universal: el de la poesía.

DATOS SOBRE EL VIII ENCUENTRO DE MUJERES POETAS

I. Definición:
Encuentro Internacional de Mujeres Poetas: Diversidad de voces y formas poéticas.
II. Justificación:
Dar continuidad a los objetivos de los anteriores encuentros celebrados en Vigo, Córdoba, Lanzarote, Málaga, Barcelona, San Sebastián y Granada.
III. Objetivos:
General:
Crear un espacio de encuentro y debate sobre temas relacionados con la mujer y la poesía.
Específicos:
1) Ofrecer un foro a creadoras, estudiosas y estudiosos de la poesía escrita por mujeres.
2) Analizar y presentar la diversidad de la creación poética de las mujeres (voces)
3) Analizar y presentar la vertiente experimental de la poesía escrita por mujeres (formas)
4) Abrir un diálogo con mujeres poetas de otras nacionalidades (culturas y lenguas) para intercambiar experiencias, opiniones y puntos de vista en todo lo referente a la temática del congreso.
5) Rendir un merecido homenaje a la poeta Ernestina de Champourcin, tan querida en nuestra ciudad, como demuestra el Premio que lleva su nombre.

IV. Público al que está dirigido:
Estudiantes, profesoras y profesores, escritoras y escritores, Asociaciones culturales y público en general.

V. Organización:
Asociación Poética Xuxurlak y Revista Texturas.

VI. Coordinación:
Angela Serna, Pilar Corcuera, Concha Murua.

VI. Fechas:
Los días 16, 17 y 18 de noviembre de 2005.

VII. Participantes:
Poetas internacionales:
Margalit Matitihau (Israel); Amina Saïd (Túnez/Francia), Mercedes Roffé (EE.UU)
Poetas nacionales:
Juana Castro (Córdoba)
Chus Pato (Pontevedra)
Elsa López (Córdoba. Directora Fundación Antonio Gala)
Julia Otxoa (País Vasco)
Amaia Lasa (País Vasco)
Eli Tolaretxipi (País Vasco)
Tere Irastorza (País Vasco)
Miren Agur Meabe (País Vasco)
Cinta Montagut (Barcelona)
Balbina Prior (Córdoba)
Chantal Maillard (Málaga. Premio nacional de poesía 2004)
Angeles Mora (Granada)
Julia Uceda (Premio nacional de poesía 2003)

Belén Reyes (Madrid)
Julia Barella (Alcalá)
Mariana Colomer (Barcelona)
Belén Juárez (Madrid)
Cristina Peri Rossi (Barcelona)
Sara Pujol (Tarragona)
Nieves Salvador (Castellón)
Amalia Iglesias (Madrid. Redactora revista De libros)
Amaia Mendizábal (País Vasco)
Isabel Pérez Montalbán (Málaga)
Ana Rossetti (Madrid)
Teresa Aldamiz (País Vasco)
Mª Antonia Ricas (Toledo, revista Hermes)
Itxaro Borda (País Vasco)
Dionisia García (Murcia)
Mª Xosé Queizán (Galicia)
Aurora Luque (Córdoba)
Noni Benegas (Madrid. Autora de la Antología Ellas tienen la palabra)
Poetas-rapsodas locales:
Laura Marinas, Carmen Vicente (Recital Ernestina de Champourcin homenaje); Grupo poético Xuxurlak; poetas-rapsodas de otros colectivos poéticos de la ciudad.
Estudiosas:
Concha García (Cataluña)
Laura López F. ( University of Canterbury, New Zeland).
Sharon Keefe Ugalde (EE.UU)
Félix Morales (Andalucía)
Margaret Persin (EE.UU)
Mª Eukene Lacarra (País Vasco)
María Rosal (Andalucía)

VIII. Inscripciones:
El Encuentro estará abierto al público en general, previa inscripción (al final se entregará un diploma oficial en el que se reconocerán los créditos de libre elección a que da derecho la asistencia al Encuentro). Precio: 50€. Estudiantes: 30€. La entrada a los recitales poéticos será libre y gratuita durante los tres días.

IX. Otras actividades:
-Exposición de poesía visual en el espacio de arte “Galería Itinerante”
-Paseo por Vitoria-Gasteiz: Ruta “Mujer, cultura y educación”
-Visita Museo de Arte “Artium”
-Visita a la Catedral de Santa María (en reconstrucción)

Nota: Las personas interesadas en recibir información más precisa sobre el Encuentro pueden ponerse en contacto con la organización en el teléfono 670 06 29 28 (Angela Serna) o en el e-mail xuxurlak@yahoo.es

A partir del mes de mayo, el programa del Encuentro estará a disposición de las personas interesadas.

Angela Serna nace en Salamanca y reside en Vitoria-Gasteiz. Es profesora titular de la Universidad del País Vasco (Departamento de Filología Francesa). Es Directora y editora de la revista TEXTURAS (nuevas dimensiones del texto y de la imagen: http://www.geocities.com/revista_texturas) y autora de los libros Poétrica visualizable (poesía visual), Del otro lado del espejo (primer accésit en el XIX Premio de Poesía ciudad de Benicarló 1999), Alfahar (poesía visual), Fases de Tumiluna (poesía) y Vocaníbales (Antilogía poética). Ha participado en libros colectivos: De dos océanos, Esferas líquidas, Poemas abiertos, Textos para un milenio… Aparece en varias antologías de poesía visual y colabora en numerosas publicaciones nacionales y extranjeras. Ha participado en buen número de exposiciones colectivas de poesía visual y mail art. Es traductora de Description de san Marco (Bassarai, 2000) de Michel Butor y de textos poéticos de autores como Martine Broda, Jean-Michel Maulpoix, André Laude… Es miembro del grupo poético Xuxurlak con quien organiza recitales poéticos en espacios tan diversos como librerías, colegios, centros cívicos, bares, cárceles, salas de arte, etc. Ha coorganizado cuatro Congresos sobre Escritura Creativa y es coeditora de los libros Escritura creativa 1, Escritura creativa 2, Escritura creativa 3.
Recientemente, la editorial Corona del Sur de Málaga, ha publicado una mini-antología titulada Rasgando violines, en la que se incluyen algunos poemas inéditos.

Esta entrada fué publicada el Tuesday, March 8th, 2005 a las 12:35 am y está archivada en Literatura. Puedes seguir el resto de los comentarios a través de este feed RSS 2.0. Puedes dejar un comentario, o hacer un trackback desde tu propia página.

TituloMappelthorpe y el manierismo
AutorBárbara Celis
PublicacionEl Pais
Dia3Mes7Año2005Página45
MateriaPoesia visual,Arte experimental
SinopsisDecía Rafael del Cázar sobre el manierismo:

""... Ya en el siglo III a.C. encontramos caligramas, laberintos, lipogramas, alfabéticos y toda suerte de juegos visuales y fonéticos: Asclepiades de Samos, Simias de Rodas, Sotades, (versos sotadicios o retrógrados) Aratus de Soli, Calímaco, Teócrito, Dosiadas, Licofrón de Calcis (El Oscuro), son algunos de los primeros nombres destacados en eso que Curtius llama "manierismo formal"[5]. De hecho los caligramas y demás fórmulas de este periodo han servido de permanente inspiración a lo largo de toda la historia...."

y en esta línea la autora del escrito trata de encontrar la vertiente manierista de Mappelthorpe. Y es asi como encuentra que para los artificios de este genial fotógrafo se usan técnicas, modos, formas y juegos visuales que le permiten contemplar temas como la homosexualidad o el sadomasoquismo de manera absolutamente novedosa. Rompiendo con el academicismo imperante y transformando completamente la manera de hacer precedente.

Debemos recordar, siguiendo las teorías de Cózar, que el manierismo fué un antecedente inmediato y elocuente de la actual poesía experimental y el experimentalismo fotográfico.




TituloGuillermo Marín y los espirocantos
AutorCésar Reglero
PublicacionEl Diari de Tarragona
Dia29Mes6Año2005Página34
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisA veces tenemos ocasión, en una pequeña ciudad como es Tarragona, de contemplar como la iniciativa de dos de sus figuras más representativas en el mundo de las vanguardias artísticas, inician un proyecto común que en todas sus partes resulta novedoso.

No es de extrañar que J.M. Roselló, a partir de una mesa ponga en marcha la galería A.R.T., y lo haga desde el planteamiento inequívoco de que el arte nace en la cabeza y de que una idea puede ser suficiente para transformar el planeta tierra. Roselló parte de eso, de una idea, de un espacio (su propio estudio), y de una mesa. No es poco, si tenemos en cuenta que este artista es un agitador cultural natural.

Y entre agitadores culturales anda el juego. Guillermo Marín, a su manera, también lo es. Estos dos creativos no soportan que las cosas permanezcan inmóviles y continuamente las agitan para que se pongan en movimiento. Es natural, pues, que al contacto de ambos haya provocado un cortacircuito cultural cuyo foco debemos localizarlo en la Baixada de la Peixateiria número 27 (justamente haciendo esquina con el Pretorio).

Tanto el espacio expositivo como la obra de Marín se inauguraron el día 28 de Junio. Allí estarán los “Espirocantos” de Marín. Y conviene detenerse en este género creado por este autor porque ofrece una novedad dentro de la poesía experimental que merece la pena ser tenida en cuenta.

A principios de siglo pasado, Guillaume Apollinaire (otro Guillermo) daba la vuelta a la poesía discursiva y entraba en un terreno que, con el paso del tiempo, sería denominado poesía experimental o poesía visual, según los autores. Lo cierto es que el punto fuerte usado por Apollinaire para cambiar el orden de las cosas fué el caligrama, que, desde luego, no inventó., puesto que el caligrama ya existía en el S.V a. de C., y fue su empleo sistemático y los giros inusuales que dio al mismo, los que sentaron las bases y el punto de inflexión de la nueva poesía. Una poesía no lineal, que recogía la cosecha del cubismo, futurismo, surrealismo y dadaísmo, a la búsqueda de un arte integrador y total, de un arte conceptual donde el espectador dejaba de ser un elemento pasivo para empezar a formar parte de la propia obra.

Y es en este terreno donde Marín ha demostrado ser una de las principales figuras del panorama experimental de Cataluña. Malagueño de nacimiento, ha sentado sus reales en la región del estado español donde la poesía visual bulle con una efervescencia cálida y pujante. Donde Brossa ha puesto de manifiesto con su magia, y en concreto con sus poemas objetos, que en un poema se puede concentrar todo un universo de sensaciones y, a partir del mismo, se pueden transmitir las leyes universales con total precisión.

Pero los creativos tienen que avanzar un paso más y conformar sus propias creaciones, y es por ello que Marín, además de recoger toda la herencia mencionada, ha creado un estilo propio que, como en el caso de los espirocantos, es inconfundible e indefinible. Y sólo podremos hacer una pequeña aproximación desde el punto de vista de la poesía experimental si decimos que rompe la espiral usada frecuentemente en el caligrama, para trasformar sus poemas visuales en espirales-cuadrangulares que hacen que la rima deje de ser lineal, para rebotar con reverberación en cada zona angular, transmitiendo con eco un sentimiento envolvente que nunca finaliza por cuanto el mensaje último cabalga entre el realismo mágico y el absurdo inconsecuente.

Desde el punto de vista grafológico, nos transmite un mensaje contenido dentro de su estructura, incontenido dentro de su semántica, inconexo en sus partes y completo en la transmisión del espíritú del autor.


Titulopell de llop
Autorxosé miranda
Publicacion
Dia13Mes0Año2005Página0
Materia
Sinopsishola me llamo andrea gómez soy de catarroja (valencia) i mi movil es el 667775420 i qiuero que pongan el resumen de este libro en internet, porque asi la gente que le interese saber de que va mas o menos el libro puede saberlo.

gracias por su atencion

adios

Titulopell de llop
Autorxosé miranda
Publicacion
Dia13Mes0Año2005Página0
Materia
Sinopsishola me llamo andrea gómez soy de catarroja (valencia)i qiuero que pongan el resumen de este libro en internet, porque asi la gente que le interese saber de que va mas o menos el libro puede saberlo.

gracias por su atencion

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Titulopell de llop
Autorxosé miranda
Publicacion
Dia13Mes0Año2005Página0
Materia
Sinopsishola me llamo andrea gómez soy de catarroja (valencia)i qiuero que pongan el resumen de este libro en internet, porque asi la gente que le interese saber de que va mas o menos el libro puede saberlo.

gracias por su atencion

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TituloArte y Poesía/ Espirocantos de Marín
AutorAntoni Salcedo
PublicacionEl Punt
Dia12Mes7Año2005Página36
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones
Sinopsis Art i poesia en una nova i petita galeria

Els «espirocants quadrangulars» de Guillermo Marín inauguren la galeria d'art que l'artista Josep M. Rosselló ha obert al seu taller de Tarragona i que estarà oberta, sobretot, a treballs experimentals

ANTONIO SALCEDO.

+ Un detall de la pintura catifa que quatre artistes han pintat al terra d'aquesta nova petita galeria d'art, que impulsa Josep M. Rosselló. Foto: ALBERICH FOTÒGRAFS.
El naixement d'un espai dedicat a l'art és sempre una bona notícia. És una finestra més, petita o gran, que beneficia els creadors i els espectadors. En aquesta ocasió es tracta d'un lloc particular: el taller d'un artista. No és pas una galeria comercial, sinó una idea personal d'abast col·lectiu duta a terme per Josep M. Rosselló amb el desig de col·laborar amb altres artistes i de potenciar la creativitat a la ciutat de Tarragona. L'objectiu central és exposar projectes artístics, petits apunts, que es puguin realitzar o no, amb tot l'encant i frescor que té mostrar les primeres idees. Aquesta petita galeria es va inaugurar el 28 de juny amb un acte al Museu d'Art Modern de Tarragona presentat per l'escriptor Joan Cavallé. La primera mostra està dedicada a l'artista malagueny Guillermo Marín, del qual podem veure els seus espirocants, poesies experimentals, poemes en espirals quadrangulars que inviten el lector a seguir el moviment de l'escriptura, de fora a dins per submergir-se en el personal món del creador. El poeta malagueny ha estat lligat a les edicions de poesia visuals organitzades per Bartolozzi a Vespella de Gaià. Conjuntament amb els espirocants, tenim també una petita escultura del mateix autor, El ojo del borracho, una espiral de ferro que materialitza com un dibuix a l'espai aquest camí d'idees que es van tancant en els seus espirocants, per donar pas a un nou moment. Com a part de l'acte inaugural, i en la línia dels darrers treballs com a gestor cultural de Josep M. Rosselló, Guillermo Marín, Jordi Abelló, Cèsar Reglero i el mateix Rosselló van realitzar un cadàver exquisit. Pintat al terra del taller, tenim una mena de catifa efímera composada per setze quadrats en blanc i negre, en els quals podem reconèixer l'autoria de cadascun d'ells. Una pintura catifa que els visitants trepitgen per anar desapareixent a poc a poc. Es tracta de gaudir del pur acte de la creació, a la vegada que marca la línia que tindrà aquest espai, que estarà obert sobretot a treballs experimentals.

GUILLERMO MARÍN / ART Arxiu Rosselló Tàrraco
Baixada de la Peixateria, 27. Tarragona
Fins al final de juliol

TituloLAS BIENALES DE POESÍA VISUAL
AutorCÉSAR ESPINOSA
PublicacionESCANER CULTURAL nº 58
Dia1Mes0Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental
SinopsisEL ARTÍCULO TRATA SOBRE EL DESARROLLO DE LA POESÍA VISUAL EN MÉXICO Y CONTIENE UNA RESEÑA SOBRE LAS 8 BIENALES INTERNACIONALES DE POESÍA VISUAL CELEBRADAS ENTRE 1985 Y 2004 EN MÉXICO Y EN OTROS LUGARES.

TituloLAS BIENALES DE POESÍA VISUAL
AutorCÉSAR ESPINOSA
PublicacionESCANER CULTURAL nº 58
Dia1Mes0Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental
SinopsisEL ARTÍCULO TRATA SOBRE EL DESARROLLO DE LA POESÍA VISUAL EN MÉXICO Y CONTIENE UNA RESEÑA SOBRE LAS 8 BIENALES INTERNACIONALES DE POESÍA VISUAL CELEBRADAS ENTRE 1985 Y 2004 EN MÉXICO Y EN OTROS LUGARES.

TituloMiró y los libros
Autor Olga Spiegel
PublicacionEl País
Dia30Mes6Año2005Página0
Materia
SinopsisUna muestra recrea la colaboración íntima de Joan Miró con poetas y editores.

Joan Miró amó la poesía desde su juventud hasta sus últimos años y siempre fue amigo de poetas. Colaboró con muchos de ellos en la realización de libros de bibliófilo, quizás la parcela menos conocida de su ingente obra, y a la cual la fundación barcelonesa creada por el artista dedicó una muestra, “109 llibres amb Joan Miró”, en noviembre de 1989, una selección de los más de doscientos que ilustró. Ahora, con motivo del Any del Llibre i la Lectura, el centro mironiano vuelve a ocuparse de esa faceta, pero de un modo distinto, en “Joan Miró. Arquitectura d´un llibre”.
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Si allí se mostraban los libros acompañados de una serie de láminas, algunos dibujos preparatorios o maquetas, ésta permite ver todo el proceso de creación de una veintena de obras; dibujos preparatorios, pruebas, planchas y maquetas. Una exquisitez y un lujo poco habitual.

La exposición, en palabras de Sergio Vila-Sanjuán, comisario del Any del Llibre, es uno de los ejes principales del evento para mostrar la relación entre el libro y el mundo del arte, "un punto álgido, que recrea el momento entre finales del siglo XIX y mitad del XX en que artistas y escritores comparten un mismo universo mental. Aquí se muestra el proceso interno, cómo se crea un libro de bibliófilo; las cartas entre el poeta y el artista o con el editor y la evolución de las técnicas".

Todo el material que se expone pertenece a los fondos de la fundación y buena parte se exhibe por primera vez, explica Rosa Maria Malet, su directora, quien recuerda que Miró no establecía distinción entre pintura y poesía. "Esta exposición hace que la poesía se convierta en pintura y la pintura en poesía".

En “Joan Miró. Ceci est la couleur de mes rêves” (1977), de Georges Raillard, el artista le explica cómo enfoca la creación de sus libros de bibliófilo: "Parto de la arquitectura, de la tipografía, que es muy importante para mí, entro en el espíritu del poeta. Pienso mucho. En ambas cosas a la vez: la arquitectura del libro y el espíritu del texto. Después hago muchos dibujos, muchos, muy deprisa, en cualquier trozo de papel... Una vez hecho esto, empiezo a grabar".

El recorrido por las salas revela el camino de Miró en el mundo del libro, desde que J.V. Foix le pidió un dibujo para la portada de su Gertrudis, editado en 1927 por L´Amic de les Arts, hasta Lapidari (1981), once textos anónimos catalanes del siglo XV seleccionados y prologados por Pere Gimferrer que editó Maeght, con doce aguafuertes de trazo grueso y directo y otros doce aguafuertes y aguatintas de fondo elaborado y trazo fino.

Para Il était une petite pie (1928) de Lise Hirtz , el artista realizó ocho pochoirs porque aún ignoraba las técnicas del grabado. En 1930 hizo sus primeras litografías destinadas a L´arbre des voyageurs, de Tristan Tzara, con quien colaboraría en diversas ocasiones como en L´Antitête. Le désespéranto, y Parler seul. Fête des arbres et du chasseur, de René Char. À toute épreuve, de Éluard, editado por Gerald Cramer, para el que realizó 79 xilografías en blanco y negro y una en color; Cop de poma, de Brossa, donde colaboró con Tàpies, Villèlia y Mestres-Quadreny.

L´issue dérobée de Dupin -punta seca y aguatintas- jalona el camino que conduce a Càntic del sol, de san Francisco de Asís (1975), o el ciclo en torno a Ubu Roi, de Jarry, iniciado en 1966 y editado por Tériade, que continuará con Ubu aux Baléares poemas y textos del propio artista-, y L´enfance d´Ubu (1975), con textos populares mallorquines.

Un gozoso paseo por la evolución mironiana a través del libro.



TituloGuillem Viladot/ Restropectiva
AutorRedacción
PublicacionEuropa Press (Hemeroteca)
Dia25Mes2Año2003Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisLleida expone 'GV Poesia Visual', la primera retrospectiva de Guillem Viladot en la provincia
El Institut d'Estudis Il·lerdencs (IEI) abre mañana miércoles la la provincia, con más de 40 obras nunca expuestas en Lleida obra del desaparecido artista de Agramunt, bajo el título 'GV Poesia Visual'. La muestra viene precedida por un prólogo elaborado por el mismo creador, que es totalmente inédito. La exposición se centra, principalmente, en la producción viladotiana de los años 60 y 70.

Europa Press 25/2/2003 18:37

Poesía objetual y también discursiva llenarán la Sala Gòtica del IEI hasta el 30 de marzo. Se trata del legado de un artista que conseguió traducir la sintaxis lingüística en objetos. La directora del IEI, Carme Vidal, destacó "la preocupación de Viladot per el espacio, por el continente".

La enfermedad impidió a Viladot llevar a cabo esta misma exposición en noviembre de 1999. Por este motivo, el catálogo mantiene el mismo texto que Viladot había redactado como introducción a la que había de ser la exposición.

TituloEspirocantos de Guillermo Marín
AutorCésar Reglero
PublicacionDiari de Tarragona
Dia29Mes6Año2005Página39
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisARTICULO DE CESAR REGLERO APARECIDO EN EL DIARI DE TARRAGONA CON MOTIVO DE LA INAUGURACIÓN DEL ESPACIO DE ARTE EFÍMERO A.R.T. QUE SE INAUGURA CON UNA EXPOSICIÓN DE POESIA VISUAL DE GUILLERMO MARIN Y UN “CADÁVER EXQUISITO” REALIZADO CONJUNTAMENTE POR J.M. ROSELLÓ, GUILLERMO MARÍN, JORDI ABELLÓ Y CÉSAR REGLERO


(*) A.R.T. UN NUEVO ESPACIO DE ARTE EN TARRAGONA: LO INAUGURA GUILLERMO MARIN Y SUS ESPIROCANTOS.

A veces tenemos ocasión, en una pequeña ciudad como es Tarragona, de contemplar como la iniciativa de dos de sus figuras más representativas en el mundo de las vanguardias artísticas, inician un proyecto común que en todas sus partes resulta novedoso.

No es de extrañar que J.M. Roselló, a partir de una mesa ponga en marcha la galería A.R.T., y lo haga desde el planteamiento inequívoco de que el arte nace en la cabeza y de que una idea puede ser suficiente para transformar el planeta tierra. Roselló parte de eso, de una idea, de un espacio (su propio estudio), y de una mesa. No es poco, si tenemos en cuenta que este artista es un agitador cultural natural.

Y entre agitadores culturales anda el juego. Guillermo Marín, a su manera, también lo es. Estos dos creativos no soportan que las cosas permanezcan inmóviles y continuamente las agitan para que se pongan en movimiento. Es natural, pues, que al contacto de ambos haya provocado un cortacircuito cultural cuyo foco debemos localizarlo en la Baixada de la Peixateiria número 27 (justamente haciendo esquina con el Pretorio).

Tanto el espacio expositivo como la obra de Marín se inauguraron el día 28 de Junio. Allí estarán los “Espirocantos” de Marín. Y conviene detenerse en este género creado por este autor porque ofrece una novedad dentro de la poesía experimental que merece la pena ser tenida en cuenta.

A principios de siglo pasado, Guillaume Apollinaire (otro Guillermo) daba la vuelta a la poesía discursiva y entraba en un terreno que, con el paso del tiempo, sería denominado poesía experimental o poesía visual, según los autores. Lo cierto es que el punto fuerte usado por Apollinaire para cambiar el orden de las cosas fué el caligrama, que, desde luego, no inventó., puesto que el caligrama ya existía en el S.V a. de C., y fue su empleo sistemático y los giros inusuales que dio al mismo, los que sentaron las bases y el punto de inflexión de la nueva poesía. Una poesía no lineal, que recogía la cosecha del cubismo, futurismo, surrealismo y dadaísmo, a la búsqueda de un arte integrador y total, de un arte conceptual donde el espectador dejaba de ser un elemento pasivo para empezar a formar parte de la propia obra.

Y es en este terreno donde Marín ha demostrado ser una de las principales figuras del panorama experimental de Cataluña. Malagueño de nacimiento, ha sentado sus reales en la región del estado español donde la poesía visual bulle con una efervescencia cálida y pujante. Donde Brossa ha puesto de manifiesto con su magia, y en concreto con sus poemas objetos, que en un poema se puede concentrar todo un universo de sensaciones y, a partir del mismo, se pueden transmitir las leyes universales con total precisión.

Pero los creativos tienen que avanzar un paso más y conformar sus propias creaciones, y es por ello que Marín, además de recoger toda la herencia mencionada, ha creado un estilo propio que, como en el caso de los espirocantos, es inconfundible e indefinible. Y sólo podremos hacer una pequeña aproximación desde el punto de vista de la poesía experimental si decimos que rompe la espiral usada frecuentemente en el caligrama, para trasformar sus poemas visuales en espirales-cuadrangulares que hacen que la rima deje de ser lineal, para rebotar con reverberación en cada zona angular, transmitiendo con eco un sentimiento envolvente que nunca finaliza por cuanto el mensaje último cabalga entre el realismo mágico y el absurdo inconsecuente.

Desde el punto de vista grafológico, nos transmite un mensaje contenido dentro de su estructura, incontenido dentro de su semántica, inconexo en sus partes y completo en la transmisión del espíritú del autor.

César Reglero
(*) Diari De Tarragona 29.06.05








TituloAngel Crespo /Pies Alados de Hermes
AutorAngel Prieto de Paula
PublicacionEl País
Dia0Mes0Año0Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisDentro de la tradición poética experimental en España, la figura de Angel Crespo nunca ha sido suficientemente valorada, a pesar de ser el banderín de enganche de ésta con el concretismo brasileño y, en consecuencia, con la poesía experimental a un nivel internacional. Cózar siempre ha señalado que lo esotérico, las cábalas, la numerología y el hermetismo, siempre han tenido mucho que ver con el inicio de la poesía experimental desde hace muchos siglo. Y es por ello que parece acertado el título de este artículo que hace referencia al tributo que recibe por estas fechas la figura de Crespo con una exposición, una edición y diversos homenajes.

En el artículo se mencionan diferentes aspectos de su trayectoria:

- Su pertencia a la vanguardia postista
- Los aspectos de su social-realismo
- Su realismo mágico
- El sustrato simbolista
. Su desbordante actividad como animador cultural, editor, promotor, director de galerias, teórico, crítico de arte, traductor, etc.
- La tesis doctoral de Pilar Gómez sobre su obra

DOCUMENTACION:


(Ciudad Real, 1926 - Barcelona, 1995)

Comenzó sus estudios al terminar la Guerra Civil y en 1943 acudió a Madrid para cursar Derecho. Tuvo contacto con los poetas del postismo, movimiento en el que figuró. Pronto sintió interés por la cultura portuguesa, a cuyo estudio y divulgación se dedicó con interés. Ejerció su profesión de abogado y la crítica de arte, viajando durante largas temporadas. Profesor de la Universidad en Puerto Rico desde 1967, en 1970 se instaló en Uppsala, donde llegó a doctorarse con un estudio sobre el Duqe de Rivas. Los últimos años enseñó en la Universidad de Barcelona. Es muy importante su labor como traductor, por la que recibió dos veces el Premio Nacional: La Divina Comedia de Dante, el Cantar de Roldán y el Cancionero de Petrarca, además de obras de Pessoa, etc. Su obra poética es extensa y continua. Una lengua emerge (1950) y Quedan señales (1952) son sus primeros libros. Les siguen: Todo está vivo (1956), Suma y sigue (1962), Docena florentina (1965). Y más tarde: Donde no corre el aire (1981), La invisible luz (1981) El aire es de los dioses (1982). Póstumamente se publicó Iniciación a la sombra (1996).

Hay diversas compilaciones: En medio del camino. Poesía (1949-1970); El bosque transparente. Poesía (1971-1981); El ave en su aire. Poesía (1975-1984). Finalmente, Pilar Gómez Bedate y Emiliano Piedra han realizado la edición de su obra: Poesía (e vols.) Valladolid, fundación Jorge Guillén, 1996.

TituloAngel Crespo /Pies Alados de Hermes
AutorAngel Prieto de Paula
PublicacionEl País
Dia0Mes0Año0Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisDentro de la tradición poética experimental en España, la figura de Angel Crespo nunca ha sido suficientemente valorada, a pesar de ser el banderín de enganche de ésta con el concretismo brasileño y, en consecuencia, con la poesía experimental a un nivel internacional. Cózar siempre ha señalado que lo esotérico, las cábalas, la numerología y el hermetismo, siempre han tenido mucho que ver con el inicio de la poesía experimental desde hace muchos siglo. Y es por ello que parece acertado el título de este artículo que hace referencia al tributo que recibe por estas fechas la figura de Crespo con una exposición, una edición y diversos homenajes.

En el artículo se mencionan diferentes aspectos de su trayectoria:

- Su pertencia a la vanguardia postista
- Los aspectos de su social-realismo
- Su realismo mágico
- El sustrato simbolista
. Su desbordante actividad como animador cultural, editor, promotor, director de galerias, teórico, crítico de arte, traductor, etc.
- La tesis doctoral de Pilar Gómez sobre su obra

DOCUMENTACION:


(Ciudad Real, 1926 - Barcelona, 1995)

Comenzó sus estudios al terminar la Guerra Civil y en 1943 acudió a Madrid para cursar Derecho. Tuvo contacto con los poetas del postismo, movimiento en el que figuró. Pronto sintió interés por la cultura portuguesa, a cuyo estudio y divulgación se dedicó con interés. Ejerció su profesión de abogado y la crítica de arte, viajando durante largas temporadas. Profesor de la Universidad en Puerto Rico desde 1967, en 1970 se instaló en Uppsala, donde llegó a doctorarse con un estudio sobre el Duqe de Rivas. Los últimos años enseñó en la Universidad de Barcelona. Es muy importante su labor como traductor, por la que recibió dos veces el Premio Nacional: La Divina Comedia de Dante, el Cantar de Roldán y el Cancionero de Petrarca, además de obras de Pessoa, etc. Su obra poética es extensa y continua. Una lengua emerge (1950) y Quedan señales (1952) son sus primeros libros. Les siguen: Todo está vivo (1956), Suma y sigue (1962), Docena florentina (1965). Y más tarde: Donde no corre el aire (1981), La invisible luz (1981) El aire es de los dioses (1982). Póstumamente se publicó Iniciación a la sombra (1996).

Hay diversas compilaciones: En medio del camino. Poesía (1949-1970); El bosque transparente. Poesía (1971-1981); El ave en su aire. Poesía (1975-1984). Finalmente, Pilar Gómez Bedate y Emiliano Piedra han realizado la edición de su obra: Poesía (e vols.) Valladolid, fundación Jorge Guillén, 1996.

TituloJuan Gris cubismo y poesía experimental
AutorSol Cultural
PublicacionCésar Reglero
Dia22Mes6Año2005Página0
MateriaPoesia experimental,Arte experimental
SinopsisLas diferentes teoríaS que existen sobre la poesía experimental coinciden en señalar como uno de los referentes históricos de esta disciplina al cubismo como progenitor del experimentalismo visual, y ahora que el pintor madrileño, -que junto con Braque y Picasso, son los padres de la criatura-, presenta 250 obras en el Reina Sofía, parece un buen momento para analizar del porqué de ésta conexión.

Debemos señalar en primer lugar que el cubismo pertenece a lo que se ha venido denominando la primera vanguardia, porque presenta nuevos lenguaje y, en consecuencia, es claramente transgresor de los cánones de la Academedia.

Por otro lado, nos muestra la obra desde una perspectiva múltiple no lineal, lo cual entronca directamente con el experimentalismo.

Igualmente el frecuente uso del collage pertenece a un recurso catalogado muchos siglos atrás por Rafael de Cózar (cantón) y que ya en su momento, supuso una innovación por cuanto consistía en trabajar a partir de poemas de otros. Una especie de apropiacionismo que se repite en el Collage.

El cubismo fué un movimientos con una clara tendencia a la integración de todas las artes, en la búsqueda de un arte total e integral y asi se manifiesta con el uso del collage.Picasso, en este sentido, fué quién más avanzo por este terreno, con incursión en todas las artes buscando la interdisciplinaridad entre ellas.

Finalmente decir que que al no ofrecer una lectura lineal, el cubismo está buscando la complicidad del espectador, ... y será necesaria su colaboración, la conexión más o menos inmediata con la obra o el salto de una chispa de complicidad, para que la obra adquiera su pleno sentido.


DOCUMENTACION/ AGENCIA EFE /La Sala 1 del Edificio Nouvel y la A1 del Edificio Sabatini del Museo Reina Sofía acogerán a partir del día 22 la exposición antológica más completa que se ha organizado sobre Juan Gris (1887-1927) al reunir 250 obras del pintor madrileño, entre pinturas, dibujos y esculturas. Es una de las primeras muestras presentadas tras la ampliación del museo, cuya inauguración oficial se realizará después de verano .


Considerado como uno de los cuatro pintores cubistas más importantes, junto con Picasso, Braque y Léger, el Reina Sofía conserva en su colección permanente un representativo conjunto de obras del artista.

La muestra sobre Gris, seudónimo de José Victoriano González, es una de las más completas que sobre el pintor se ha presentado nunca, dentro y fuera de España. Su excepcionalidad se encuentra tanto en la calidad e importancia de las obras y su rigurosa selección -muchas de ellas nunca mostradas en nuestro país-, como en el elevado número de las mismas.

El objetivo de Paloma Esteban, comisaria de la exposición patrocinada por Bancaja y Telefónica, ha sido ilustrar fundamentalmente los principales periodos de la producción del artista, desde 1910 hasta 1927, año en que fallece prematuramente.

A pesar de este recorrido con cierto carácter cronológico, se hace especial hincapié en el período del Cubismo analítico, de 1911 a 1915, en general menos mostrado dada la dificultad para conseguir las obras correspondientes al mismo. Además, la exposición intenta subrayar una de las facetas menos conocidas, la del artista como gran colorista.
...//...
DESDE EL PRÓXIMO DÍA 23
El Reina Sofía presenta la mayor exposición de la obra de Juan Gris

Se muestran 250 pintoras del artista cubista madrileño




TituloBrossa Tarragona/Girona
AutorJ.M. Marsal
PublicacionDiari de Tarragona
Dia8Mes6Año2005Página39
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisDos acontecimientos relacionados con Joan Brossa tuvieron lugar simultáneamente. Por un lado el homenaje que se le tributó dentro del marco de la Primera Feria Internacional de Arte de Cataluña en Girona (4-6-05), y en el que participaron entre otros Eduardo Sivori, César Reglero, Xer Recsens Sis6, etc. Y la muestra realizada en la Galería Torre Baró (La Selva del Camp -Tarragona) patrocinada por la Fundación Joan Brossa. Aprovechando esta circunstacia y la performance del autor tarraconense César Reglero, el autor repasa la trayectoria de la PV en Tarragona, y la influencia que Joan Brossa tuvo en ello promoviendo los encuentros de Vespella Gaia.

DOCUMENTACION:
Torre Baró presenta una muestra de la obra de Brossa // Una treintena de obras forman parte de la exposición de La Selva del Camp

La galería de arte Torre Baró de la Selva del Camp presenta, hasta el 30 de junio, una interesante muestra dedicada al gran artista catalán Joan Brossa. Lleva por nombre Joan Brossa, poemes visuals-poemes objectes y ha podido realizarse gracias a la fundación que lleva el nombre del poeta. La muestra está compuesta por una treintena de piezas que representan una amplia selección de su obra.

Joan Brossa, dramaturgo, melómano, cinéfilo, mago, artista y poeta, que era como más le gustaba definirse, dejó una de las obras artísticas más importantes del siglo XX. Su concepto poético fue muy amplio y abrazó múltiples formas: poesía literaria, prosa, poesía escénica (teatro), guiones de cine, poesía visual, objetos, instalaciones y poemas transitables (poemas en tres dimensiones colocados en espacios urbanos).

...//...
La muestra de poemas visuales y poemas objeto que podemos ver en Torre Baró llega a la localidad tarraconense de la mano de la Fundació Joan Brossa, que se constituyó el 20 de octubre de 1999 con el propósito de promover y conservar la obra del poeta y difundir su mensaje. Esta idea nació del propio Brossa que ya la dejó escrita en su testamento. El artista cedió toda su obra a la Fundació y delegaba en Pepa Llopis, su compañera, la gestión de la misma. Desde su creación se ha encargado de organizar y catalogar la amplia obra de Joan Brossa además de mostrarla en diferentes exposiciones tanto en el territorio catalán como fuera de él, en donde el artista es muy admirado.


TituloJoan Brossa a la Selva del Camp
AutorFrancesc Basco
PublicacionTinet Literatura
Dia2Mes6Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisJoan Brossa exposa a la galeria Torre Baró de la Selva del Camp

La galeria d'art Torre Baró, de la Selva del Camp acollirà la magnifica mostra d'una trentena d'obres de Joan Brossa (Barcelona, 1919-1998), sota el títol "Joan Brossa, poemes visuals - poemes objectes", amb la col·laboració de la Fundació del genial artista català.

L'acte d'inauguració tindrà lloc el proper dia 4 de juny, a les 19.00 hores; estarà presidit per Miquel Fontgivell, director de la Galeria, i comptarà amb la presència de Josep M. Cadena, il·lustre periodista, historiador i crític d'art de El Periódico de Catalunya, que farà una breu glossa de l'obra i la vida de l'excepcional poeta. L'exposició romandrà oberta fins al 30 de juny.

Joan Brossa, dramaturg, melòman, cinèfil, mag, artista i poeta, – que era com més li agradava definir-se -, va deixar una de les obres més colpidores del segle XX català. El seu concepte poètic fou molt ampli i abraçà múltiples formes: poesia literària, prosa, poesia escènica (teatre), guions de cinema, poesia visual, objectes, instal·lacions i poemes transitables (poemes en tres dimensions col·locats en espais urbans). Escriví poesia en estrofes tradicionals (sonets, odes sàfiques, sextines, romanços, etc.); poesia quotidiana (també anomenada antipoesia, per la seva temàtica i forma prosaica); proses circumstancials i poètiques, teatre, guions de cinema, poesia visual i poesia objectual. Per a Brossa no existiren els gèneres ni les fronteres entre les arts. Sens dubte, aquesta obra, si és adequadament difosa, esdevindrà el seu millor testimoni i la seva millor herència, i això és el que el que vol fer la galeria Torre Baró.

La Fundació Joan Brossa es constituí el 20 d'octubre de 1999, amb el propòsit de promoure i conservar l'obra del poeta i difondre el seu missatge a un ampli nombre de lectors i espectadors. Entre altres objectius de la Fundació, figuren l'organització i classificació de la seva obra, el foment d'accions destinades a un major coneixement i difusió de la cultura catalana i la concessió de premis, beques i ajuts a la investigació i formació. La idea arrenca del testament de Joan Brossa, on deixava totes les seves pertinences a la Fundació que es creés amb el seu nom i delegava en Pepa Llopis, la seva companya, la capacitat per endegar-la.
Francesc Basco




TituloDesacuerdos
AutorRedacción
PublicacionEl País
Dia29Mes5Año2005Página20
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones,Performance
SinopsisEL PAIS se hace eco de la finalización de una muestra que ha pretendido reflejar las prácticas artísticas vanguardistas y, por decirlo de alguna manera, marginales con respecto a las políticas culturales dominantes, que se han desarrollado en España en los últimos 30 años. Señala la redacción de EL PAIS que tal y como su título dejaba presagiar, la muestra generó mucha polémica, especialmente de los poetas visuales y artistas digitales, que se mostraron en total DESACUERDO con la propuesta.

INFORMACIÓN DOCUMENTAL
Desacuerdos. Sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado español es un proyecto de investigación en coproducción entre Arteleku-Diputación Foral de Gipuzkoa, Museu d’Art Contemporani de Barcelona-MACBA y la Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arteypensamiento, a la vez que un proyecto expositivo y de actividades coproducido por las mismas instituciones más el Centro José Guerrero-Diputación de Granada.

Desacuerdos surge de la voluntad de erigir un contramodelo historiográfico que desborde el discurso académico, contribuyendo a sentar algunas bases para la reconstrucción de una esfera pública cultural crítica. Para ello se ha puesto en marcha un dispositivo de investigación de estructura descentralizada que se abre al debate público desde esta página web.
Dentro de Desacuerdos se ha organizado durante 2003 el curso La Línea de sombra, celebrado en el MACBA entre los días 8 de octubre y 10 de diciembre, las Jornadas de estudio realizadas en ARTELEKU, Donostia, los días 22, 23 y 24 de octubre y los Seminarios celebrados en la UNIA, Sevilla, el 3,4 y 5 de ese mismo año.
En la presente página se iran publicando los resultados de las investigaciones llevadas a cabo por los participantes de Desacuerdos en sus secciones de Líneas de fuerza, 1969-... y Casos de estudio, así como las noticias y novedades relacionadas con el proyecto: exposiciones, entrevistas y foros de debate.








TituloEncuentro con Antonio L. Bouza
AutorTómas Sanchez (Entrevista)
PublicacionTexturas
Dia0Mes4Año2005Página127
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte experimental
SinopsisOcho páginas de entrevista, son muchas páginas, y, efectivamente, la entrevista da para mucho.

Bouza nos relata los contactos mantenidos con figuras como Dámaso Alonso, Zubiri, Cirlot, Millán, Montells, etc. Nos habla de sus influencias, Marinetti, Tzara, Duchamp,los Postistas (Ory, Cirlot), ... Nos cuenta su aventura como responsable de la edición de Artesa y la relación que se mantuvo con otra edición significativa de la época franquista como era Poliedros. Cuenta anécdotas de como pasaban la censura y de aqui se remonta a los tiempos actuales con un reconocimiento hacia la promoción de la poesía experimental de la mano de una edcición como Texturas o el grupo de Benicarló.

Pero con ser interesante todo este recuento histórico, lo es mucho más sus comentarios y la idea que él tiene del arte, de la poesía experimental, del poeta visual y de las vanguardias en general. Estos son algunos de sus comentarios (desilvanados y sintetizados):

- La poesía, por esencia, siempre debe ser experimental

- La literatura debe llevar dentro de sí el germen de todas las artes

- El arte se adelanta al pensador

- Las vanguardias deben tener siempre dos movimientos: el de ruptura y el de renovación

- La mayoria de poetas visuales actuales se limitan a realizar juegos ingeniosos sin mayor trascendencia o repiten de manera mimética fórmulas ya empleadas

- Actualmente la condición de poeta es cosa del mercado, y si no se mercadea más es porque la poesía expperimental está poco demandada.

- El colmo del egocentrismo son los poetas visuales que pagan su propia obra para ser editada.

- No por tener varias obras editadas se es un buen poeta. Si así fuera, sólo sería cuestión de tener dinero para que a uno le editen

...//...

TituloAccidents Polipoetics
AutorJavier Pérez Andújar
PublicacionEl Pais
Dia24Mes5Año2005Página24
MateriaPoesia sonora,Poesia experimental,Polipoesia,Arte de accion,Arte experimental,Performance
SinopsisACCIDENTS POLIPOÈTICS

No resulta fácil definir los espectáculos de estos dos catalanes que se iniciaron en el mundo del mail art, la polipoesía, el happening y la performance, y que ahora estrenan en la Sala Beckett de Barcelona FRANCO HA MUERTO O COMO IDIOTIZAR A UN POLLO. Por ello es mejor recoger la definición que encontramos en su web:

Erase una vez un dúo de polipoetas. Llamábanse las indolentes criaturas ACCIDENTS POLIPOÈTICS. Y pronto se pusieron a cavilar.

Xavier Theros y Rafael Metlikovez cifraron sus influencias en poetas como Jardiel Poncela, Max Aub, Miguel Gila, Joan Brossa
o Ramón Gómez de la Serna. Aunque no por ello despreciaron la hermosa pirueta musical de la calle, donde pasea la gente, sumida
en ese vaho narcótico que llamamos cotidianidad.

Sus firmes convicciones jacobinas les llevaron a investigar, cual personaje de Dickens, en los bajos fondos de la literatura.
Formatos y géneros, como el recital de poesía o la conferencia escénica, frecuentemente marginados de
los escenarios.

Con esa hidalgía tan española, que hace de la escasez virtud y del hambre misticismo, su trabajo se desarrolló a partir de
una idea vertebradora: conseguir un espectáculo sencillo y austero, que reflexione entorno al humor. Lo cual les ha permitido
encarar temas complejos y aún delicados con esa precisión propia de la cabra montesa que es soltada en una tienda de cristal
de Bohemia. Y es que, no lo duden, la risa es la mejor cohartada para hablar en serio.








TituloVer la poesía en España
AutorJosé-Carlos Beltrán
PublicacionTexturas
Dia0Mes4Año2005Página127
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte experimental,Performance
SinopsisEn este trabajo de Beltrán, en el que elogia la "Antología de la Poesía Experimental Española" (1963-2004)de Félix Morales Prado y publicada por la editorial Marenostrum, quisiera comentar un aspecto que me llama poderosamente la atención, y que no es otro que al afán clasificatorio de Beltrán, con todos los riesgos que esto conlleva.

Asi señala que la antología recoge obras de poetas visuales como Antonio Gómez, Julián Alonso,...// Hasta aquí la referencia puede ser válida, porque no cabe duda de que ambos son poetas visuales, experimentales, y, sobre todo, pluridisciplinares...//...el problema surge a continuación cuando señala que la antológica también recoge las obras de mail artistas, ...César Reglero, Juan Orozco, Ibirico,...y a mi me queda la duda de saber si además de mail artista, soy también poeta experimental, pintor, performer, etc. Supongo que las mismas dudas tendrán Ibirico y Juan Orozco Ocaña. Finalmente Beltrán nos quiere dar una idea de la amplitud de miras del antólogo al señalar que INCLUSO recoge obras de performers como Ferrando, Calleja o Nel Amaro... // Tres ejemplos que, como todos los citados hasta ahora, ante todo son artistas multidisciplinares y es precisamente esta cualidad las que los acerca al poema experimental y a las vanguardias actuales en el sentido de romper todas las barreras interdisciplinares para crear nuevos lenguajes que superen las barreras discursivas.

Es por ello que cuando cita a Montélls y Castillejo como ejemplo de poetas experimentales puros, mi desconcierto va en aumento, pués me da la impresión de que está cambiando el orden de los factores hasta el punto de alterar el producto.(CRC/Mayo 2005)


TituloLa dosis de Carles Santos
AutorAgustí Francelli
PublicacionEl País
Dia21Mes5Año2005Página35
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisCon motivo del estreno de la Opera "La meua filla soóc jo", (Teatre LLiure) ...el polifacético Carles Santos pone de manifiesto una vez más lo próxima que está su trayectoria de la poesía sonora, auditiva y acústica. El mismisimo John Cagé lo hubiera declarado discípulo aventajado. Algunos destellos de la crítica de A.F. asi lo ponen de manifiesto:

.../regreso a la introspección más descarnada con el prelenguaje de los sentidos /....

.../y en el otro plató están las voces, a veces en lucha con los instrumentos /...

.../desmarcándose del canto para entrar en las regiones del grito, el eructo, el suspiro /...

.../una cuerda del violin salida del pene erecto /...

.../los cantantes permanecen en silencio 4 minutos y 33 segundos,...lo suficiente como para que el público comience a emitir su propia obra sonora /...

Como dice Fancelli, un verdadero homenaje a John Cagé

TituloProceso de la Performance
AutorBartolomé Ferrando
PublicacionTexturas
Dia0Mes4Año2005Página127
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisBartolomé Ferrando, profesor de Acciones Plásticas de la Facultad de Bellas Artes de Valencia, nos cuenta su propio prioceso de crezación de la performance y algunas secuencias de su relación con los alumnos.

Nos explica los diferentes puntos de partida desde donde puede surgir la acción y hace especial énfasis en la apreciación de Robert Filliou segun la cual es el material el que ... "me da la idea de lo que quiero realizar",...a veces es al contrario, y otras se parte de un concepto o una idea poética.

Igualmente considera la importancia del espacio y del tiempo como elementos que enmarca la acción a conveniencia del performer, pués esta puede estar limitada por estos elementos o ser atemporal, indefinida o perderse en el espacio. Igualmente puede ser simultánea, complementaria o contradictoria con otra acción.

Señala también la importancia de la luz y los efectos lumínicos para enmarcar el espacio o el tiempo, los espacios interiores o el espacio dentro del espacio.

Otro elementos le parecen igualmente significativos, como puede er el uso de las nuevas tecnologías, las imágenes pregrabadas, o los efectos fónicos. En cualquier caso señala que no es conveniente que la performance se inserte en otros terrenos que no le son propios, por ejemplo, dice que no hay que confundir una performance con una obra teatral

finalmente se refiere a la explicación de sus acciones en los siguientes términos:
"...Su sentido deberá ser extraído por el receptor en base a la reunificación de los elementos expuestos. El hilván se hace necesario. La performance es un guiño. El ojo no rie, sonrie." Esto fué lo que dijo en 1998, y está recogido en su web. Lo sigue manteniendo.

TituloVicente Huidobro
AutorEdgardo
PublicacionBabelia El Pais
Dia14Mes5Año2005Página16
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisVicente Huidobro - Chile, 1893-1948
Ed. Obra Poética / Colección Archivos

Escritor vanguardista chileno, fundador de su propio movimiento poético y defensor entusiasta de la experimentación artística durante el periodo de entreguerras.

En 1918, ya en Madrid (España), fundó el grupo creacionista, y su gran habilidad de comunicador contribuyó a extender el entusiasmo por la experimentación en la Europa de entreguerras. Respecto a sus últimas obras, existen opiniones muy contrapuestas. Así, mientras algunos críticos literarios afirman que se trata simplemente de la producción, muy poco interesante, de un charlatán empeñado en promocionar su imagen, otros, en cambio, encuentran en Huidobro la voz de un poeta serio, capaz de expresarse con viveza, humor y gran inventiva, sobre todo en obras como Altazor o el viaje en paracaídas (1931). No por nada fue retratado por Picasso y Juan Gris. Para no pocos, con Gabriela Mistral y Pablo Neruda, constituye la trinidad de la gran poesía chilena. Además de poemas, su producción se completó con novelas (Sátiro o el poder de las palabras, 1939), manifiestos, ensayos (Vientos contrarios, 1926) y obras teatrales (Gilles de Raiz, en francés, 1932). Como parte de sus ocurrencias, escribió su propio epitafio: -Abrid esta tumba: al fondo de esta tumba se ve el mar-. Se encuentra sepultado en Cartagena (Chile), frente al mar.

Hijo de madre escritora, estudió en su ciudad natal, Santiago, y ya desde pequeño mostró un gran talento literario: sus primeros poemas los escribió a los doce años. Siendo aún adolescente, publicó un manifiesto en el que rechazaba toda la poesía anterior a él. Se trasladó a París, donde pronto entraría en contacto con la literatura de los poetas surrealistas Guillaume Apollinaire y Pierre Reverdy, junto a los cuales fundaría la revista Nord-Sud. Se distanció poco después del surrealismo, al no aceptar la opinión de que el artista es un mero instrumento revelador de su inconsciente. Del mismo modo, rechazó el futurismo al pensar, con cierta razón, que una vez que las masas se hubieran familiarizado con los hallazgos del mundo moderno, los himnos futuristas a la aeronáutica y a los rascacielos, por ejemplo, perderían gran parte de su valor. Su respuesta a todos estos movimientos de comienzos de nuestro siglo fue el creacionismo, una corriente revolucionaria que situaba al poeta a la altura de un dios, dedicado a crear un nuevo tipo de poesía que compitiera con la naturaleza en lugar de reflejarla. Este concepto constituyó el eje de su obra poética, sembrada de impactantes imágenes, de yuxtaposiciones efectistas y de letras y secuencias de palabras de carácter aleatorio. Algunos de su poemas recuerdan los caligramas de Apollinaire.


TituloFontcuberta
AutorJacinto Antón
PublicacionEl País / Pin Zhuang
Dia13Mes11Año2005Página43
MateriaInstalaciones
Sinopsis...//...Para la realización de la Carpeta de fotografías Pin Zhuang, editada por Arte y Naturaleza, Joan Fontcuberta se inspira en un hecho real sucedido en abril de 2001, cuando una aeronave norteamericana, que violaba el espacio aéreo de la República Popular China, chocó con un caza del ejercito chino. La autoridades del país capturaron el sofisticado avión norteamericano que solo tras arduas negociaciones consiguió ser devuelto, aunque pieza a pieza.

Pin Zhuang en chino significa ‘desmontaje’ o ‘rompecabezas’. La idea de deshacer y rehacer un objeto a partir de sus fragmentos nos remonta, según relata Joan Fontcuberta, a la experiencia infantil de los mecanos y de las maquetas ...//...
OTRA DOCUMENTACION

150 AÑOS DE MOBY DICK // En la estela del «Pequod» //Exposicion en el tinglado n.2 de Tarragona en el año 2003 // ...//...
Joan Fontcuberta: Una de las claves con que puede interpretarse la alegoría de Moby Dick es la del encuentro con el monstruo. Para los zoólogos las ballenas son animales sensibles e inteligentes, dotados de rasgos bien curiosos, como sus melodiosos cantos tan bien aprovechados por los músicos new age, los rituales de seducción que siguen para aparearse, o los actos de solidaridad hacia otros miembros de su especie, enfermos o malheridos.

Pero la imagen que se ha forjado el inconsciente colectivo no corresponde a este tipo de cualidades. La ballena es el animal más grande que existe y precisamente su envergadura colosal le ha propiciado a lo largo de la historia una densa carga mítica. Del Leviathan bíblico al Moby Dick literario, el gran cetáceo personifica el ente monstruoso capaz de desencadenar las fuerzas más maléficas. En las cosmogonías de numerosas civilizaciones tan distantes como las de la Polinesia, el África Negra o Laponia, la ballena interviene en mitos fundacionales análogos a los de Jonás: el pasaje por el vientre del monstruo marino es expresamente considerado como el descenso a los infiernos. En la tradición islámica, la tierra reposa sobre un ángel, el ángel sobre una roca, la roca sobre el toro, el toro sobre la ballena, la ballena sobre el agua, el agua sobre el aire y el aire sobre las tinieblas, y toda la estabilidad de la estructura depende de los movimientos de la ballena. Los temblores de tierra y los terremotos no son sino sobresaltos de la ballena.

La ballena dirige pues nuestra atención hacia el sentido del monstruo. Lo monstruoso se origina en primera instancia en una cuestión de orden formal o estético. El organismo «normal» y el organismo monstruoso, dicen los teratólogos, están dotados de las mismas propiedades; sólo que en cierto momento de su desarrollo, su forma diverge. Determinar qué es normal y qué es monstruoso implica apelar a criterios arbitrarios basados en las nociones de identidad y diferencia, lo cual nos lleva a explorar el territorio del Otro. Lo monstruoso implica lo diferente, lo singular, lo portentoso, y eso, según las circunstancias, será digno de elogio o merecedor de rechazo. Todavía hoy, ser calificado de «monstruo» puede entenderse de tono admirativo o como un insulto. Y haciendo un poco de antropología advertimos cómo en algunas culturas los enanos y los seres deformes están considerados como individuos escogidos por Dios para ser especiales, mientras que en otras, lo monstruoso equivale a lo aborrecible, relegado al lado del Mal, de lo horrible. Penetrando el secreto de los monstruos es por consiguiente de la mirada de Dios de lo que nos apropiamos. Nos preguntamos por qué el Creador los ha puesto en el mundo: puede que simplemente para divertirse y divertirnos, dice Claude Kappler (Le monstre. Pouvoirs de l'imposture, Puf, París, 1980), porque la variedad de especies es algo prodigioso y si hay monstruos, seres verdaderamente diferentes, el universo es aún más rico. O bien porque es preciso justificar los inevitables «fallos» de la Naturaleza: para que no vayamos a sospechar que Dios se ha equivocado cuando entre nosotros nace un monstruo. Todo lo contrario, Dios ha creado razas enteras de monstruos que prueban que Él sabe lo que hace. Los monstruos tienen tanto derecho a existir como nosotros. Desde luego el universo entero es maravilloso y los monstruos constituyen una razón más por la que «maravillarse»: es la opinión de San Agustín (La ciudad de Dios, XVI, 8), que en la Edad Media se generaliza. Ejemplificarían esta creencia los Wunder Kammer, gabinetes de curiosidades y maravillas.
..//...

Titulo'La Mirada y el Agua' y Poesía Visual
AutorS.E.
PublicacionDiario del Alto Aragón / Espec
Dia21Mes4Año2005Página2
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisARTERIA 05 // Arteria vital: "La Mirada y el Agua" - S.E. // 'La Mirada y el Agua' y Poesía Visual, en el Auditorio Municipal // Los organizadores presentarán el contenido del certamen en un acto 'arropado' por dos manifestaciones de genio creativo: la exposición 'La Mirada y el Agua' que dirige Virginia Baix y apadrina el Instituto Aragonés del Agua, y la muestra de Poesía Visual que coordina Ángela Ibáñez.


RÍO DE MIRADAS

Tras sus estancias en Zaragoza, Huesca (Palacio Villahermosa y Centro Cultural del Matadero) y el Museo “Martín Almagro” de Albarracín, la exposición “La Mirada y el Agua” cuelga en los muros del Auditorio Municipal “San Francisco” (gran sala del edificio del Conservatorio de Música). En total, 23 obras de otros tantos artistas aragoneses o residentes en esta Comunidad (la mayoría pinturas de gran formato), y el nexo común: el agua. La comisaria Virginia Baix define la colección como “un viaje paradójico en torno al agua, un río de miradas, una invitación a mirar como miran los artistas”.




TituloLuminisensor
AutorColectivo Trip
PublicacionLuminisensor
Dia9Mes5Año2005Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisCOMUNICADO DE PRENSA: // TRIP-e [Sara Malinarich, Isabel Aranda YTO, Manuel Terán, Amparo Coret] // Luminisensor, obra del colectivo TRIP –e, es un Work in progress que investiga nuevas prácticas de interacción y comunicación a través de la electricidad. Luminisensor ha recorrido varios centros europeos y será presentada próximamente en diversos centros de arte tecnológico de todo el mundo.

Esta obra se desarrolla en diferentes fases. El efecto global que se obtendrá a consecuencia de la aglutinación de dichas fases, trae como resultado una intensa exploración de los modelos de comunicación que este medio proporciona; así como una revisión de los patrones de acercamiento, aceptación e interacción que suelen producirse, en y hacia, este tipo de obras.

La obra en si, sólo se presenta a centros de arte tecnológico. El público no tiene acceso a ella, siendo el usuario que entra en la web de Luminisensor quien participa de la construcción de la obra.

Luminisensor es una obra abierta que tiene un ‘objeto’, pero nosotros pensamos que no hace falta mostrarlo al público. Esta obra es más que un objeto de arte para exhibir. Lo que nos interesa es construir un ente que evolucione gracias a la colaboración de centros y usuarios formando así una gran co-autoría.

Ahora el proyecto está en la red llenándose diariamente de información y generando feed-back de comunicación entre todos aquellos que participan en la producción de esta pieza. “Invitamos al público a que entre en Luminisensor http://www.saramalinarich.net/luminisensor.htm y trate de ver que es lo que se esconde”. En la web se les ofrece la posibilidad de expresarse dejando sus mensajes en el libro de visitas siendo esto parte importante del cuerpo y el proceso de la obra.

Se estudian algunos procedimientos habituales que se establecen en los sistemas de comunicación por ordenador a través de redes informáticas. Propone nuevas formas de difusión electrónica, que fomenten la colaboración e interrelación, al mismo tiempo que intenta explorar formas de contribución espontánea de los usuarios.

Esta obra indaga nuevas acciones para hacer visible la información electrónica. También centra su atención en la observación de la naturaleza de las formas que aparecen representadas en la pantalla del ordenador, frente al simulacro de una realidad virtual.

Luminisensor ha sido acogida hasta la fecha en centros de arte Europeos, como Hangar, Medialab, Ciant y Libat, entre otros, y proyecta seguir siendo presentada durante los próximos meses en diversos centros de arte tecnológico internacionales.

El colectivo TRIP-e nace a raíz de este proyecto, Luminisensor. Está integrado por los artistas chilenos Sara Malinarich, Manuel Terán e Isabel Aranda YTO y la española Amparo Coret. Su interés principal es investigar y experimentar con los nuevos medios. Intenta cuestionar los esquemas establecidos para la creación, divulgación y exposición de obras de arte.


TRIP-e [Sara Malinarich, Isabel Aranda, Manuel Terán, Amparo Coret]

http://www.saramalinarich.net/team.htm
luminisensor@saramalinarich.net

Entrevista: http://www.escaner.cl/entrevista.htm

LUMINISENSOR
http://www.saramalinarich.net/luminisensor.htm

TituloAndre Francois el poeta de la imagen
AutorEfe
PublicacionEl Mundo
Dia17Mes4Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
Sinopsis

PARÍS.- El pintor y dibujante francés André Francois, cuyos libros ilustrados fueron publicados en múltiples idiomas, falleció el 11 de abril a los 89 años en su residencia de Grisy-les-Plates, a las afueras de París. Fué uno de los pioneros en llevar la poesía visual, experimental y conceptual al mundo de la publicidad.


Nacido en una ciudad de Hungría que después pasó a pertenecer a Rumanía, André Farkas se instaló en Francia en los años 30 y en 1939 adquirió la nacionalidad francesa y el apellido de Francois.

El trabajo de este artista inclasificable es conocido en varios países, especialmente en el Reino Unido, donde dibujaba para numerosas revistas, entre ellas la satírica 'Punch', y para la colección de bolsillo de la editorial Peguin, y en Estados Unidos, donde su colaboración con el semanario 'New Yorker' duró 30 años.

En Francia, fue su trabajo para carteles y la publicidad y sus dibujos para la prensa, como el semanario 'Le Nouvel Observateur' y el diario 'Le Monde', lo que le hicieron muy conocido.

Ilustró además textos de los poetas Jacques Prévert y de Pierre Etaix, al tiempo que escribió e ilustró cuentos para niños, como su 'Lágrimas de cocodrilo' que fue traducido a varios idiomas.

Pero la parte más secreta de su obra, a la que él daba más importancia, pese a sus reticencias para mostrarla, era su pintura, que, en gran parte, se quemó en el incendió de su taller en 2002. Ese suceso le postró en una profunda depresión de la que trató de salir volviendo al trabajo pictórico.

Algunos meses antes del incendio, la fotógrafa Sarah Moon rodó una película en el taller de Francois en la que se pueden admirar algunas de esas piezas en relieve desaparecidas para siempre.







TituloBiblioteca desfavorable
AutorAna Oliveira
PublicacionDiario de Noticias
Dia3Mes5Año2005Página0
MateriaArte de accion,Instalaciones
SinopsisHuarte inaugura la muestra 'Los libros por afuera/Biblioteca desfavorable'
confronta 'el quijote' con la obra 'gero' , de axular
La exposición, en la Casa de Cultura, propone una reflexión sobre la lectura y sobre el libro como objeto.
Coincidiendo con la celebración del cuarto centenario de la aparición de la primera edición del Quijote, la casa de cultura de Huarte ha programado una exposición que, bajo el título Los libros por afuera/Biblioteca desfavorable , pretende motivar una reflexión sobre la lectura y el libro en su doble vertiente de continente y contenido.

La muestra, inaugurada en la tarde de ayer, está organizada por el Ayuntamiento de Huarte, en colaboración con el Gobierno de Navarra y el Planetario de Pamplona, y ha sido comisariada por Mariano H. de Ossorno. En la exposición también ha jugado un importante papel Pilar Blanco, directora de la galería Imatra de Bilbao, espacio donde echó a andar este proyecto hace dos años, para recalar, en 2004, en Vacío 9 de Madrid antes de llegar a Huarte, donde permanecerá hasta el próximo 14 de mayo.

Raquel Crespo, coordinadora cultural del municipio, explica que, aprovechando el año del Quijote, "hemos querido plantear una especie de duelo entre este texto y otro, Gero , de Axular, una de las obras literarias en euskara más antiguas y de mayor relevancia", para enfrentar, en buen sentido, "dos idiomas y dos ideas". Esta propuesta se ha materializado en la planta baja de la casa de cultura, donde, se ubican dos sillones, uno frente a otro, dejando en medio un espacio que ocupa una sopa de letras en la que se han formado las palabras diálogo/elkarrizketa. En este sentido, el comisario comenta que lo que se pretende con esta instalación es "mostrar que se pueden leer los dos libros sin problemas siempre y cuando uno se mantenga en silencio mientras el otro habla y viceversa", condensando, así, la esencia del diálogo, la necesidad de escuchar y de hablar por turnos. "Muchas veces se ha presentado al castellano y al euskara como opuestas, pero esto es puro ruido y no tiene nada que ver con la lengua; porque, si se dialoga y se respeta al otro, no hay ningún problema".

Por otro lado, en la primera planta se encuentra lo que se ha dado en llamar la Biblioteca desfavorable , que reúne 33 obras aportadas por las personas que han participado en la organización de las distintas ediciones de la muestra. "Estos títulos van variando; entregaremos unas hojas de evaluación a los visitantes y, en función de sus opiniones, cambiaremos los títulos y se incorporarán otros nuevos", señala Crespo, que insiste en que se trata de "hablar, pensar y contrastar las opinones en torno a las obras exhibidas aquí". Es, en definitiva, una visión "diferente, provocadora e irónica del mundo del libro y la lectura". Irónica porque, como dice de Ossorno, "no conozco a nadie al que leer le haya favorecido", y pone como ejemplo el caso de un deficiente mental que, después de ser indultado de una pena de muerte en Estados Unidos, fue condenado de nuevo por haber aumentado su capacidad intelectual a través de la lectura.

Dentro de este apartado se exhiben también varias "acciones artísticas" realizadas por diversos creadores a partir de la idea de libro. En el caso local, muestran sus obras Patxi Buldain y Julio Urdín.

Por último, la segunda planta de la casa de cultura alberga el apartado Los libros por afuera , que habla del libro como objeto, como continente. Para ello se exhiben varias portadas diseñadas por tres profesionales de reconocido prestigio en este ámbito como son Daniel Gil, Alberto Corazón y Enric Satúe.





TituloTorna Barcelona Poesía
AutorBernat Puigtobella
PublicacionQuadern/ El País
Dia28Mes4Año2005Página4
MateriaPoesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisBARCELONA POESÍA 2005
Se ha presentado el programa de "Barcelona Poesía 2005" que se celebrará entre el 3 y el 11 de mayo en 20 espacios de la ciudad con 60 actuaciones de un centenar de poetas. Esther Xargay y David Castillo (coordinadores), ofrecen un programa amplísimo del que B.P. destaca, entre otros, la participación de Pere Sousa y el propio David Castillo en su actuación en la Capella de l´Antic Hospital de la Santa Creu (El miércoles, 4 de mayo a las 22.00h., y el espectáculo poético músical de Carles Llacer de Valetín Gómez Oliver y que cuenta con la particdipación de Carles Hac Mor, Miquel de Palol y Miguel Poveda (Viernes día 6, a las 21.00h en la Plaça del Rei.

DOCUMENTACIÓN
Servei de Premsa > Detall de la convocatòria

Presentació de 'Barcelona Poesia', que enguany s'allargarà 9 dies i retrà homenatge a Josep Palau i Fabre
» Comentaris:
La conferència de premsa se celebra aquest dimecres, a les 12:00 hores, a l'Espai 4 del Palau de la Virreina

El regidor de Cultura, Ferran Mascarell, presentarà aquest dimecres 27 d’abril, a les 12:00 hores, el programa de Barcelona Poesia, que se celebrarà entre el 3 i l’11 de maig en 20 espais de la ciutat.

La novena edició d’aquesta important mostra poètica, amb un programa heterogeni que inclou un total de 69 activitats, comptarà amb la presència de més d’un centenar de poetes. Barcelona Poesia alçarà el teló amb diversos actes d’homenatge al poeta Josep Palau i Fabre, que tindran lloc dimarts 3 de maig.

A la conferència de premsa de demà, que es farà a l’Espai 4 del Palau de la Virreina (La Rambla, 99), també hi assistiran els coordinadors d’aquests nou dies de poesia, David Castillo i Ester Xargai, i el comissari de l’Any del Llibre i la Lectura, Sergio Vila-Sanjuán.






TituloMuestra de Poesía Visual
Autor
PublicacionEL PERIODICO FRAGA
Dia14Mes4Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte experimental
SinopsisFraga celebra el Día Internacional de la Poesía con una serie de actos que incluyen, hoy, la Muestra de Poesía Visual y, el domingo, un homenaje al recientemente fallecido pintor y escritor Antonio Fernández Molina. La muestra que se inaugura a las 18.00 horas, coordinada por Angela Ibáñez, cuenta con un centenar de artistas de todo el mundo que han enviado sus obras en formato digital, imagen fija o en movimiento. La exposición se verá después en Arteria, (22 al 24 de Abril en Monzón) para acercar así al gran público una creación plástica, muy cercana en sus orígenes a las vanguardias, y que sin perder sus raíces utiliza todos los recursos de las nuevas tecnologías.

Almandrade, Clemente Padín, Dorotea Fleiss, Zenón, Nela Río, Juan Alcón, César Reglero, Clara Janés, Caterinia Davinio, Jaromir Svozilik, Nel Amaro, José María Montells, Alfred Banze, Grupo Sinestésico, Krista van der Maijden, Eszter Lang entre otros tantos creadores que van desde Las Antillas a Canadá, China, Brasil, Argentina, Hungría, Uruguay, Estados Unidos, Noruega, Italia, Francia, Bélgica, Méjico, Chile, Japón y por supuesto España.

Tras la inauguración, a las 19 horas, en el Palacio Montacada, se celebrará la Mesa Redonda la Poesía y los Medios de comunicación, en la que participarán José Royo (TVE en Aragón), Antonio Ibáñez Izquierdo(Qriterio), Miguel Angel Ordovás (El Periódico de Aragón) y Jaime Casas (Radio Fraga).

TituloFRIOUR NETWORK MAGAZINE
AutorGuido Vermeulen
PublicacionKairan
Dia0Mes0Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisWhen Gianni Simone asked me to be guest editor of Kairan and make an issue on FEMAIL network art I found this a good idea.
I did a mailing to some of my contacts and very soon was confronted with 2 extreme reactions.
One came from Lois Klassen who questioned the motivation of 2 males (Gianni and me) for doing a femail art issue. Such operation needs femail editors, was the attitude.
The other came from Lavona Sherarts who said: "Femail art? That's crap! I'm all male to the balls up! Hihihi"
These reactions, going from a radical feminist view to a no nonsense, get real girls attitude came from 2 close mail art friends and show also the differences in approach and analysis between femail artists.
Well, what about our motivation? I can't speak for Gianni of course but I can explain my own reasons for agreeing to make this Kairan issue.
I started doing mail art in 1993. The first year was difficult. I wanted to connect with people and got little responses. I only used regular mail but was lucky enough to meet some incredible people in the mail. If there had not been Patricia Collins, Anne Miek Bibbe or Marilyn Dammann that first year I doubt that I would have continued with mail art. After that mail started flowing in like a river of no return. When I showed the list of my correspondents to the persons in Belgium who had introduced me to mail art they said 2 things: that a majority of my contacts were unknown to them and that they were surprised by all the women who had reacted on my theme of Signs and Stones.
Another man tried to explain this by the fact I proposed "femail" themes.
Do certain themes attract femail participation and others don't? It is an intriguing question.
Anyway, during a decade of network activities the women who participated to my projects and who exchanged art and thoughts with me has been growing and never stopped. Hundreds and hundreds of names and this from the early beginning till now!
So I was profoundly shocked when I read some books or thesis on mail art, written by men, saying that there were NO women in mail art or very few, oh yes, exceptions were Anna Banana and Patricia Tavenner. How blind can you get, I thought by myself. And sometimes I became angry because I realized that these guys were writing down the "history" of mail art and falsifying it. This in a way is typical for history writing in our society. It tells the history of men because written by men in a male dominated world order. On this level I agree 100 % with the feminists and mail art does not escape this rather disgusting umbilical behavior at all.
The only thing these guys were saying was "I have no femail correspondences in my own network" and their little network stood for the general network of course. OF COURSE NOT!
It's a typical case of projecting the own small circle to a general one. Lots of people make this mistake. Your own experience often determines your own little view on the universe. You forget the bigger picture and are unable to see farther than your own backyard, farther than your own penis I should say.
These men limit themselves to playing in their own dirt. Probably it is nostalgia to the sandpit of our youth.
But what worries me more is that if later generation s will look on mail art history they will come to these printed publications and have a false view or impression on what was happening or on what's really going on.
So this issue tries to counterbalance the male dominated view in mail art (that's really CRAP, Lavona) and gives space to some of the many women whom are very active in network or correspondence art.
They are only the tip of the iceberg and what an iceberg that is, brothers and sisters!
I have to thank especially Linda Pelati here who helped me a lot and suggested kindly to spread around a questionnaire. First I did not want to do this because I hate "guiding" people in a certain direction. But knowing Linda, how thoughtful and gentle she is, I decided to trust her 100 % on this and I wrote down one after some reflection and mailed this again to a group of femail artists.
You can see the results of their responses in this Kairan issue.
The questions were:
1) Personal data, present yourself, mail only the data you want to share!
2) Describe a few of your own artistic projects and interests
3) Is your art "femail" in the sense that it is gender related? Or how important or non-important is the gender issue in your own artistic work? Is there an evolution?
4) Besides gender what are the other aspects in your art you want to put forward?
5) Send a sample of your art
So, now it is big time for me to move and disappear in the background. Make room for the Guerilla Girls!


TituloJornadas de Poesía Visual en Peñarroyya
AutorAlberto Díaz
PublicacionDiario de Córdoba
Dia15Mes4Año2005Página68
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisEl Centro del Profesorado "Sierra de Córdoba" organiza actualmente en Peñarroya las primeras Jornadas de Poesía Visual en la que participan destacados especialistas: Rafael de Cózar, Felipe Muriel, Antonio Gómez, Francisco Aliseda, Guillermo Marín,etc.

En estas jornadas se tratarán temas como la evolución de la poesía visual en España, sus antecedentes históricos desde el S.I a. de C. hasta las vanguardias del S. XIX y XX, el actual panorama de la poesía visual, el libro objeto, la poesía experimental, conceptual, la poesía acción, etc.

TituloDiario Vasco
AutorTeresa Flaño
PublicacionDiario Vasco
Dia24Mes2Año5Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
Sinopsis

Esther Ferrer indaga en el tiempo, el espacio y la presencia en una intervención en el KM
La artista, que recurre una vez más a los temas que ha desarrollado a lo largo de su carrera, ha optado por la fotografía como soporte. La donostiarra inaugura hoy la exposición en la sala Ganbara

Esther Ferrer, que formó parte del histórico grupo de arte conceptual ZAJ (con Juan Hidalgo y Walter Marchetti), y que ha centrado su carrera artísdtica en la performance, las instalaciones y la fotografía, se considera heredera de John Cage y dice que ha aprendido a escuchar los ruidos de la vida gracias a él.

La artista donostiarra Esther Ferrer posa ante la serie de fotografías que configuran 'Autorretrato en el tiempo' dentro de la exposición 'Al ritmo del tiempo'. [LUSA]
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«El arte es como el agua, puede ser vapor o hielo»
SAN SEBASTIÁN. DV. Tiempo -en todos sus aspectos desde el cronológico hasta el psicológico-, espacio y presencia, éstos son los cimientos de la obra de Esther Ferrer (San Sebastián-1937), artista que desde mañana expone en la Ganbara del Koldo Mitxelena su instalación Al ritmo del tiempo. Ayer, en la presentación a los medios de comunicación de su trabajo, explicaba que «siempre busco que las distintas partes de una exposición estén coordinadas entre sí, que formen una especie de círculo, que no sean elementos dispersos y distintos».

«Desde hace tiempo me tentaba la idea de reunir en una exposición obras en las que el eje fundamental fuera mi percepción del tiempo, el espacio y la presencia, que en la base es igual que en las performances que realizo, pero que al desarrollar se modifica. Una especie de trilogía que atraviesa la historia de la humanidad y en consecuencia la del arte desde hace milenios. La proposición del Koldo Mitxelena me ha dado la oportunidad de realizarla», comenta Esther Ferrer.

Al ritmo del tiempo está compuesta por Autorretrato en el tiempo formada por una serie de 25 fotografías; Autorretrato en el espacio: de la nada a la nada, con 27 imágenes; Autorretrato aleatorio, formado por fotografías y unas tablillas que se mueven en horizontal y vertical formando figuras distintas; y Las manos de la artista. «También hemos incluido un dvd sobre la primera sección para hacer reflexionar sobre lo distinto que es el tiempo según el soporte», comentaba Ferrer.

DOCUMENTACION SOBRE EL GRUPO ZAJ Y ESTHER FERRANDO
Con 30 años, en diciembre del 67, te integras en ZAJ.

El mundo de la acción que así se llamaba antes de llamarse performance, me interesaba. Un buen día vino Sistiaga diciendo que unos amigos suyos necesitaban una mujer para una acción y dije que sí, claro. El teatro no es una de mis pasiones, pero la utilización del cuerpo como elemento de expresión me ha interesado siempre. No sé por qué. En el Museo de San Telmo me encontré con José Luis Castillejos, Juan Hidalgo y Walter Marchetti. Tras la acción que hicimos juntos, Juan y Walter me propusieron seguir trabajando con ellos y acepté de plano.

Tú no eres músico como ellos, que yo sepa.

El mundo de las acciones no pertenece forzosamente a los músicos. Nunca fue un problema para mí el no ser música. A la acción se puede acceder desde muchos ámbitos. Cuando conocí lo que ZAJ hacía, me dije que era eso lo que a mí me interesaba. Más que el dibujo, más que la pintura, más que la escritura... y es así como empecé a imaginar acciones que realizamos con ZAJ: Siluetas; Intimo y persona; Huellas, espacios, sonidos; Se hace camino al andar...

¿Cómo se crea en grupo?

Nunca hicimos obras conjuntas. Creo que esta es una de las razones por las que ZAJ duró tanto. No teníamos ninguna censura entre nosotros, trabajábamos juntos, pero al mismo tiempo andábamos cada cual por nuestro lado, las obras siempre eran individuales, de cada uno de nosotros. Nos juntábamos para decidir el programa de las acciones y para ejecutarlas. Además, Walter (Marchetti) y Juan (Hidalgo) seguían componiendo música y yo elaboraba proyectos artísticos que no se hacían o que se acabaron haciendo muchos años más tarde. Partíamos de la música, es cierto, pero yo nunca me he considerado ni música, ni artista plástica, ni poeta. En realidad el arte/acción es el arte más democrático que existe, no necesitas tener una especialidad, pero lo que sí hace falta es tener la voluntad de hacerlo, el deseo, y a partir de ahí inventas, te lo inventas todo, incluida la definición de lo que es la performance si crees necesario tener una. Muchas veces digo a los estudiantes que para hacer acciones, la especialización casi es perjudicial, cuanto más errante sea tu mente, cuanto menos te fijes en una u otra disciplina, mejor que mejor. Esto de no tener ninguna frontera te da una gran libertad. Creo que la performance es el arte integrador por excelencia, empezando por el hecho de que aglutina disciplinas diferentes. Es el que más rompe las categorías establecidas, los moldes. En la performance no hay ni Dieu ni maître, como en la anarquía.

La obra de ZAJ se caracteriza por una ausencia de explicación en sus acciones: «ZAJ es ZAJ». Pero por
otro lado vuestra obra conecta directamente con el arte conceptual donde, precisamente, es el discurso
lo que sobresale.

No, no estoy de acuerdo: es el concepto lo que se sobrepone al discurso. En mi caso, detrás de cada obra existe siempre un concepto que yo nunca explico. ¿Qué has entendido en esta acción? Pues perfecto, eso que has entendido es lo que verdaderamente ha sido, puesto que lo has percibido así. Te podría hablar mucho sobre lo que considero que debe ser una acción, pero esto solo serviría para mí. En realidad prefiero que haya tantas definiciones como artistas que hacen performances. Sólo te diré que en mi trabajo la acción que más me interesa es aquella en la que he tocado ese punto donde todo discurso está de más. Mi propósito es que la idea sea neta, clara y basta. En realidad, cuando trabajo mis acciones paso mucho tiempo eliminando cosas para conseguir la mayor claridad posible.

Conectáis también con Duchamp, entiendo yo, por la capacidad de provocación de la obra de arte.

En el mundo de la acción las influencias principales, para mi y supongo que para muchos más, son los futuristas, los surrealistas, además de Duchamp, por supuesto. Por lo que se refiere a la provocación, yo nunca me he propuesto provocar. No hace falta, ya que la gente se provoca sola: te paras a mirar a alguien de frente durante algún tiempo, y ya está. Esto le provoca, le irrita o inquieta, y se producen verdaderos destellos. ZAJ, decíamos, es como el vacío del Tao, un vacío que cada cual llena como puede, pues proyecta en él su propia individualidad, su irritabilidad si es irritable, o su sentido del humor si lo tiene, o sus compromisos políticos... Yo no he hecho nunca arte político, pero en tiempos del franquismo todo se interpretaba bajo el prisma de la política y muchas veces las acciones de ZAJ en el contexto represivo de la época, se politizaban automáticamente, y la gente gritaba viva la libertad etc. sin que nosotros hubiéramos hecho explícitamente nada para provocar esta reacción. Sin duda algo percibían en las acciones de ZAJ para reaccionar de esta manera. De todas formas pienso que todo arte que se realiza libremente -quiero decir que cuando el artista se permite la libertad de pensarlo sin cortapisas y sin otros intereses que los del arte-, es un arte político.

Sin embargo vuestras actuaciones resultaban siempre sorprendentes.

Es evidente que la acción sorprendía por su novedad, y en ese sentido podían vivirlo como una provocación. Personalmente puedo decirte que solo cuando la presión es muy grande, cuando ocurre algo difícil de soportar, entonces sí puedo hacer una acción o una obra que puede considerarse explícitamente política, provocadora, quizás, pero para mí es solo un desahogo o un grito de protesta. Lo que ocurría es que, en aquellos tiempos, nadie sabía qué eran las performances, si se trataba de arte, o de teatro, o de música. Los críticos no habían dicho todavía qué es lo que se debía entender, y cada cual lo interpretaba a su manera. Por supuesto, ante lo desconocido, muchos se sentían agredidos, simplemente porque no entendían y esto les irritaba y lo consideraban una provocación. Sinceramente, yo lo único que pretendía y pretendo, es hacer mi trabajo de la forma en que yo lo entiendo y lo más libremente que puedo, pero pienso también que los otros pueden reaccionar ante él con la misma libertad y, por supuesto, interpretándolo como les parezca y reaccionando en consecuencia.

También hay que mencionar a John Cage con el que coincidías en que una performance no es, al fin y
al cabo, nada más (ni menos) que tiempo en el espacio.

Cage, a quien conocí personalmente, ha tenido una gran influencia en mi trabajo: me ha enseñado a prestar atención a los ruidos de este mundo. Creo que de Cage he aprendido sobre todo a escuchar, me ha enriquecido el universo sonoro de una forma inimaginable y esto ha tenido mucha influencia en dos niveles, en el personal y en el artístico. Por lo que se refiere a lo que la performance es o no es lo interesante en la acción es, precisamente, su dificultad de definición. Ahora se teoriza en las niversidades y se dan a veces definiciones dogmáticas, exclusivistas, pero a mí lo que me interesa, como te he dicho, es su indefinición, una performance puede ser cualquier cosa, pero hace falta que sea. Cuando me preguntan qué es una performance, respondo que para mí es el arte del tiempo, del espacio y de la presencia.

Eso no es exclusivo de la acción.

Es cierto, es lo mismo en la pintura, en la música, en la instalación... Lo que pasa es que en las acciones estos elementos se combinan o se declinan de manera diferente. Es solo eso. La acción puede ser efectivamente cualquier cosa, algo que a los otros puede parecerles, quizás, gratuito, pero para la persona que la hace es interesante y necesaria. Luego vendrán otros que la juzguen, como ocurre ante cualquier manifestación artística, pero resulta que la pintura, por ejemplo, tiene antecedentes, está dentro de la dinámica natural de la historia del arte, hay una práctica, una herencia desde el arte rupestre hasta nuestros días, y en el caso de la performance parecía no haberla, se carecía de referencias.

En el año 1996, ZAJ se separa. ¿Cambia algo cuando la acción pasa a ser individual?

No, porque ya te he dicho que las obras eran siempre una creación individual. Cuando en 1996 ZAJ desaparece como grupo, cada uno de nosotros siguió trabajando separadamente y lo seguimos haciendo hoy en día.

Lejos de crear objetos artísticos, realizas acciones donde integras, sobre todo, objetos cotidianos puestos
en cuestión. ¿Quién compra tu arte?

Los objetos que utilizo en las performances, en principio, no están en venta, ya que muchas veces ni siquiera son míos: me prestan sillas, mesas... lo que necesite. A veces algún coleccionista quiere comprar la silla, por ejemplo. Naturalmente le digo que no es mía, que es propiedad del que nos la ha prestado, y que si se la compra la esa persona la obtendrá a mejor precio. Los objetos de mi propiedad que utilizo en las performances, no los vendo. Por lo que respecta a quién financia las performances, suelen ser instituciones, asociaciones de artistas o similares. Son ellos los que nos pagan por hacerlas, yo vivo de ello, aunque es mucho decir, ya que no creo que nadie pueda vivir sólo de las acciones. Felizmente el artista performativo es, por lo general, polimorfo y capaz de realizar actividades diversas en otros terrenos como el de la música, la literatura, la pintura, la fotografía, etc.

Tus performances son minuciosamente decididas y planificadas de antemano.¿Cuál es el lugar que dejas
para el espectador?

Ninguno y todo. El sentido de interactividad casi sistemática tal como se practica hoy en el arte, eso de pulsar un botoncito y ¡zas!, no me interesa y con frecuencia me parece infantil. Está muy feo que lo diga, pero soy muy individualista y hago arte para mí misma. Nunca pienso en lo que va a opinar o sentir el espectador, si quiere participar, no tiene más que hacerlo, no seré yo la que se lo impida, pero tampoco la que le incite a ello.

Entonces, ¿por qué ejecutas tus acciones delante de la gente?

Primero porque es mi modo de vida. El interés del arte consiste en crearlo y, como te he dicho antes, hago lo que me interesa hacer y espero que el espectador actúe de la misma manera: que se quede si le gusta, y que se vaya si no le gusta. Si quiere participar conmigo, que participe, o que haga todo lo contrario, es su propia decisión, no la mía. Creo que el espectador es un adulto con el suficiente discernimiento y sentido de libertad como para elegir lo que quiere hacer ante mi proposición.

A pesar de ello, supongo que la aceptación o el rechazo pondrán en cuestión el éxito de tus obras.

Entre lo concebido y lo ejecutado suele haber, a veces, una diferencia sustancial, y si no me he sentido a gusto cuando he hecho la acción, reflexiono sobre ello y la cambio. Pero si me he encontrado a gusto, confortablemente y pensando que he realizado exactamente lo que quería hacer, la respuesta del espectador no influye. Por supuesto que el lado narcisista se alegra de que te feliciten, pero no es esencial. Lo fundamental es que mi idea y la forma que le doy, su exteriorización, se correspondan con precisión. Cuando se consigue ese punto exacto, sobran las palabras y da lo mismo lo que el observador diga. Generalmente son obras en las que no utilizo ningún material, sólo mi cuerpo, mi voz, mi movimiento... son las que prefiero: expresar lo máximo con lo menos posible. Para mí es lo más difícil, pero es también lo más interesante y como los elementos suelen ser muy pocos, la idea debe ser realmente buena, y eso no me ocurre todos los días. Es quizás la razón por la que no soy muy productiva.

En tus obras aparece el tiempo, siempre el tiempo. ¿Por qué no eres poeta?

Con frecuencia me invitan a festivales de poesía y siempre digo que no soy poeta, que no me siento poeta. El tiempo y yo tenemos unas relaciones extrañas, parece como si anduviera siempre corriendo detrás de él, además no sé cuando han ocurrido las cosas, por ejemplo. Si te das cuenta, en muchas acciones mías aparecen elementos que miden el tiempo, grandes relojes, sonidos, una voz que pregunta la hora o dice la hora que es, que cuenta... Me divierte que la gente sea consciente del tiempo que pasa, de que esos 15 ó 20 minutos que acabamos de pasar juntos no se repetirán jamás. El paso del tiempo, en el reloj, en la performance, en mi cabeza... es esencial en muchas de mis obras. En algunas incluso es su materia prima. También en relación con el tiempo, me interesa la previsibilidad de algunas de mis acciones, una previsibilidad que algunos pueden percibir como aburrida, pero también el aburrimiento me interesa como elemento de trabajo.



TituloEl amics de Breton
AutorJosep Casamartina
PublicacionEl Pais
Dia24Mes3Año2005Página7
MateriaPoesia experimental,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisUna de las exposiciones más destacables está situada en el CCCB de Barcelona (C/ Montalegre, 5). 'París y los surrealistas' aborda este movimiento artístico desde la inspiración de artistas que han tenido alguna relación con la Ciudad de la Luz. 370 obras distribuidas en varios espacios nos acercan a una de las corrientes artísticas más inquietantes a través de un recorrido visual y textual exquisito. Hasta el 22 de mayo.

DOCUMENTACION

Médico de profesión, entra en contacto con el mundo del arte a través del grupo Dadá en 1916 y es, junto a Louis Aragon y Philippe Soupault, uno de los fundadores de la revista francesa "Littérature" en 1919. En el año 1924 funda el movimiento surrealista mediante la publicación del "Manifiesto surrealista", donde expresa su idea de revolución social: "El surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos y a sustituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida". En este manifiesto además se asientan las bases del automatismo psíquico como medio de expresión artística que surge sin la intervención del intelecto. Muy pronto el movimiento se acerca a la política y en 1927 Aragon, Éluard y Breton se afilian al Partido Comunista aunque la idea surrealista se alejará muy pronto del comunismo oficial. En 1928 publica en París "Le surréalisme et la peinture". En 1929, André Breton replantea las bases del grupo con la publicación del "Segundo manifiesto surrealista" y da un nuevo nombre a la revista del movimiento, ahora y bajo consignas políticas, pasa a llamarse "El surrealismo al servicio de la revolución". Como escritor surrealista deben destacarse las siguientes obras: "Los campos magnéticos" (1920), "Nadja" (1928), "La Inmaculada Concepción" (1930) y "Los vasos comunicantes", éste junto al también escritor Paul Éluard (1932). Dentro de la vanguardia española fue nombrado en diversas revistas como "Alfar", "Grecia", "Hélix", "Terramar", "Art", "Gaceta de Arte", etc. y en 1922, con motivo de la exposición de Francis Picabia en las Galerías Dalmau, estuvo en España.

TituloCasa Rural y antología poética
AutorRedacción
PublicacionAgencia Efe
Dia11Mes4Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Arte experimental
SinopsisAgustín Calvo representa a la poesía visual en una experiencia rural muy interesante y que la agencia Efe la ha tomado como modelo a seguir.

Madrid, 11 abr (EFE).- La Casa del Cerro de la Fuente, un establecimiento rural situado en Pradosegar (Avila), ha inspirado una antología poética, editada por Ediciones Atenas y que acaba de presentarse en Madrid, después de haberse dado a conocer en el pueblo donde fue gestada.
Esta obra, titulada "El Cerro de los Versos", ha sido fruto de los diversos encuentros de 22 poetas y pintores, entre ellos, la poeta y locutora radiofónica Edith Checa, el poeta Agustín Calvo y la pintora Mari Carmen de Inés, en esta
casa rural, que según su propietaria, Mercedes Serrano, "tiene magia".

Desde hace años diversos grupos de intelectuales y creadores de toda España se reúnen en este establecimiento, creado en 1995 como "un lugar sencillo para gente especial", según reza el lema de la tarjeta de presentación de la casa.

Debido a este interés, la propietaria se ha decidido a invertir en la construcción de una sala en la que los creadores se puedan reunir y organizar actividades, en un pueblo de alrededor de 100 habitantes entre las montañas de
la Sierra.

Este es un ejemplo de lo que puede suponer una casa rural, ya que más allá del interés turístico de una zona, se puede ofrecer un lugar idóneo para reunirse en un ambiente hogareño, asegura la propietaria.EFE

TituloMax Ernst dadista y surrealista
AutorRedacción
PublicacionPunto de Noticias
Dia0Mes0Año0Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental
Sinopsis Dadaísta y surrealista Max Ernst objeto de gran muestra en el Metropolitan

El artista alemán Max Ernst, uno de los fundadores de los movimientos dadá y surrealista, es objeto desde el próximo jueves de una amplia retrospectiva integrada por 175 obras en el museo Metropolitan de Nueva York, la más importante en Estados Unidos en los últimos 30 años.

"Si bien la importancia de Max Ernst en la historia del dadá y el surrealismo ha sido reconocida en todo el mundo, el espectro del trabajo de Ernst, junto a su inventiva, es menos conocido en Estados Unidos", dijo el director del museo neoyorquino Philippe de Montebello.

La muestra "debería corregir esta situación" ya que "refleja la extraordinaria variedad de la obra de Ernst e incluye algunos de sus trabajos más celebrados", agregó Montebello.

Ernst (1891-1976) fue uno de los creadores de dos de los movimientos de vanguardia más influyentes del pasado siglo, el dadaísmo -junto a artistas como Marcel Duchamp, Man Ray y Tristan Tzara- y el surrealismo -con André Breton, Salvador Dalí y Luis Buñuel.

El hecho de que ambos movimientos hicieron de la provocación y el escándalo ("épater les bourgeois") una imagen de marca, eclipsó la valoración artística de muchos de sus representantes, como Ernst.

El tiempo les ha conferido respetabilidad y, según el Metropolitan, "con la excepción de Picasso, pocos artistas han jugado un papel tan importante en la invención de las técnicas y estilos modernos" como Ernst.

Entre las 175 obras de la muestra hay pinturas, collages, dibujos, esculturas y libros ilustrados, prestados de colecciones privadas y museísticas de todo el mundo.

La exposición "Max Ernst: una retrospectiva" estará abierta hasta el 10 de julio 2005



Titulo¡WAMBA VA!, FLUXADA, LLETRES AL VOLANT
AutorBernat Puigtobella
PublicacionEl Pais
Dia10Mes4Año5Página10
MateriaArte de accion,Arte experimental
Sinopsis
Postteatre: ESPAI BROSSA - BARRI BROSSA
Gerard Altaió, Eduard Escofet, Josep Pedrals y Martí Sales

6 músicos. 2 ordinadores. 1 platea vacía sin butacas. 1 coche enterrado. 4 voces recitando poemas. 3 bailarines. 6 coches. 4 actores. Jaulas llenas de libros. Pirotecnia. Media yaya haciendo media. Hombres recogiendo sábanas. Gallinas sin medias. Arriba el telón. Ya se ha alzado el telón. Ratoncitos de casa rica. Amparo, la zapatera. La monja enterrada en vida. El noble, y la hostalera. El amor triunfa. El calvario del artista. El telón continua alzado: Juanito Arroyo se casa.

TituloMirar y ver - Olhar e ver
AutorAntonio Gómez
PublicacionActas XI Congreso Escritores E
Dia8Mes4Año2005Página0
MateriaPoesia experimental,Arte de accion,Arte experimental
Sinopsis “Extremadura y Portugal” es el tema de las comunicaciones presentadas en el XI Congreso de Escritores Extremeños que este año se ha celebrado en Badajoz. En este contexto, Antonio Gómez pide la palabra para pronunciar un trabajo que reivindica los tradicionales vínculos artísticos entre la región extremeña y el vecino país en relación al entorno artístico experimental una faceta ésta tan asumida dentro de la comunicación, nos dice Gómez en su planteamiento inicial, que el hecho de considerarla “innovadora o vanguardista no deja de ser una falacia que sólo le ocasiona perjuicios, adjudicándole unas pretensiones que nunca plantearon sus autores”. Una relación fronteriza siempre cordial y provechosa (en arte y en todo) efectuada a través de distintas jornadas y simposios, así como en la presencia lusa y extremeña en diversas antologías y museos, que el autor repasa, pródigo de documentación, como protagonista en todos los episodios. (RF)

TituloEl Mundo como Museo
AutorM.L.
PublicacionMés Tarragona
Dia7Mes4Año2005Página3
MateriaArte experimental
SinopsisEn las II Jornada de Pedagogía del arte y los museos, organizadas por el Museo de Arte Moderno de Tarragona, el profesor de diseño Joan Rom, y una de las figuras más destacadas del panorama artístico de esta ciudad, ha declarado que resulta insólito, pero es una realidad, que YA las mejores obras no se encuentran en las galerias ni en los museos, sino en los anuncios publicitarios, ... la conclusión directa e inmedita es que el mundo ya es visto como LA GRAN SALA DE EXPOSICIONES O, dicho de otra forma, COMO UN GRAN MUSEO. Entiende que en el arte actual sólo se puede destacar por oportunismo, espectacularidad, transgresión, etc.

TituloTrenc-art
AutorRedacción
PublicacionMés Tarragona
Dia5Mes4Año2005Página15
MateriaPoesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisEntre las actividades que se desarrollarán en Tarragona en la primera edición del Festival de Arte Contemporáneo Trenc-art, se incluye la poesía visual que estará representada por Carles Hac Mor y Esther Xergay con su video poema "Osmosis". El lugar será El Magatzem y la inauguración tendrá lugar el 14 de abril.

TituloBasquiat
AutorRoberta Smith
PublicacionThe New York Times
Dia24Mes3Año2005Página12
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisBasquiat and Postcoloniality
About Basquiat art critic Robert Farris Thompson writes, " What identifies Jean-Michel Basquiat as a major artist is courage and full powers of self-transformation. That courage, meaning not being afraid to fail, transforms paralyzingly self-conscious 'predicaments of culture' into confident 'ecstasies of cultures recombined.' He had the guts, what is more, to confront New York art challenge number one: can you transform self and heritage into something new and named? (36)"

Very little criticism has been done examining the work produced by Jean-Michel Basquiat. While his place in the history of American art is still under dispute, it cannot be denied that during the eight years that he painted, his much of his work examines the legacy of the colonial enterprise and his relationship to that legacy. Whether recasting the work of European masters like Leonardo Davinci in his own terms or recounting events from Haitian, Puerto Rican, African and African American history, Basquiat presented a vision of a fragmented self in search of an organizing principle. Now, ten years after his death, critics can revisit his work apart from the taint of the market-driven art boom of the 1980s. Perhaps some of the tools developed in the field of postcolonial studies will help to unlock some of the mysteries contained in the work of this fascinating and complex artist. Three of his works that rather overtly examine isssues of colonialism and the position of the post-colonial subject are reproduced below.

TituloUNA ALABANZA RENUENTE A INTERNET
AutorGianni Simone
PublicacionKairan
Dia0Mes7Año2003Página0
MateriaPoesia visual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisUNA ALABANZA RENUENTE A INTERNET

Gianni Simone

Durante mucho tiempo he resistido la tentación de comprar una computadora y valerme del correo electrónico. Primero de todo, siempre he tenido problemas con la tecnología y no quería hacer mi vida miserable gastando largas horas probando y pensando en cómo hacer que el "monstruo" funcione.

Mi último "gran salto tecnológico" había sido la compra, en 1994, de un procesador de palabras (básicamente una máquina de escribir electrónica con memoria) que he usado hasta ahora para escribir todos mis textos. En segundo lugar y, en cierto sentido más importante, sentí que la cantidad de cartas que encontraba en mi casilla, prácticamente todos los días, era más que suficiente para mí y prefería tener una carta en mis manos que leer un mensaje en la computadora. Fui muy lejos para explicar mi punto de vista a Honoria cuando le envié mi contribución a su convocatoria de Arte Correo e Internet: la única manera en la que quería usar un disco flexible era como un objeto decorativo.
Todo eso cambió desde el inicio de este año. La oferta de un amigo de darme su vieja computadora y el señuelo de pornografía libre online me convencieron de probar con el correo electrónico. Pero al comienzo traté de quedar fuera de la correspondencia electrónica tanto como fuera posible y me concentré en los sitios pornos. Pero, al poco tiempo, supe que el e-correo había jugado a un papel decisivo en la elaboración de KAIRAN.

Todo comenzó cuando se me ocurrió la idea de consagrar una edición a la escena del arte correo en América Latina. Pregunté a Clemente Padín si quería co-editar el número y respondió afirmativamente entusiasmado. Al mismo tiempo señaló que los servicios postales en América Latina son lentos, caros y no siempre fiables. Además, Argentina, el país de mayor caudal de artistas correo del continente (junto al Brasil), estaba- y desgraciadamente aún lo está- en el medio de una crisis económica sin precedente que ha encarecido notoriamente el costo del correo (lo que explica las pocas contribuciones que recibí de allí).

Entonces nos pusimos a trabajar comunicándonos vía email. Todos los artículos y las respuestas a las entrevistas se hicieron por el mismo camino. También, muchas de esas contribuciones estaban originalmente escritas en español o/y en portugués, en razón de las dificultades que el idioma inglés ocasiona a algunos artistas correo. Por lo que tuve que enviar el material a otra persona para su traducción, nuevamente vía e-mail. En otras palabras, sólo las obras llegaron por vía postal.

A pesar de todos estos esfuerzos y la ayuda tecnológica, esta edición corrió el riesgo de no publicarse.

Como ya dije, necesitaba que alguien tradujese los textos españoles al inglés. Y encontré a esa persona en David Baptiste Chirot, a quien Padín y yo conocíamos, y que por azar era bilingüe. Como Chirot no tenía acceso a Internet, le enviamos todo el material a su amiga Nancy Burr quien, a su vez, se lo reenvió.

Todo marchaba bien cuando de repente, Chirot, quien hasta hace muy poco había tenido varios problemas con su salud, tuvo una recaída y quedo fuera de combate. A estas alturas requerí la ayuda de algún tipo de magia y me topé con Martha Aitchison. Como en esos cuentos de hadas en los cuales, al final, cierto personaje revela su identidad real, la Reina Martha, una vez más, me sorprendió cuando dijo que no era inglesa en absoluto, sino argentina. Prontamente Martha tradujo los fragmentos solicitados. ...//...


TituloCésar Reglero: Mi obsesión, el periódico
AutorNatalia Vidal
PublicacionDiari de Tarragona
Dia25Mes2Año2005Página0
Materia
SinopsisReglero rememora el inicio de su magna colección de páginas de periódico manipuladas que dan lugar a la exposición que realiza actualmente en el Antic Ajuntament de Tarragona, Prensa gráfica obsesiva y que se remonta a 1976 cuando, fascinado con el diseño de un nuevo diario que por aquellas fechas aparecía en los quioscos españoles, “El País”, se puso un buen día a emborronar sus páginas como divertimento y sobre todo como terapia, un hecho que se convertiría ya ritual en él durante tantos años (la exposición recoge 30 años desde entonces en un continuum que asegura otra muestra dentro de otros 30 años) en esta actividad frenética y obsesiva de intervenir cada día el periódico (varias decenas de miles de páginas en conjunto agrupadas en varios tomos de libros-objeto) se vino a unir la conciencia artística del proceso, en el que aprendió y ejercitó diversas técnicas confluyentes en la poesía visual y el arte postal (RF)

TituloCésar Reglero inaugura una peculiar exposició de f
AutorNota de redacción
PublicacionEL PUNT
Dia25Mes2Año2005Página0
Materia
SinopsisEl Punt 25 II 2005

El Punt en su edición tarraconense recoge una nota de prensa que se hace eco de la actual muestra de César Reglero en donde exhibe la producción durante 30 años de periódicos intervenidos (o pintados como dice la nota de prensa), inaugurando el acto con una performance acompañada de música de Poulenc y con la proyección de un vídeo de Xavier Morató. En el artículo Reglero confiesa continuar su actividad gráfico-manipuladora durante la hora del almuerzo (dato precioso donde los haya para sus críticos de arte en el futuro). (RF)

TituloCésar Reglero exposa a Tarragona més de 1000 fotog
AutorKarina Filella
PublicacionEl Punt
Dia26Mes2Año2005Página0
MateriaArte experimental
Sinopsis

Artículo que recoge los actos inaugurales de Prensa Gráfica obsesiva, la última muestra de César Reglero, con una performance del mismo Reglero, sobre banda sonora del compositor francés Poulenc (de influencia impresionista) y un happening en donde se invitó al público a intervenir las páginas de un diario, al igual que Reglero había hecho con las miles de páginas que ahora se exhiben en el Antic Ajuntament de Tarragona hasta el 3 de abril. (RF)

TituloEntrevista a Carles Santos
AutorMiquel Alberola
PublicacionEl País
Dia0Mes0Año0Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Performance
Sinopsis...//...En el año 1947 participó en la realización de la revista Algol, germen de lo que sería Dau al Set, los fundadores de la cual fueron Joan Brossa, Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Joan Ponç, Arnau Puig y Joan Josep Tharrats...//...

P: ¿Hay un antes y un después tras conocer a Joan Brossa?
R: Si no fuese por Brossa no sé donde estaría. Cuando lo conocí yo tocaba muy bien el piano

P: ¿Fué eso lo que le empujo a la vanguardia?
R: Sí, más que los conservatorios y los profesores. Brossa me dijo: Tocas muy bien el piano. ¿Y ahora qué? ¿Qué hacemos con el piano? Ël me ofreció la creatividad...//...


TituloTHE REPUBLIC OF ARTISTS- AMBASCIATA DI VENEZIA
AutorTIZIANA BARACCHI
PublicacionMANY
Dia15Mes3Año2005Página0
MateriaArte de accion
SinopsisTHE REPUBLIC OF ARTISTS
REPUBBLICA DEGLI ARTISTI

Nel novembre 1999 tre artisti della regione francese del Limusino, Rémy Pénard (artista Mail Art), Eugénie Chabreuil (pittrice), e Pierre Digan (scultore) si riuniscono al “Ferme Auberge”, un luogo conosciuto come “Il Prato degli Scultori” a Lavergne nei pressi di St. Martin Chateau e decidono di fondare in questo sito LA REPUBBLICA DEGLI ARTISTI.
Si autoproclamano AMBASCIATORI.
I fondatori si propongono di diffondere la nascita di questa nuova Repubblica in tutto il mondo, in particolare tra gli artisti, da questa terra nel centro della Francia. Una terra incantata in un mondo disincantato. Un parco di 40 ettari frequentato da artisti, che sarà inaugurato il 14 luglio del 2000.


Attività degli Ambasciatori della Repubblica degli Artisti, dopo il 14 luglio 2000:

2001 Limoges, Francia - Maison des Stages

2002 Biblioteca d’Ussel, Francia - Mostra di Mail Art ( video e conferenza di Rémy
Pénard ed Eugénie Chabreuil, espone anche Tiziana Baracchi

2003 Centro Culturale di Saint-Yrieix-la-Perche - Video e conferenza di Rémy Pénard ed
Eugénie Chabreuil

Venezia - Giancarlo Da Lio invita Rémy Pénard alla 50ma Biennale di Venezia.
In questa occasione Rémy Pénard nomina anche Giancarlo Da Lio e Tiziana
Baracchi Ambasciatori della Repubblica degli Artisti.

Limoges, Francia – Spazio Underwood – Artistamps 1

2004 St. Niklaas, Belgio – 16mo Independent Arts/ Festival/Mail Art Meeting ( con Rèmy
Pénard, Joel Thépault – Giancarlo Da Lio, Tiziana Baracchi)

Minden, Germania - Decentralized Networker Congress (Rémy Pénard-
Eugénie Chabreuil)

Limoges, Francia – Spazio Underwood - Woodnymph, Mail Art Show

Limoges, Francia – Spazio Underwood – Artistamps 2

Fursac, Francia – Club del Libro, 150° anniversario della nascita di Arthur Rimbaud,
conferenza di Rémy Pénard ed Eugénie Chabreuil e Mail Art Show (partecipano anche Giancarlo
Da Lio e Tiziana Baracchi con azione DaDaista sull’Albero della Poesia)

Point Art. Conferenza dibattito dell’Accademia dell’ Haute-Vienne – Rémy Pénard,
Eugènie Chabreuil, Joel Thépault.

Les Sables d’Olonne, Francia - Bouteille à la mer, progetto di J.F.Barrat,
conferenza di Rémy Pénard, sala conferenze del Museo dell’Abbaye Sainte-Croix

Giancarlo Da Lio e Tiziana Baracchi realizzano l’Ambasciata di Venezia della
Repubblica degli Artisti. L’Ambasciata è inaugurata il 21 novembre 2004.


TituloA la poesía de Joan Brossa
AutorRedacción
PublicacionEFE
Dia5Mes3Año2005Página0
MateriaPoema objeto,Poesia experimental,Arte experimental
SinopsisPRIMER ANIVERSARIO DEL MUSEO MALLORQUÍN
Homenaje de Es Baluard a la poesía de Joan Brossa
El museo de Es Baluard celebra el primer aniversario de su inauguración con la exposición 'Juegos y caminos de Joan Brossa', que mostrará desde el 2 de febrero hasta el 3 de abril 72 obras, que, según la terminología que acuñó el artista catalán, se dividen en su mayoría entre 'poemas objeto y visuales'. La exposición ha sido organizada en colaboración con la Fundación Joan Brossa.

Según informa la directora del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Palma Es Baluard, Marie-Claire Uberquoi, la exposición se alojará en la planta -1 del edificio. En ella se muestran 37 'poemas objeto', 26 'poemas visuales', la película 'No compteu amb els dits (No contéis con los dedos, 1967)', de la que el artista escribió el guión en colaboración con Pere Portabella, y ocho libros para bibliófilos creados junto a artistas como Miró, Tapies y Chillida.

Un año de Es Baluard

Uberquoi ha hecho balance del primer año de actividad del museo, que fue inaugurado el 30 de enero de 2004, y ha considerado "muy satisfactorios" los resultados obtenidos en la afluencia de espectadores, que alcanzó la cifra de 125.000 visitantes, muy por debajo de las previsiones realizadas por la anterior dirección del museo.

A este respecto, la actual directora de Es Baluard subrayó que las "elucubraciones" que situaban en 500.000 personas el número de visitantes de Es Baluard en su primer año de actividad son anteriores a su llegada al museo, por lo que se negó a comentarlas.

Actividades paralelas a la muestra

La exposición de Brossa estará acompañada por un programa de actividades gratuitas, que incluye el espectáculo 'Poemancia' del mago Hausson, que interpretará varias acciones artísticas creadas por el poeta catalán.

Además, se celebrarán conciertos de jazz y música de cámara, conferencias, una lectura de la obra poética de Brossa y el taller 'Vestir secretos de palabras en una escalera', concebido por la artista argentina Adriana Straijer para un público familiar, a partir de las composiciones del polifacético creador barcelonés, que vivió de 1919 a 1998.

El domingo 6 Es Baluard celebrará una jornada de puertas abiertas, desde las diez de la mañana hasta las ocho de la tarde, en la que la compañía D'Aigua teatre ciutadá representará la obra 'Picada de allada (Picada de ajo)', que consiste en una obra de teatro de calle, visual e imaginativo, basada en el imaginario y los poemas de Brossa.

La obra de un precursor

Uberquoi destaca la importancia y la modernidad de la obra de Brossa, al que describe como una de las figuras más importantes de la plástica española de la segunda mitad del siglo XX, que se avanzó en varias décadas al auge de las 'performances' y a conceptos artísticos que triunfaron en los 80.

La directora de Es Baluard también resalta los vínculos con Mallorca que tenía el poeta -tal y como se definía Brossa, que prefería esta descripción de su trabajo a la de artista- y la amistad que mantuvo con el pintor catalán Joan Miró.

TituloDesacuerdos
AutorCatalina Serra
PublicacionEl País
Dia3Mes3Año2005Página37
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisDesacuerdos. Sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado español es un proyecto de coproducción entre Arteleku-Diputación Foral de Gipuzkoa, Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arteypensamiento y MACBA, que surge de la voluntad de erigir un “contra modelo” historiográfico que desborde el discurso académico oficial sobre el arte de la segunda mitad del siglo pasado hasta nuestros días, para contribuir a sentar algunas bases para la reconstrucción de una esfera cultural pública crítica.


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En este sentido el proyecto se ha constituido en una estructura descentralizada y de colaboración en red entre instituciones culturales de diversa índole, que pone en práctica dinámicas de trabajo que superan los límites institucionales con el fin de que puedan operar otros ámbitos críticos de la cultura. Desacuerdos se presenta como un programa de investigaciones y documentación, un conjunto de jornadas y muestras públicas, con el que dar visibilidad a los proyectos y las prácticas artísticas estudiadas, una exposición y una serie de publicaciones.

Desacuerdos trata de rastrear prácticas, modelos y contra modelos culturales que no respondan a estructuras, políticas y prácticas dominantes que se han venido sucediendo en el Estado español a lo largo de más de cuatro décadas. Desacuerdos tiene como objetivo elaborar una historia crítica de tales estructuras y actitudes, que continúan instituidas en modelo de administración de la cultura y el arte.

En definitiva, un ejercicio doble que indaga tanto sobre los vínculos entre políticas culturales e institucionales, arte, mercado y economía, esfera pública, sociedad civil y propuestas contra hegemónicas en el Estado español, como sobre la posibilidad de generar una red social e institucional capaz de aunar, ligar y poner en común aquellas experiencias o situaciones culturales que se han producido o se están produciendo.

Desacuerdos. Sobre arte, políticas y esfera pública en el Estado Español se presenta como una visibilización del proceso de investigación iniciado en 2003 por las instituciones impulsoras del proyecto, Arteleku, MACBA y UNIA, y las exposiciones tendrán lugar en dos sedes al mismo tiempo: el Centro José Guerrero de Granada y el MACBA en Barcelona, a modo de proyectos complementarios.

Estas exposiciones se articulan a partir de las líneas de la investigación, que se dividían en 3 grandes apartados: el archivo 69 como una documentación de las prácticas contra hegemónicas, las líneas de fuerza que dan cuenta de las dinámicas de banalización en los 70, mercantilización en los 80 y espectacularización en los 90, así como de sus paradojas y contradicciones, y finalmente los casos de estudio como análisis focalizados en fenómenos y situaciones específicas de gran significado en la escena artística de las últimas décadas. A partir de ahí, presentan un recorrido histórico que se divide en dos grandes momentos. A grandes rasgos, el primero corresponde a los 70 y el segundo a los 80-90. El punto de inflexión es 1982, con el comienzo del gobierno socialista y el nacimiento de ARCO.

Las muestras conceden un papel preponderante a la noción de archivo y documento para ilustrar que las prácticas creativas no se reducen a los modelos imperantes en cualquier momento, sino que fluyen con independencia de los gustos o tendencias momentáneos, las ideologías dominantes o modelos genéricos. Un capítulo importante estará ocupado por los debates, encuentros y actividades para dar voz a protagonistas, estudiosos y críticos de los diferentes momentos importantes de este período histórico cercano y remoto al mismo tiempo.

En la exposición en el MACBA se incluyen obras de Preiswert Arbeitskollegen, Eugènia Balcells, C.V.A., Juan del Campo, Estrujenbank, Esther Ferrer, Ferran Garcia Sevilla, José Mª Giro, Eulàlia Grau, Grup de Treball, Juan Hidalgo, Concha Jerez, Joaquim Jordà, Familia Lavapiés, Rogelio López Cuenca, Antoni Miralda, Indymedia da, Fina Miralles, Muntadas, Pere Noguera, Pere Portabella, Agustín Parejo School, Joan Rabascall, Francisco Ruiz de Vergara, Francesc Torres, Isidoro Valcárcel Medina, Video-Nou, Paulino Viota y Zaj, entre otros. También se mostrarán fanzines, comics, experiencias en el ámbito editorial, radios y televisiones independientes, poesía experimental, video, etc.

Producción: Arteleku-Diputación Foral de Gipuzkoa (Donostia–San Sebastián); Museu d’Art Contemporani de Barcelona-MACBA (Barcelona); Universidad Internacional de Andalucía-UNIA arteypensamiento (Sevilla).



TituloRafael de León es un poeta inmensurable
AutorFernando Millán
PublicacionMU
Dia0Mes0Año2005Página15
MateriaPoesia experimental,Arte de accion
SinopsisEntrevista a Fernando Millán en donde nos relata sus últimos proyectos, como la próxima muestra en el MACBA de la que es comisario y "Post cuplé" su última performance, elaborada con ayuda de fragmentos de composiciones musicales, en homenaje a la cultura popular de la posguerra española, reivindicando además la performance o arte de acción como el medio más conectado con la mentalidad del siglo XXI, y haciendo destacar a el vanguardismo de Rafael de León, autor del medio siglo XX ya que "la cuestión no es quién es o no es (artista) de vanguardia" sino de reutilizar códigos existentes y reinterpretarlos de acuerdo a las necesidades expresivas del autor y de su contexto, creativa y críticamente. (RF)

TituloOlor Visual
AutorCarlota Fraga
PublicacionArt.es
Dia0Mes2Año2005Página127
MateriaPoesia visual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisEntrevista de Carlota Fraga a Ernesto Ventós
Documentación:
OLOR VISUAL

Ernesto Ventós

Fidel a la tradició familiar que ha unit la meua família durant generacions amb el món de les fragàncies, vaig nàixer en un barri senzill, envoltat de bidons desordenats d’essències que carregaven l’ambient d’espígol, ruda, menta i taronja. Els estius al camp, a casa de la meua àvia materna, omplin gran part de les meues primeres experiències olfactives com l’olor de terra humida barrejada amb l’olor dels eucaliptus després de la pluja, l’aroma de les infusions, la forta olor de naftalina que només apareixia uns pocs dies a l’any coincidint amb el canvi d’estació, el perfum de mel que desprenia el tabac fumat en pipa, i fins i tot l’olor desagradable del soterrani on es mesclaven les olors del paper humitejat amb la fusta i la roba vella, sense oblidar l’olor de fems amb la seua capacitat especial per potenciar qualsevol altra olor. Aquestes són, sens dubte, les meues primeres experiències olfactives, encara que el meu aprenentatge pròpiament dit comença treballant al costat de mon pare i sobretot sent ajudant del mestre Arturo Jordi durant tres anys a Suïssa i França.

Em vaig familiaritzar amb les diferents essències i les seues característiques i vaig exercitar la memòria del meu nas. L’estudi dels nombrosos components va ser necessari per saber crear fórmules i aplicar-les als distints productes. Va ser un aprenentatge (una iniciació) intens que ha anat modelant-se i perfeccionant-se amb l’experiència diària del procés lent i reflexiu indispensable en la concepció de novetats, sempre conscient que quan tinc una idea nova l’elaboració de la seua fórmula em costarà molts mesos de treball fins que estiga perfectament confeccionada i, això no obstant, la seua vida serà relativament curta. Al llarg d’un any, per exemple, puc fer unes deu o vint fórmules de les quals és molt possible que només una o dues resulten interessants, mentre que les altres, si no es venen, a molt curt termini perden el valor. Crear un perfum demana temps i investigació, com també en demana la realització d’una obra plàstica encara que, a diferència d’aquesta, en la majoria dels casos el creador treballa oferint els seus serveis a un client que determina les característiques essencials de l’aroma; el mercat, el públic que el consumeix, els seus gustos, la seua procedència social, el seu nivell cultural, les modes i el clima són factors que cal tenir molt en compte en cada procés de creació.

El perfum s’adapta a les característiques del consumidor de manera que el perfum triat per la gent sol reflectir-ne el caràcter, l’estil de vida, les preferències i la personalitat, i revela així molta informació sobre nosaltres mateixos. Hi ha perfums seriosos, clàssics, moderns, liberals, extravagants. Per exemple, són olors molt determinades i recognoscibles les d’aquelles persones que treballen utilitzant (realitzant) esforç físic i el seu perfum es barreja amb el de la seua pell; les essències afustades amb cedre i flor blanca, típiques de les colònies masculines, són utilitzades últimament per dones.

L’any 1978, la Fundació Joan Miró va celebrar l’exposició “Suggestions olfactives”, en la qual van participar diversos perfumistas. El tema era molt variat:

Les olors del cos

Les olors dels colors

Les olors dels animals

Elements de l’olor (les plantes)

Fisiologia de l’olfacció

Olor i cultura popular

La moda de les olors

La literatura de les olors

...//...

TituloEn la ciudad de los surrealistas
AutorAngela Molina
PublicacionBabelia/El País
Dia26Mes2Año2005Página117
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
Sinopsis » París y la revolución del surrealismo, en el CCCB
El Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) presenta la exposición "París i els surrealistes", donde se analiza este movimiento artístico y se subraya su vigencia. Este análisis se hace a partir de la ciudad de París, que tiene una importante relación con las cerca de 400 obras que integran la galería. En este sentido, para los surrealistas, la capital francesa fue su taller, su musa y su utopía. Con un recorrido visual y textual, la exposición explica este movimiento artístico desde el interior de la mentalidad surrealista a la vez que analiza el espíritu transgresor. Así pues, se exponen pinturas, esculturas, fotografías, objetos encontrados, arte primitivo, arte popular y naíf, películas y documentos diversos. Además, parelalamente, se ha organizado un ciclo de cine que incluye películas surrealistas junto con otras sobre el París de los años treinta. La exposición es una coproducción del CCCB y del Museo de Bellas Artes de Bilbao.

TituloMetronom
AutorRoberta Bosco
PublicacionEl País
Dia21Mes2Año2005Página43
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisInstal.llació audiovisual de Francisco Ruiz de Infante “Cosas: ocho visiones indirectas (re-presentaciones y de-construcciones)”. Col•lectiva de vídeo comissariada per Hilde Teerlink, que presenta en paral•lel vídeos d’artistes xinesos i d’artistes residents a França. Vídeo-instal.lació de Roc Parés. Fins el 2 de abril

TituloUn género entre lo verbal y lo visual. Apuntes sob
AutorLaura López Fenández
PublicacionÍnsula nº 696
Dia0Mes0Año2004Página20
MateriaPoesia visual,Poesia experimental
SinopsisLaura López Fernández, seguidora de las líneas españolas en la itinerancia (al día de hoy es profesora en Canterbury pero también lo ha sido en Australia o EE UU) propone en este extenso artículo una “tipología funcional” (de ahí su título) de los géneros poético-visuales en soporte papel producidos en el territorio español, estableciendo dicha tipología sobre criterios formales y temáticos, según los cuales establece ocho tipos de producción que reflejan las necesarias ilustraciones: 1) Poema vocálico-consonántico (en donde se explora la materialidad del significante) 2) Poema tachadura – de acuerdo al proceso gestual del tachado- 3) Poema dactilar, poema antirretrato “representación del sujeto y del yo” 4) Poema numérico- “poemas combinatorios de lenguaje musical 5) Poema proceso/ escritura, - metalenguaje referido al proceso de creación de un poema 6) Poema sociopolítico y antipropagandístico –lenguaje icónico de la publicidad para crítica social 7) Poema homenaje – homenaje al arte y a los artistas y 8) Poema esquela “estructuras compositivas tipo collage en las que se explora el sentido de la muerte.

TituloColeccionar lo efímero
AutorCatalina Serra
PublicacionEl País
Dia14Mes2Año2005Página45
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
Sinopsis...//... La “CASA DE MÉXICO”, promovida por la Oficina de Turismo de México, será edificada en la Plaza de la Avenida Central de Feria de Madrid. Se trata de un proyecto especial experimental...//... La instalación, un inmenso cubo de policarbonato con distintos grados de transparencia, llevará impresas en sus paredes imágenes referentes a la cultura mexicana. Este pabellón efímero mostrará en su parte central las cinco caras de México: “Contemporáneo”, “Colonial”, “Arqueológico”, “Sol y playa” y “México natural”. Estas cinco miradas hacia la realidad mexicana llegarán a ARCO’05 de la mano de los arquitectos del estudio Table, autores del proyecto espacial de la feria y con la participación del estudio Ten-T, que desarrolló la distribución de la pasada edición de ARCO...//...

Como vemos, lo efímero está presente en cualquier macro muestra de arte contemporáneo. El propio montaje de Arco ya es un conglomerado efímero de instalaciones que desaparecerán con la Feria. Catalina Serra se pregunta ¿cómo se colecciona lo efímero?, ¿cómo se colecciona una pecera con pájaros dentro o una performance?. Ya que si un mecenas o un coleccionista quiere comprar es para conservar y nunca va a aceptar que el producto desaparezca de sus manos. Interesante artículo con muchos interrogantes.

TituloChristo y Jeanne Claude/ Gates/ Central Park
AutorRedacción
PublicacionEfe
Dia8Mes2Año2005Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisSendero de puertas en el Central Park
Christo y su esposa presentan peculiar instalación plástica

La amplia obra plástica “The Gates” (Las puertas) de los artistas Christo y Jeanne Claude, que vestirá por unos días con puertas de metal y tela color azafrán los senderos del Central Park, se encuentra en etapa final de instalación.

Setecientos trabajadores comenzaron a colocar, ayer lunes, en su sitio las telas que ondearán al compás de la brisa invernal, aunque las desplegarán el próximo sábado, día de la apertura.

No habrá, sin embargo, ceremonia oficial para dar por inaugurado este viejo sueño de los artistas, que se convirtió en realidad tras el visto bueno dado por el alcalde de Nueva York, Michael Bloomberg, en enero de 2003.

Fue en 1979 cuando Christo, artista estadounidense de origen búlgaro cuyo nombre completo es Christo Javacheff (1935), y su esposa y colaboradora, Jeanne-Claude de Guillebon, de origen francés, tuvieron la idea de un “sendero de puertas” para el Central Park, el “pulmón” de la ciudad de Nueva York, en la que radican desde hace 40 años.

Se trata del primer proyecto de los artistas en esta ciudad, financiado además enteramente por ellos, y que consiste en la instalación temporal de 7,500 puertas de 4.9 metros de alto, de cada una de las cuales colgarán telas de color azafrán. Las puertas se están colocando una detrás de la otra a lo largo de 37 kilómetros de senderos y podrán ser apreciadas sólo durante dos semanas, hasta el 27 de febrero, tras lo cual serán desmontadas y recicladas.

La naturaleza de la obra de Christo y Jeanne-Claude, que se hacen llamar “artistas ambientalistas”, es efímera y reciclable.

Con una inversión de 21 millones de dólares, “Las puertas son la versión en el mundo del arte del Maratón de Nueva York”, declara el Comisario de Parques de Nueva York, Adrian Benepe. Las autoridades calculan que la instalación temporal en Central Park, uno de los destinos turísticos más visitados de la ciudad, generará beneficios económicos de ochenta millones de dólares y dos millones de dólares en ingresos tributarios.

TituloVince Davenport
AutorRobin Finn
PublicacionThe New York Times
Dia10Mes2Año2005Página9
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisVince Davenport, Handling the Nuts and Bolts of Colossal Art
He fantasizes about nuts, bolts and PVC tubing, dreams of 5,000 tons of steel leveling plates. In the early stages of the design process, he exhibits the traits of a mad scientist, routinely leaping out of bed in the middle of the night to rush out to his workshop and jot down a theory. This describes every architect's fantasy engineer. Vince Davenport: consultant to Christo and Jeanne Claude. NYTimes

TituloGabriel Orozco/Arte y Vida
AutorElisa Fernández Santos
PublicacionEl País
Dia6Mes2Año2005Página37
MateriaPoema objeto,Arte de accion,Arte experimental,Performance
SinopsisGabriel Orozco (Veracruz, México, 1962) es uno de los artistas mexicanos que cuentan con mayor reconocimiento internacional. Una de sus acciones más llamativas consistió en convencer a los vecinos del MOMA de que colocaran naranjas en sus balcones en una acción que interrelacionaba el interior del museo con el entorno vecinal. Acción relevante fué también la de convertir en interior de la galería en la que exponía en plaza de parking en una lucha psicológica con la propietaria de la galería que siempre aparcaba en doble fila.

Su trabajo de honda raíz conceptual, en el que están intimamente relacionado el binomio arte/vida, se expresa tanto con los lenguajes de la escultura, el dibujo y la fotografía, como de la instalación , el vídeo y el arte objeto, estableciendo además un diálogo con la tradición estética y el universo visual mexicano. Su propuesta para el Palacio de Cristal se centra en una serie de piezas en torno al concepto de ?juego?. Alrededor, una serie de objetos plantean un recorrido por su trayectoria artística.(24 Edición de la Feria de Arte Contemporáneo ARC0/ Palacio de Cristal de Madrid)

TituloObjetos de arte
AutorTxema G. Crespo
PublicacionEl Pais
Dia3Mes2Año2005Página39
MateriaPoema objeto,Arte experimental
SinopsisEl estado de las cosas. El objeto en el arte desde 1960 hasta nuestros días
Del 2 de febrero al 22 de mayo de 2005

La exposición consta de algo más de un centenar de obras de 63 artistas internacionales, procedentes de las colecciones de los FRAC

A través de una selección de fondos de las colecciones de diecisiete FRAC (Fonds Régionaux d'Art Contemporain) de Francia, El Estado de la cosas plantea un recorrido por la evolución del arte contemporáneo internacional desde principios de los años sesenta -momento en el que se produce la integración del objeto cotidiano como parte del discurso del arte- hasta nuestros días. Así, se plantea y analiza el status del "objeto" en el arte en todas sus formas y estados, a través de los diversos movimientos artísticos.

A partir de este método de análisis, una especie de corte transversal, los objetos se van transformando ante nuestros ojos en reflejos de la visión contemporánea. A veces nos hablan de la experiencia del entorno inmediato, o reivindican su individualidad y la de sus creadores; o nos hacen reflexionar sobre su función y sobre los efectos de la sociedad de consumo; o plantean cuestiones como la inutilidad de la obra de arte, o las fronteras entre arte y diseño; o se convierten en metáforas, en símbolos, en huellas de su pasado inmediato, de sus orígenes. En suma, funcionan como vía para la mejor comprensión del arte actual.

El protagonista de El Estado de las Cosas es el objeto. El objeto en todos sus estados, desde su entronización en el arte en los años 60 con el Pop Art y los Nuevos Realistas, hasta nuestros días. Con Marcel Duchamp y su Boîte en valise como maestro de ceremonias, una obra que reproduce 83 piezas en miniatura del artista inventor del ready-made, que ya en 1917 elevó un urinario a la categoría de "obra de arte" incluyéndolo en una exposición bajo el título de Fontaine (Fuente). Un elemento de uso cotidiano que por decisión del artista, sacado de contexto y colocado sobre una peana, pasó a ser considerado objeto artístico. El resultado fue mucho más allá de la provocación, y sentó las bases -todavía hoy vigentes- de un nuevo concepto del artista y de su obra, según la cual la idea está por encima de la manufactura.

Cuarenta años de objetos acumulados, comprimidos, inventados, recuperados, fabricados, descompuestos y pasados por todas las fases que los artistas hayan imaginado. Los objetos de lo cotidiano desviados de su función por Fluxus o dotados de memoria por Boltanski; los desechados tras su uso por la sociedad de consumo y reinventados por la "Nueva escultura inglesa"; los desplazados de su función por Bertrand Lavier o John Armleder; los inventariados por Claude Closky; los desplegados por Christian Marclay; los acumulados por Daniel Firman; los magnificados por Patrick Tosani; los procedentes de encuentros efímeros orquestados por Gabriel Orozco; y todos los demás objetos utópicos, objetos máquina, objetos vitrina, objetos cínicos... Vasto panorama de lo que se ha hecho en arte desde que el arte es contemporáneo a través de muestras desgranadas en el tiempo, pues en estas exposiciones se pasa rápidamente de la cosa al objeto, del objeto al producto; se oscila sin cesar del uno al otro, entre ironía y cinismo, crítica y demostración, contestación y fascinación estética.

La incorporación del objeto a la obra de arte, el objeto artístico y su funcionalidad, el arte y la sociedad de consumo; éstas y muchas otras cuestiones se abordan en El estado de las Cosas, una muestra del particular viaje de los objetos a través de la historia del arte contemporáneo y de sus creadores.


ARTIUM de Álava
Sala Norte

C/ Francia, nº 24 01002 Vitoria-Gasteiz





TituloRetrospective of Joseph Beuys
AutorRoom Guide Further Resources
PublicacionMedia Partner
Dia4Mes2Año2005Página0
MateriaArte experimental,Instalaciones
Sinopsis4 February – 2 May 2005
Joseph Beuys (1921-86) is considered one of the most influential figures in modern and contemporary art. His charismatic presence and unconventional style gained him international fame and notoriety in the 1960s but his innovative influence is still felt today. This is the first major survey exhibition ever to take place in the UK.






TituloTeatro fosforecente / Spai Brossa
AutorBernat Puigtobella
PublicacionEl País
Dia2Mes2Año2005Página2
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisEl spai Brossa es hoy el teatro de los poetas experimentales en cualquiera de sus dimensiones. Aqui no se trata de poner el texto en movimiento para contar una historia. Es la acción teatral la que está al servicio de la palabra. Aqui la palabra lo es todo: espectáculo, presupuesto, acción, silencio, sonido, fuego, vida y muerte.

En un teatro tan pequeño no cabe más que la palabra, el silencio o el concepto. No se puede hacer una felación al micrófono ni interpretar una partitura con un coro de voces sinfónicas. Se puede dejar volar la imaginación y entonces el teatro se transforma en el más grande de los escenarios.

Alli, hacer visible la palabra se ha convertido en un acto taumatúrgico. El mago Casasses ve como se encienden las palabras desde la última fila de esta caja de cerillas que es el Espai Brossa. Bienvenidos al teatro fosforecente.

TituloDespertador de Poesía
AutorJuan Bufiil
PublicacionLa Vanguardia
Dia30Mes1Año2005Página14
MateriaPoesia experimental,Arte experimental
SinopsisSe puede leer en la web site de la Fundación Joan Brossa la siguiente referencia: (1969): Quadern de poemes (poemas visuales y literarios con el título de la portada dibujado por Antoni Tàpies), en francés (traducción de Anne Marie Comert), Barcelona, Ed.Ariel (Els llibres de les quatre estacions).

... y varias citas más que reflejan la estrecha relación entre Joan Brossa y Tápies. Y a propósito de ello, Juan Bofill establece una relación entre la obra plástica de Tapies y la poesía que la misma contiene:

"Según Antonio LLena, el arte es tal cuando es poesía"

"Poesía es sobre todo creación"

"Cuando una obra de arte es tal, despiertan las ideas, los sentimientos y la imaginación"

"Tàpies dice que está perdiendo la vista, pero desde luego no está perdiendo la razón"

Antoni Tàpies (Barcelona, 1923)

* Sala Vicente Noguera - Murcia
del 19 de enero al 24 de febrero de 2005

Tituloteresa Cha/ Fundación Tapies
AutorCatalina Serra
Publicacion
Dia28Mes1Año2005Página41
MateriaPoesia experimental,Poesia conceptual,Instalaciones,Performance
SinopsisEl sueño de la audiencia: Theresa Hak Kyung Cha

Exposición retrospectiva que muestra por primera vez en el Estado español el trabajo poético y conceptual de la artista coreanoamericana Theresa Hak Kyung Cha (Pusa, Corea, 1951 - Nueva York, 1982).
La obra de Cha trata temas como la memoria, el desplazamiento y la alienación. Sus libros de artista, sus obras sobre papel o tela, sus performances y sus instalaciones de filme y vídeo se caracterizan por un fuerte compromiso con el lenguaje, del cual Cha explora su capacidad para crear identidad, al tiempo que busca maneras de deconstruirlo.
Del 27 de enero al 10 de abril de 2005

TituloTinglado de artes en Tarragona
AutorAleix Mataró
PublicacionABC
Dia25Mes1Año2005Página30
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisBajo el título genérico de"Cadavre&Grafit", el artista Josep Maria Roselló ha querido celebrar la recuperación de unas telas de grandes dimensiones con un homenaje Dadá a Francis Picabia repitienda la experiencia del "cadaver exquisito Opus Dadá" celebrada 85 años antes en París.

La experiencia ha consistido en realizar una serie de graffitis en el Tinglado del Puerto nº1 de Tarragona donde los artistas continuaban e
intervenían en la obra de los otros sin saber previamente lo que aquellos habían pintado.

Los artistas que han intervenido en la experiencia, aparte del propio Roselló, han sido Rafael Bartolozzi y Nil Bartolozzi, Lluc Queralt, Justo Heras, Leina Brown, Jordi Erola, Leim, Eme, Zek, Yobtaks, Blai Mesa, Unai Reglero, Amadeus Anguera, Jordi Llort, Iván, Alex Ayxendri, Lluís Jiménez, Sergio Ortíz, Antonio Latre y Carlos Ortega.

El Fotógrafo Pep Escoda ha sido el encargado de cubrir el reportaje experimental desde su inicial desarrollo hasta la final destrucción de la obra efímera.

TituloJazz, Poesía, Art y Dadá
AutorM.L.
PublicacionMes Tarragona
Dia24Mes1Año2005Página4
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisJazz, Poesía, Art y Dadá es una combinación que promete toda suerte de emociones para los sentidos si todo ello se produce en el mismo espacio y al mismo tiempo. Y esta es la experiencia que se está desarrollando en el Tinglado del Puerto nº1 de Tarragona con la colaboración especial del inquieto y multifacético artista J.M. Roselló (Cadavre&Grafit) (hasta el 27 de enero 2005)

Elementos y piezas art´siticas que se están desarrollando en esta exposición:

- Opus Dadá
- L´ou com balla
- Poema del ressò

El fotógrafo Pep Escoda plasmará todo el proceso artístico hasta culminar en la extinción de la efímera obra.

TituloPoesía visual: utopía, lenguaje y materialidad
AutorFernando Millán
PublicacionRevista de Letras
Dia28Mes4Año2003Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
Sinopsis...//...

Materialidad

La realidad objetiva y simple, es que la poesía visual es todo lo contrario de cualquier forma de minimalismo. Sólo puede ser entendida como un maximalismo: como una aspiración desmesurada, pantagruélica, insensata, imposible, desconsiderada, totalizante, abusiva, contradictoria, impertinente, incalificable, obsesiva, descontrolada, engreida, pretenciosa... Esto es, como un plantemiento utópico propio -y típico- de toda vanguardia radical, estética o no.

En otras palabras, todo lo contrario de una poesía abstracta. Mas bién, una poesía-objeto; una poesía concreta, material, elemental, en la que la visualización nos ofrece la arquitectura, el color, el tacto, el sabor incluso...de los distintos sistemas de signos. Un arte de ideas materializadas.

El hecho de que, a la búsqueda de esa concrección, se haya trabajado habitualmente con componentes elementales, moleculares, del lenguaje, no se debe a una vocación de renuncia, de elementalidad o de minimalismo propiamente dicho. Es una respuesta proporcionada a las leyes de la visualidad y a los imperativos de lo plástico.
...//...

DOCUMENTACION
Fernando Millán (Villarrodrigo, Jaén, 1944). Periodista especializado en información sanitaria. Trabajó en Problemática‑63, con Julio Campal y fue miembro fundador del grupo N.O. Entre 1968 y 1976, mantuvo una actividad de difusión y promoción de la poesía experimental en España, pronunciando conferencias, organizando actividades y proyectos editoriales. Sus trabajos creativos están recogidos en publicaciones internacionales de carácter antológico, y ha publicado los libros: Este protervo Zas (1969), Textos y Antitextos, (1970), Mitogramas, Beltenebros (1978), Prosae (1981). La depresión en España (1993), Ariadna o la búsqueda (1996). Poemas NO (1997). Hai Kai para los ojos (1999). Y el libro de conversaciones (con Chema de Francisco) Vanguardias y vanguardismos ante el siglo XXI. Ardora Exprés, Madrid, 1998. Articulista y crítico, como antólogo destaca su trabajo La escritura en libertad (en colaboración con J. García Sánchez), Alianza Editorial Alianza 3, Madrid, 1975.

TituloUn festín visual
AutorFrancisco Calvo Serraller
PublicacionEl País / Babelia
Dia22Mes1Año2005Página18
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte experimental
Sinopsis Las vidas de las letras, según 114 creadores gráficos // Cromotex inaugura en Madrid un nuevo espacio expositivo con la muestra 'Tipos lustrados', un homenaje a la tipografía //

114 creadores han sido invitados por la Galería Cromotrex a realizar su obra a partir de una letra concreta poniendo de relieve una vez más que el elemento tipográca de las letras es una fuente inspiradora de gran potencia y que ni sintáctica ni semanticamente las relaciones entre la literatura y las artes visuales siempre han estado estrechamente unidas.(hasta el 31 de enero 2005)
Miguel Fleta, 5 Madrid

TituloEduardo Fraile, editor y poeta
AutorV. M. Niño
PublicacionNorte de Castilla
Dia19Mes12Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Arte experimental
SinopsisEDUARDO FRAILE VALLE
«Soy editor para buscar envoltorios bellos a las palabras»

Con la posible excepción de mí mismo' es el título de un poemario suyo y bien podría ser la advertencia en el dintel de su casa. Todos los asientos de su morada están ocupados por libros, a excepción del suyo. Filólogo de formación, escritor de vocación y editor por 'deformación', -¿No es un poco frustrante como editor de poesía ganar un premio con un libro de dibujos?

-¿Elige la poesía visual porque quiere pintar con palabras?

-Toda la poesía es visual. No es una manera de hablar, bien decimos al afirmar que la poesía se hace con imágenes de palabra, la metáfora es una imagen. Cuando se dice que «una imagen vale más que mil palabras» siempre se contrapone la palabra a lo visual, pero esa frase viene de la imagen léxica. La traducción sería «vale más una metáfora que mil palabras», una imagen de palabras...//...



TituloAgustín Calvo y la Poesía Visual
AutorEdith Checa
PublicacionRadio 3
Dia15Mes1Año2005Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte experimental
SinopsisEntrevista de la periodista Edith Checa a Agustín Calvo
15/01/2005, Programa “Rincón Literario”, Radio3-UNED
(Extracto en torno a la poesía visual)
...//...
Edith Checa.- Agustín Calvo es además poeta de poesía visual. ¿Qué es eso? ¿Qué es Poesía Visual?
Agustín Calvo.- La poesía visual resulta de ampliar la poesía tradicional con las artes plásticas. Ahí entran muchas cosas, se considera a la poesía visual como una poesía experimental y digamos que está abierta a nuevas aportaciones artísticas sin olvidar que partimos de un arte textual que es la poesía en sí.
E.C.- Lógicamente, aquí por la radio no vamos a poder ver o leer poemas de poesía visual, pues no tenemos la posibilidad de ver nada, pero sí tienes otros muchísimos poemas de los que vamos a dar una muestra a nuestros oyentes. Tu poesía visual ha sido incluida en una gran antología que se llama Poesía Experimental Española, 1963-2004, de la Editorial Mare Nostrum. ¿Cómo te sientes por estar en esta Antología tan importante, sobre de poesía experimental, además?
A.C.- Bueno, fue sobretodo un gran honor pues soy de las personas más jóvenes incluidas en dicha Antología. Aquí hay gente muy importante. Además, la cuestión es que la Poesía Visual no es conocida y aún se ha de divulgar bastante, especialmente la labor que se hace, que es una labor que viene de antiguo, la gente puede pensar que es una cosa de hace pocos años; hace pocos años que hay una nueva generación pero realmente, por ejemplo en Cataluña y en catalán, hay una larga tradición dentro de la poesía visual, que entronca con los primeros ismos de finales del siglo XIX y principios del XX. ...//...

TituloUmbrella
AutorRedacción
PublicacionKomunikazio
Dia17Mes6Año2003Página0
MateriaArte postal
SinopsisEl trabajo de un alumno de Bellas Artes de la UPV/EHU, portada de la revista norteamericana 'Umbrella'

Esta publicación es la más importante de EEUU en el campo de los libros de artista y el arte postal

Un paraguas es el motivo que siempre aparece en la portada de la prestigiosa revista norteamericana 'Umbrella', una publicación especializada en arte postal (red de artistas que distribuye sus trabajos no vía galerías oficiales, sino por correo; entre los objetos del arte postal se incluyen tarjetas postales, sellos, pinturas, mail art graffiti, copyart…) y libros de artista (libro-objeto de arte realizado por un artista). En su último número, correspondiente a mayo de 2003, la tapa reproduce una serigrafía realizada por el alumno de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco-Euskal Herriko Unibertsitatea Ramón Aznar.
La obra, que lleva por título 'Bilbao Umbrella', muestra un fragmento de un paraguas en primer término y al fondo un edificio de Bilbao, identificable por quienes conocen la ciudad. La idea de preparar una portada para la revista 'Umbrella' surgió del profesor de Serigrafía Agustín Ardanaz, quien la propuso como ejercicio de clase en el curso avanzado de esta especialidad que se realiza en el segundo ciclo de la titulación de Bellas Artes. Ramón Aznar realizó de la obra 'Bilbao Umbrella' una tirada de diez estampas, de las que tres se enviaron a la revista 'Umbrella'. La editora de este boletín, Judith Hoffberg, una reconocida especialista en libros de artista, decidió que la reproducción de esta obra figurara como portada del número de mayo. Además, a partir de ahora, el profesor Agustín Ardanaz, podrá incluir en el programa de la asignatura como ejercicio habitual de clase la realización de la portada de 'Umbrella', gracias al permiso concedido por la editora de la revista.
Ramón Aznar concluirá el próximo año la carrera de Bellas Artes y ha recibido, entre otros, el primer premio del concurso de Pintura Intercentros Aena (1998) y el premio especial '150 años Ministerio de Fomento' (2001) para trabajadores de dicho Ministerio en la modalidad de pintura. Además, una obra suya fue adquirida por la UPV/EHU en el VII Certamen de Arte del Campus de Alava (2002) y ha participado en una docena de exposiciones colectivas y una individual. Actualmente prepara una instalación para el escaparate de la tienda Basandere (calle Iparragirre 4, Bilbao), que se inaugurará el próximo 23 de junio, y en la que la serigrafía es de nuevo la técnica empleada para grabar las imágenes de Bilbao que centran la obra.


TituloChristo
AutorRedacción
PublicacionIBLNEWS, AGENCIAS
Dia5Mes1Año2005Página0
Materia
SinopsisChristo construye en Nueva York arte 'que no sirve para nada'

Lo ames o lo odies, no podrás olvidar las 7.500 'puertas' coloreadas de azafrán que se instalarán en el Central Park de Nueva York por el artista Christo, en uno de los mayores proyectos artísticos intentados en la ciudad. Si quieres entenderlo, la mujer del artista dice que no lo tiene y que es arte "que no tiene ningún significado", según ha informado Reuters.

Christo, que cobró popularidad cubriendo el Pont Neuf de París con trapos de color arena y el Reichstag de Berlín con tejido de aluminio, dijo que la mayor oposición que encontraba en la realización de su trabajo era "conseguir los permisos".
Junto a su esposa y compañera Jeanne-Claude, ya propusieron revestir los 37 kilómetros de los caminos de Central Park con 'Las puertas' en 1979.

Se espera que los cerca de 100 trabajadores con carretillas elevadoras para colocar las bases de acero a lo largo de los caminos y elevar las puertas de cinco metros finalicen el 12 de febrero. Enormes pedazos de trapos color azafrán colgarán desde lo alto de cada puerta y se ondularán con el frío, la lluvia y los vientos hasta el 27 de febrero.

"Hemos elegido febrero, cuando los árboles están deshojadas para que desde lejos, por muy lejos que estés, lo puedas ver", dijo Jeanne-Claude, con su propio pelo teñido en azafrán ondulado por el viento, a Reuters Televisión.

Desde un Maybach gris, un vehículo cuyo precio compite con los Bentleys y los Rolls-Royces, Christo y Jeanne-Claude supervisan la instalación. Estiman que el proyecto no costará más de 21 millones de dólares (15,71 millones de euros). "No aceptamos patrocinio", dijo. La pareja asegura que ellos mismos financian sus proyectos a través de la venta de las obras artísticas de Christo.

¿Por qué decorar los caminos de Central Park durante dos semanas? "Creamos trabajos de diversión y belleza. No creamos mensajes. No creamos símbolos. Creamos obras de arte", dijo la mujer del artista. "Ninguna obra de arte tiene significado, excepto ser una obra de arte".

Christo ha declarado en algún otro momento que la provisionalidad de los proyectos les impregna de un sentido de la urgencia para ser vistos, y que el valor de los mismos reside en el hecho de que no durarán.



TituloEl Cristo Blasfemo de Buenos Aires
AutorCarlos Ares
PublicacionEl Pais
Dia0Mes0Año0Página0
MateriaArte experimental,Instalaciones
SinopsisNota publicada por el Boek861 a raiz de la contraportada de EL PAIS dedicada a León Ferrari y escrita por Carles Ares:

El 17 de diciembre del 2004 le pedí a Clemente Padín su opinión sobre las circunstancias en que se estaba desarrollando la feroz campaña contra León Ferrari bajo el patrocinio de la iglesia argentina más recalcitrante.

Sus opiniones fueron certeras al 100% y extractaré, porque es pertinente, parte del largo escrito que me envió:

CP: ...//... Pasé por Buenos Aires y Corrientes a raíz de mi participación en Fragmentos, el proyecto de homenaje a Neruda, y vi las consecuencias del arrebato fundamentalista. Pese a que no pude ubicarle, él está bien (León Ferrari) y el gobierno garantizó la libertad de expresión. Al fin de cuentas le están haciendo un favor: por un lado le promocionan su obra y por otro confirman las ideas de León....//...

Acertó de pleno Padín, hoy (05.01.05) Ferrari es en España contraportada del periódico más prestigioso del estado y entre los cinco más importantes del mundo con una difusión internacional de más de dos millones y medio de ejemplares diarios.

Pero Padín también acertó en otras muchas cosas, ya que el Cristo que aparece en la imagen no es en ningún momento una ofensa a la figura de Jesucristo sino al uso partidista que esta haciendo la Iglesia y los poderes fácticos de su figura y de todas aquellas guerras y barbaries que se cometen en su nombre.

CP; ...//... “No podemos hablar de un sentimiento anti-religioso en su obra si no de un sentimiento racional, de un sentimiento de poner las cosas en su lugar y terminar para siempre con las verdades "reveladas", cuántos y cuántos semidioses que se creen poseedores de la verdad absoluta? Ese rango comparte la iglesia católica, sin duda. Tan irracionales como imposibles son las consideraciones por las cuales intentan convencernos de la existencia del reino divino. No negamos el sentimiento religioso en nosotros pero no éste no debiera canalizarse en fundamentalismos porque sí. Y menos con argumentos tan grotescos como los que se lee en la Biblia (o en el Corán u otro similar).

Por otra parte, quién no le daría la razón si vemos, año tras año, como el santo padre invoca a la humanidad "por paz y bienestar para todos" y, cada año, son más y mayores las guerras y las matanzas? Ni que hablar de la economía (el "bienestar" del papa): año tras año, los ricos son cada vez más ricos y los pobres más pobres, quién lo duda, ver informes de UNICEF, de la FAO... Tal vez, en algún fin de año, nuestro santo padre nos sorprenda con la noticia de que el Vaticano dedicará una décima parte de su fortuna a remediar el hambre de los pobres del mundo, entonces podremos empezar a respetarlo.

Tampoco se le puede acusar a León que identificara el poder terrenal (el imperialismo) con el Jesús de la cruz, acaso, desde tiempos inmemoriales, desde el brujo de la tribu al ayatollah, no se han prodigado por legitimar el poder de los "guerreros" o, en nuestros días, el poder político al punto tal que, a veces, se confunden en una sola persona?” ...//...

Y hasta aquí un resumen de lo que nos contó Padín. A nosotros sólo nos queda decir que abrimos un debate de apoyo en nuestra web a León Ferrari y que al tercer día fue tomado literalmente por los ultras argentinos vertiendo todo tipo de amenazas y mensajes terroríficos contra León Ferrari y las libertades, imposibilitando la continuación del debate.


TituloUnidad Mínima
AutorFernando Galán
PublicacionUbicarte
Dia0Mes9Año2004Página0
MateriaArte experimental,Instalaciones
SinopsisUnidad mínima de habitación. ¿Medidas físicas para un espacio metafísico?

Nilo Casares propuso a dos arquitectos y a dos artistas trabajar para su proyecto Unidad Mínima de Habitación, una reflexión teórica y plástica que profundiza en algo de tan vital importancia como es nuestro contemporáneo espacio vital.

Si el concepto del espacio individual viene siendo recurrente desde hace tiempo en la creación artística, la forma en que aquí se aborda nos sorprende con algunas originalidades desde el mismo punto de partida del proyecto, que confronta las propuestas de los dos arquitectos, Carlos Salazar y Vicente Salvador, con las de los dos artistas, Xavier Arenós y Francis Naranjo. Como dice el propio comisario, “las dos mentalidades habituales y más tópicas con que consideramos el mundo de la arquitectura y el de las artes plásticas, el del pensamiento ortogonal más propio de la primera y el aparentemente libre característico a las segundas”.


Vicente Salvador Carlos Salazar

Con unos habitáculos de medidas más o menos estándar, que no exceden de 500x280x300 cm, los cuatro autores nos presentan sus concepciones particulares de lo que sería ese mínimo denominador común que se supone debería regir nuestras necesidades de habitación actuales. Todo tiene sus unidades de medida (hasta los caracteres con que controlamos la extensión de lo que escribimos), en ese intento científico de sistematizar, regular, comparar y cuantificar, y este proyecto aborda con imaginación e ironía la supuesta reglamentación de las necesidades mínimas de nuestro espacio vital. Necesidades que son crecientes según envejecemos y acumulamos cosas y aumentan nuestras necesidades creadas, mientras que la superpoblación del mundo, la especulación de la división horizontal del territorio y otros factores van reduciendo paulatinamente las medidas de nuestros espacios de habitación.


Francis Naranjo Xavier Arenós

Los materiales y elementos utilizados en cada una de las cuatro obras, que van desde las plantas al ordenador y desde el plástico a la porcelana, también nos dan una idea de la pluralidad creativa que el tema del proyecto ha desencadenado en la imaginación y en la ciencia de los cuatro autores. La casa, no considerada sólo como paredes y techo, es la epidermis tridimensional de nuestra intimidad, y puede ser un espacio envolvente y envoltorio tan variado como variado es el contenido que acoge. Y como variadas podrían ser entre sí las propuestas que cada artista hiciera. Quizá sea éste uno de los aspectos más interesantes del proyecto: ver en qué factores algo tan personal, físico y metafísico como es nuestra habitación puede ser susceptible de normativas con algún tipo de unidad mínima.

La arquitectura no deja de ser un arte, por supuesto, pero cuando se convierte en estricto funcionalismo que apura sus dimensiones bajo el peso de la escasez y la especulación queda limitada a física y cálculo, a estructuras y materiales y a mera industria. Y esta exposición nos muestra lo contrario: el arte aplicado a la construcción (en el más prosaico y elemental de sus significados) para cuestionarla, dignificarla, reconsiderarla, re-dimensionarla conceptualmente en sus parámetros físicos... y tal vez también para humanizarla.

(*)Espai d'art La Llotgeta. Valencia.




TituloGusano Impasible...//...Spai Brossa
AutorIsabel Olesti
PublicacionEl País
Dia0Mes0Año0Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Performance
Sinopsis Una historia de pingüinos, caballos, vacas y perros, en el Espai Brossa
El gusano impasible estrena en el Espai Escènic Joan Brossa Pingüenstein, una obra en la que se ironiza sobre los símbolos estereotipados de nuestra sociedad. Basada en un texto de Ramon Colomina, que también comparte la dirección con Sílvia Genovés, en Pingüenstein se escenifica un viaje al inconsciente en el que aparecen pingüinos, caballos, vacas, coches y escenas navideñas. En este sentido, este montaje teatral reivindica la risa como única alternativa a una existencia faltada de libertad. La obra, que tiene a Paloma Unzeta como artista invitada, representa el retorno a la cartelera barcelonesa de la compañía El gusano impasible.

TEATRE 'PINGÜENSTEIN', DE RAMON COLOMINA
CUANDO TIENE LUGAR:


Fecha del próximo acto: 31/12/2004
Fecha fin: 09/01/2005
DONDE TIENE LUGAR:


Lugar: Espai escènic Joan Brossa
Dirección: Allada-Vermell, 13
Distrito: Ciutat Vella

TituloLeón Ferrari
AutorMaría Luján Picabea.
PublicacionClarin
Dia21Mes12Año2004Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisLA RETROSPECTIVA DE LEON FERRARI EN EL CENTRO CULTURAL RECOLETA
Amparo por el cierre de una muestra

Lo presentó ayer un constitucionalista. Hoy el Gobierno porteño apelará la clausura.

Por una libertad artística sin censura", el abogado constitucionalista Andrés Gil Domínguez presentó un recurso de amparo contra la decisión de la jueza Elena Liberatori, que el viernes pasado ordenó el cierre de la retrospectiva de León Ferrari en el Centro Cultural Recoleta.

"El Gobierno no impone a la sociedad, bajo pena de sanción, que visite la muestra del artista, cada uno puede elegir hacerlo o no. De modo que no puede limitarse la libertad de expresión artística garantizada en la Constitución porteña", explicó Gil Domínguez a Clarín y agregó que interpone este recurso, "como habitante de la ciudad y como profesor de la Universidad de Buenos Aires, porque quiero representar a aquellos que deseen ver la muestra".

El cierre de la retrospectiva fue ordenado porque Liberatori consideró que la obra de Ferrari agredía la sensibilidad de los fieles cristianos. "Lo que la jueza aduce es que hay un sentimiento mayoritario a este respecto, pero lo que la Justicia debe hacer es asegurar la expresión de las minorías y no ayudar a que sean aplastadas por las mayorías", argumentó Gil Domínguez, quien también expresó: "La Iglesia debería, en todo caso, debatir o rebatir las ideas del artista y no perseguir la censura".

Por su parte, el Gobierno trabajaba ayer en la apelación del fallo, informó la procuradora general de la Ciudad, Alejandra Tadei. La funcionaria explicó que la apela ción será presentada hoy, luego de haber sido correctamente fundamentada. Sobre el recurso presentado por Gil Domínguez, Tadei consideró que no cree que cambie nada porque "las resoluciones judiciales no se enfrentan con amparos, se apelan".

Entre tanto, la defensora del Pueblo de la Ciudad, Alicia Pierini, envió ayer a las autoridades del Centro Cultural Recoleta y la Secretaría de Cultura porteña una resolución por medio de la cual recomienda que se haga un desagravio público a la comunidad cristiana, "ofendida por el ultraje a sus símbolos sagrados".

"Resulta público y notorio que el tratamiento de imágenes, símbolos e iconografía cristiana y católica en particular que efectúa León Ferrari incomoda y afecta a una comunidad que los venera", afirma Pierini en su resolución, que da respuesta al pedido de un particular. Allí mismo, reprocha a las autoridades culturales el haber autorizado "mancillar" los símbolos religiosos en un espacio público.

"La ofensa está consumada más allá de que la ciudadanía pueda elegir entrar o no a la exposición —aseguró Pierini a Clarín— y cuando alguien ofende a otro, debe pedir una disculpa, sobre todo si no había una intención de ofender".

El secretario de Cultura, Gustavo López, salió al cruce de la funcionaria y afirmó: "No comparto el criterio personal de Pierini. Aquí no hubo agravio, lo único que hubo fue la garantía de ofrecer un espacio público para ejercer un derecho constitucional".

López volvió a remarcar que ni la Secretaría ni el Gobierno de la Ciudad se expresan a través de las obras de los artistas a los que otorgan espacios, y agregó: "En lo personal pedí disculpas por si alguien se hubiera sentido lastimado, porque no tuve ninguna intención de hacerlo. Pero como funcionario público, no puedo aceptar que la muestra de Ferrari es agraviante porque irían contra mi deber".

Al cierre de esta edición, las autoridades del Centro Cultural Recoleta no había sido notificadas de la resolución de la Defensoría del Pueblo.




TituloEntrevista a León Ferrrari
AutorSocorro Villa
PublicacionGuía Cultural
Dia20Mes7Año2003Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
Sinopsis...//...


- ¿Cómo se define el arte político?

- Son, por supuesto, obras con un mensaje. Yo quiero que mis trabajos digan una determinada cosa, pero que la digan de un modo distinto, para que el mensaje tenga efecto, hay que encontrar nuevas formas de decirlo. Lo que importa es la forma de expresar una idea; ese me parece que es el aporte contemporáneo más interesante al arte. Ya no interesa solo la belleza, como se creía antes. Es que es imposible que sea así en una sociedad que se divide entre hambrientos y saciados. Y yo, que estoy en el mundo de los que comen, siento una suerte de contradicción permanente. Sé que si he trabajado toda la vida tengo derecho a un poco de bienestar ,y eso en un mundo donde todos tuvieran algo estaría perfecto, pero tal como es la distribución de la riqueza en este país, no sé... A los setenta y pico de años me dieron un premio municipal que consiste en una pensión vitalicia de 1.075 pesos por mes y yo no sé si corresponde, en el contexto de lo que pasa, no sé si es justo...

-¿Hay un resurgir del arte político?

-Me parece que sí, por un lado puede haber algo de moda pero por el otro creo que tiene que ver con la necesidad de expresión. Hay una cantidad de grupos fuera del mercado que hacen arte en las fábricas, en las marchas, en la calle... Cantidad de manifestaciones interesantes del arte fuera del mercado.

- ¿Se hace arte político del mismo modo que en los 60?

-Nosotros éramos, en ese momento, parte de la vanguardia. El Instituto Di Tella sirvió para que muchos artistas tuvieran el espíritu de la renovación en la cabeza. De todas formas me parece que ahora el arte político se hace más en la calle que entonces. Y además es más variado.

- Quizás otra diferencia es que ustedes eran, por entonces, reconocidos como referentes artísticos por la prensa y la crítica, en cambio ahora me parece que estos grupos quedan desplazados a los márgenes.

-Es muy cierto... Nosotros éramos gente que había triunfado ya, por decirlo de algún modo. El arte político actual no está incluido en el circuito de los diarios, los galeristas, los críticos, los coleccionistas, que son los que definen qué es arte y qué no para el mercado.

El Cristo del avión fue la primera obra directamente política de Ferrari y también la primera en ser prohibida, de una larga lista de trabajos que despertaron el escándalo y la censura. Por citar los dos ejemplos más recientes:

En el 2000 la muestra Infiernos e Idiolatrías-montada en el ICI de Buenos Aires-fue repudiada por la Agrupación Custodia que no dejaban entrar a los espectadores y proclamaban a los cuatro vientos que ' los derechos de los hombres no pueden pisotear los derechos de Dios'.

En septiembre de 2002, la pintura Amate -que muestra una masturbación femenina- no pudo ser colgada en el Museo Castagnino de Rosario por orden de la Secretaría de Cultura de la comuna.

-¿Le preocupa la censura de tus obras?

-A diferencia de la práctica tradicional de los artistas que cuando les censuran una pieza retiran toda su obra, yo dejo el resto, porque me parece que la censura forma parte de la obra. En el caso del ICI, por ejemplo, era mejor el espectáculo de la gente afuera que lo que pasaba adentro... Hicieron una misa en la puerta y rezaban el rosario, con carteles y figuras religiosas. Hasta me tiraron una granada de gas lacrimógeno. Con la reacción del publico las obras se vuelven una verdadera intervención. En el 92 expuse una obra que se llamaba La Justicia, en la que una gallina defecada en una balanza y me escribieron de todo: 'Qué culpa tiene la gallina de que vos quieras hacer arte', 'Gallo: cagate en este arte deshumnanizante' y 'Ojalá te encierren a vos'. Con eso armé al año siguiente una muestra que se llamó Autocensura. La gallina, esta vez, estaba embalsamada.

-¿Le parece peor la censura del público que la oficial?

-Peor no... mejor. Hay algunos, incluso, que se acercan a la verdad: los que me dicen herejes, por ejemplo. En cambio, no deja de llamarme la atención esa preocupación excesiva por la gallina. La Sociedad Protectora de Animales mandó una carta pidiendo que la sacara. Yo les contesté explicándoles que esa gallina estaba a la espera de que la degollaran y que, por lo tanto, tenía mucho mejor destino como obra de arte. Más satisfacción me dio cuando alguien me puteó porque hacía cagar una paloma blanca sobre una imagen del Juicio Final de Miguel Angel. Por lo menos sentí que había llegado mi crítica a la cultura. El Bosco, Miguel Angel, Giotto, sin dudas hicieron maravillas pero que justificaron una cultura basada en la tortura, en la persecución, en el castigo... Ese arte avaló el accionar de la Iglesia. Así que la reacción de este hombre me sirvió para constatar de que alguien me escuchaba. Las protestas intervienen directamente sobre la obra y la completan. Peor que las puteadas es la indiferencia.

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TituloJames Turrell...//... y la luz difusa
AutorFerran Bono
PublicacionEl País
Dia15Mes12Año2004Página47
MateriaArte experimental,Instalaciones
Sinopsis
James TURRELL
Del 14 de diciembre al 20 de febrero de 2005
Las instalaciones que realizará para el IVAM se transformarán en lugares donde el ser humano definirá el espacio, en la frontera donde el silencio y la oscuridad se encuentran. El artista pondrá los ingredientes, los espectadores solo tendrán que mirar. Turrell no crea nada realmente nuevo, lo que crea son las condiciones que nos permiten entender qué es la luz y sus consecuencias en el espacio. Como dice el artista “Quiero tratar la luz que vemos en los sueños y los espacios que vemos provienen de esos sueños, y que son conocidos para los que viven esos espacios ”.

NO ME OCUPO DE NINGUN OBJETO
el objeto es la percepción misma

NO ME OCUPO DE NINGUNA IMAGEN
quiero evitar el pensamiento simbólico

NO ME OCUPO DE NINGUN OBJETIVO
NO ME OCUPO DE NINGUN PUNTO ESENCIAL DONDE MIRAR
Entonces, ¿qué mirar?
Te miras a tí mirando.


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James Turrell nace en 1943 en Los Angeles, California y desde 1961 hasta 1965 estudia sicología, matemáticas, historia del arte y otras asignaturas científicas como geología y astronomía en el Pomona College en Claremont, California. Más tarde, participa en un programa experimental en la University of California, Irvine, en el que sus investigaciones combinaban el arte y la tecnología.

James Turrell ha estudiado con pasión la forma con la que el ser humano percibe la luz y, a través de ella, la concepción que éste aprehende del espacio. Durante su larga carrera, Turrell ha convertido la luz en un objeto con el que extraer e implementar la sensualidad emanada de nuestras sensaciones y, por defecto, la vivencia placentera y la reflexión derivada de ellas. Todo unido a grandes dosis de espiritualidad al modo en que las sociedades más primitivas lo hicieron sin el uso de la tecnología. Como explica el artista, “Es importante modular tanto la luz como el sonido. Apreciamos la luz experimentando también su ausencia” Y la pregunta que formula y dirige al espectador es: ¿qué estoy viendo realmente y qué siento?.

Su trabajo más reciente explora la desaparición de las barreras en la arquitectura existente a través de las instalaciones de luz. Según Turrell “solo usando la luz puedes controlar la percepción visual en cualquier momento [...] Por eso mi trabajo esta intrínsicamente involucrado con la creación de la estructura espacial. Normalmente esto se hace con materiales físicos, hormigón, acero o cristal, pero yo lo hago con la luz”. Turrell, como el arquitecto Louis Kahn, trabaja con la certeza de que “la luz natural proporciona emoción según como se la deje entrar y modificar el espacio a través de sus matices durante las diferentes horas del día y de las estaciones.”

Estas experiencias se reflejarán en la pieza que realizará exclusivamente para el IVAM, donde el artista creará un Skyspace, un espacio cerrado pero abierto al cielo. El tratamiento de la luz interior hará que el cielo aparezca en el mismo plano que el techo de la habitación, justamente en la intersección entre el espacio interior y el exterior. La percepción del cielo irá cambiando según el día transcurra, del alba al anochecer.

Recorriendo las instalaciones que realizará en la galería 1 del museo, la percepción del espacio será modificada así cómo los cambios de intensidad lumínica serán percibidos desde la oscuridad.




TituloLibros de Artista
AutorDavid Barro
PublicacionEl Cultural
Dia14Mes12Año2004Página0
Materia
Sinopsis...//...
En las obras de Tuttle, la pared acaba por cobrar un papel protagonista; el espacio, natural o construido, es integrado. Se entiende entonces su interés por llevar sus particulares versiones de libros de artista al espacio expositivo, por fusionar el lenguaje y lo visual, el libro como dibujo, pintura, escultura, en definitiva, como objeto. Sus piezas, frágiles, alcanzan una fuerza inusual gracias a un juego de equilibrios; excelente es el ejemplo de las acertadas tensiones cromáticas y volumétricas que logra en Replace. Luces, sombras y emociones que rehuyen del impacto visual en favor de la degustación jerarquizada, de la experiencia personal. De la energía capaz de unir dos exposiciones como cENTER y Memento que fluyen paralelas, si bien resultan complementarias.
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TituloMuntadas ...//... Bienal de Venecia 2005
AutorRedacción
PublicacionEl País
Dia12Mes12Año2004Página38
MateriaArte de accion,Instalaciones,Performance
Sinopsis...//...tenemos un nuevo tripartito catalán en la Bienal de Venecia 2005 (Martinell, Marí y Muntadas), en este caso artístico, dispuesto a poner una pica en la Serenisima en una edición marcadamente española, pues contará con dos directoras españolas, María Corral y Rosa Martínez.

El lunes, asamblea en el Círculo

Actualmente, Muntadas imparte clases en la Escuela Universitaria de Arquitectura de Venecia. Desde la ciudad de los canales, comentaba ayer a ABC que aún es pronto para desvelar detalles del pabellón. Este fin de semana se reunirá en Venecia con Marí para tratar el proyecto. Su obra puede verse en el Neues Museum Weserburg de Bremen, en una exposición en la que ha colaborado, entre otras instituciones, el Instituto Cervantes. Por su parte, Bartomeu Marí ha sido conservador del IVAM y en 1996 fue nombrado director del Witte de Witch Center for Contemporary Art de Rotterdam. Allí comisarió una exposición del propio Muntadas.

TituloDrap Art ...//... Reciclaje creativo
AutorBlanca Cia
PublicacionEl País Cataluña
Dia11Mes12Año2004Página8
MateriaArte experimental,Instalaciones
SinopsisArtistes, performers, dissenyadors, artesans i altres éssers humans amb alguna cosa per aportar al tema del reciclatge artístic poden presentar els seus projectes creatius a Drap-Art en les modalitats següents: :: Mercat de creació en directe i venda d’objectes de disseny i artesania realitzats amb materials reciclats | Al CCCB el 18 i 19 de desembre d’11 h a 23 h. Ponències sobre temes relacionats amb el reciclatge, l’art, la societat i el medi ambient | Performance, acció, espectacle, projeccions relacionats amb el reciclatge creatiu | Al Pati Llimona el 10 i 11 de desembre de 21 h a 22 h i al CCCB el 18 i 19 de desembre d’11 h a 23 h | : Tallers participatius de reciclatge per a totes les edats | Al Pati Llimona el 10 i 11 de desembre de 12 h a 14 h i al CCCB el 18 i 19 de desembre d’11 h a 23 h. :: Exposiciócol·lectiva Drap-Art d’artistes recicladors | A La Carboneria del 10 de desembre al 6 de gener | dm-dv: 11-14h. y 17-20h. ds: 18-21h.

TituloGRAVES INCIDENTES EN LA MUESTRA DE LEON FERRARI
AutorMariano Blejman
PublicacionPágina 12 Diario
Dia4Mes12Año2004Página0
MateriaArte de accion
Sinopsis
GRAVES INCIDENTES EN LA MUESTRA DE LEON FERRARI
De las palabras a los hechos
Unas diez obras del artista plástico fueron destrozadas anoche por cinco fanáticos. La sala fue momentáneamente clausurada, pero la muestra reabriría hoy. Detuvieron a los agresores.
Uno de los cinco detenidos tras los actos de vandalismo contra obras de Ferrari.
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Al grito de “¡Viva Cristo Rey! ¡Viva Cristo Rey, carajo!”, intempestivamente uno de los cinco –¿o tal vez más?– devotos que habían hecho la cola como cualquier mortal para ingresar a la muestra de León Ferrari comenzó los destrozos. Por lo menos otros dos lo acompañaron en la acción: tomaron varias de las obras de arte (la mayoría botellas) que pertenecían a la retrospectiva de Ferrari montada en el Centro Cultural Recoleta, y comenzaron a romperlas contra el piso (o contra ellas mismas) y a amenazar a los 80 espectadores que recorrían el lugar, hiriendo a una de ellas, llamada Silvia Ibarra, quien también comparecerá como testigo. Unas ocho o diez obras de la valiosa retrospectiva trabajadas con vidrio –algunas de las cuales tenían preservativos con la caricatura del Papa– fueron destrozadas aproximadamente a las 20.20 de ayer. La muestra tiene unas 400 obras. Ayer a la noche, el secretario de Cultura porteño Gustavo López llamó a la paz: “Se trata sólo de una obra de arte”, dijo en el lugar. Los cinco agresores, señalados por los testigos, fueron detenidos por efectivos de la comisaría 19, a cargo del subcomisario Souto.
Según testigos consultados por Página/12, la policía tardó más de cinco minutos en ingresar desde la puerta del Recoleta hasta la sala Cronopios, ubicada a 50 metros. Una vez detenidos, los cinco hombres –cuyos nombres no trascendieron– fueron trasladados esposados a la comisaría ubicada en Charcas y Anchorena. Los acompañaron numerosos testigos dispuestos a prestar declaración. La sala fue momentáneamente clausurada, aunque autoridades del Recoleta aseguraron que la muestra seguiría hoy en pie.
El día había sido demasiado tranquilo, según la propia directora del Centro Cultural Recoleta, Nora Hochbaum, contó a este diario. No había habido desmanes, ni provocaciones, a pesar de la diatriba del cardenal Jorge María Bergoglio, que había instado a repudiar la obra de Ferrari, a la que se sumaron varios prelados. Uno de los implicados, de camisa celeste, dos o tres de camisas negras y uno que vestía una remera blanca habían ingresado haciendo la cola normalmente. La testigo Silvia Ibarra llegó a eso de las 18.15. Había aguantado una media hora de cola, y después de un rato de dar vueltas por la sala Cronopios escuchó a sus espaldas ruidos fuertes. “Uno de los hombres de camisa celeste rompía las botellas y amenazaba a la gente con vidrios rotos. Cuando quise detenerlo me tiró contra una estructura de vidrio, que cayó al piso y me lastimó el pie.” Uno de ellos, de camisa blanca, dijo ser periodista aunque Ibarra declaró que había defendido a los atacantes. Laura dal Poggetto estaba en la cola para entrar detrás del grupo de hombres, de gran porte, y escuchó cuando comentaban: “así que ésta es la famosa muestra”. Pocos minutos después, Dal Poggetto vio cómo los hombres se ensañaban contra la obra de Ferrari al grito de “Viva Cristo Rey”.
También estaba el periodista Manuel Vetrone, que vio al hombre de camisa celeste ensañarse con las botellas. Curiosamente, un abogado salió a defenderlos. Juan Carrillo, en ese momento a cargo de la seguridad privada de la empresa Protection Search, contó que había tres guardias dedicados al cuidado de la muestra pero sólo uno estaba en la sala propiamente dicha en el momento del incidente. Es Jorge Boesing –quien ya el día de la inauguración sacó de la sala a otro que intentó romper una de las botellas–. “Cuando intenté detenerlos, uno quiso atacarme con la botella”, contó. También estaba Liliana Piñeiro, jefa del departamento de Artes Visuales del Recoleta, quien al escuchar los ruidos en la sala corrió a la puerta buscando a la policía. Los detenidos fueron abucheados por los testigos, aunque se escuchó a un hombre de barba decirles por lo bajo: “Quédense tranquilos que ya está todo arreglado”.(Mariano Blejman)

DOCUMENTACION:

APOYOS RECIBIDOS EN LA REDACCIÓN DEL BOEK861 EN APOYO DE LA MUESTRA DE LEON FERRARI EN EL CENTRO CULTURAL RECOLETA (ARGENTINA) ...(Firmas recongisdas entre los días 28 y 29 de Noviembre del 2004)


Nelda Ramos
Roberto Farona
Rafael de Cózar
J.M. Calleja
Elias Adasme
Miguel Jimenez "Zenón"
El Taller de Zenón
Mandrágora
Manuel Almeida e Sousa
Abdul Affi
Maria Augusta Silva
Belisa Sousa
Rosa Rivas
Gonzalo Torné
Zulima Torné
Javier Ruiz
Vortice Argerntina
Fernando García Delgado
Taller del Sol
César Reglero
Isabel Jover
Carlos García Tomillero
Paloma Arza
Unai Reglero
Guillermo Marín
Clemente Padín
Nel Amaro
Ibirico


TituloLa piel en el BAC! ...//...
AutorRoberta Bosco
PublicacionEl País Catalunya
Dia1Mes12Año2004Página12
MateriaArte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisFestival Internacional Barcelona Art Contemporani
El Barcelona Art Contemporani (BAC!) 2004 vuelve a llenar Barcelona de múltiples propuestas creativas, a cargo de artistas nacionales e internacionales, para mostrar a un público diverso la variedad de lenguajes artísticos contemporáneos. Repartido por diversos espacios, como el Centro de Cultura Contemporánea (CCCB), el Macba, la Casa Elizalde y galerías de arte, el festival tiene como tema central "la piel", como apoyo físico o psíquico, y como objeto de reflexión. El abanico de propuestas artísticas que recoge el BAC! va desde las más clásicas, como la pintura y la escultura; hasta las más vanguardistas, como las creaciones multimedia, los desfiles de moda-arte y las proyecciones de cortometrajes.

TituloPoligrafa y Ferias Internacionales
AutorAngel Samblancat
PublicacionStilusart
Dia0Mes12Año2004Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
Sinopsis
"Junio: Basilea, la feria más prestigiosa en la actualidad

Julio: Caracas, importante en el ámbito latinoamericano pero no tiene mucho peso en una escala internacional.

Septiembre: París que ha bajado mucho ya que cometieron el error de aceptar a cualquiera.

Noviembre: Colonia que aunque es la más antigua, ha perdido su situación de preponderancia a favor de la de Basilea pese a que ésta fuese fundada 5 años después

Enero: teníamos a la de Miami. Lo digo de ésta manera ya que Basilea está preparando para el mes de diciembre una feria que pretende desbancar a la de Miami al menos en calidad.

En enero también tenemos la de Bolonia que ha sido una gran feria. Actualmente se ha convertido en una feria local. Es la mejor feria de Italia, pero sigue siendo una feria local

Febrero : ARCO en Madrid. Empezó como una feria pequeña. Actualmente se ha ganado un puesto entre las grandes ferias del mundo. Considero que se estaría disputando el segundo puesto en importancia mundial, con la feria de Colonia.


marzo : la feria de Yokohama que junto a la de Hong Kong, Actualmente asistimos al despunte de mercados artísticos emergentes como Corea o Taiwán.

Mayo : la de Chicago la feria que hasta ahora es la mejor feria de los EEUU. Si esa consideración se mantendrá o no dependerá de la feria que te comentaba que Basilea está organizando en Miami.

Mayo: la de Buenos Aires que pese a su pujanza no deja de ser muy localista.
Tras Buenos Aires volvemos a comenzar."




TituloGUIA PARA TRASPASAR LINDES
AutorELISABETH BARD
PublicacionTHE NEW YORK TIMES
Dia11Mes11Año2004Página12
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisEn el Museo de Arte Contemporáneo de Manhattan se está desarrollando actualmente una experiencia que transciende lo meramente artístico para entrar en una dimensión que puede cambiar la vida de cualquiera a poco que uno se implique en la acción. Para desarrollar esta experiencia, los artistas promotores del proyecto deben contar con un equipo jurídico que les salvaguarde de los peligros que la estructura de la acción requiere.

Siempre se ha dicho que al arte contemporáneo debe ser transgresor. En esta ocasión podemos afirmar que arte y delincuencia se aproximan de una manera tal que resulta difícil deslindar donde acaba uno y donde empieza el otro.

Basándose en datos obtenidos por internet y la participación de voluntarios dispuestos a cambiar de identidad, de ciudad y de modus vivendi, los participantes, al estilo Fluxus, hacen de sus propias vidas un arte que les implica emocionalmente hasta el tuétano.


Titulo¿EL ARTE A LA DERIVA?
AutorMARIE CLAIRE UBERQUOI / MANUEL
PublicacionNEXUS
Dia0Mes7Año2004Página127
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisLos autores de sendos articulos, dentro de un monográfico sobre el arte contemporáneo, se cuestionan la razón o sin razón del arte actual en función de una serie de interrogantes:

¿Qué diferencia hay entre una obra de arte y algo que no es una obra de arte?

¿Marcel Duchamp, con sus Ready Made, abrió el camino de la modernidad o de la mediocridad?

¿Los artistas son empresarios?

¿Se trata sólo de sorprender?

¿Es suficiente con una acción transgresora?

¿Se trata de estimular la imaginación?

¿Consiguen los artistas actuales sorprender o estimular la imaginación del espectador?

¿Son los protagonistas los artistas o los comisarios?

¿Se puede desprender el arte del buen o mal gusto?

¿Es el arte un mero producto comercial?

¿Tiene que ser el artista empresario?

¿Es más importante hacer buen arte o saberse vender?

¿La entrada de las obras en los museos les da un sello de calidad?

¿Hay que crear arte o antiarte?

¿Es correcto el planteamiento de Fluxus en cuanto a que el arte es la vida?

¿Debe el espectador convertirse en artista?

¿La obra de arte tiene sentido sin la participación del espectador?

¿Debe tener la obra de arte autor?

¿Es posible vender el vacio o la nada?


TituloBARTOLOMÉ FERRANDO
AutorJ.M. CALLEJA /Coordinación
PublicacionTEXTURAS
Dia0Mes0Año1996Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Performance
Sinopsis Esta es una de esas ocasiones en las que dirigirme a todos vosotros me resulta un verdadero placer. Es la segunda vez que nos encontramos este año y, aunque esto supone un gran esfuerzo, vale la pena, pues gracias a vuestra colaboración Texturas sigue adelante y es cada vez más reconocida dentro y fuera de nuestras "fronteras". Son muchos los amigos que desde Latinoamérica, EE. UU. y toda Europa se han puesto en contacto con nosotros para prestarnos su apoyo, su colaboración y para elogiar nuestro trabajo
que, en definitiva, es también y sobre todo el vuestro.

Este número ofrece un material valioso desde todos los puntos de vista:las creaciones de asiduos y nuevos colaboradores, los artículos de algunos incondicionales como Jan Baetens y, como plato fuerte, el Monográfico F que, en esta ocasión, dedicamos a Bartolomé Ferrando, colaborador y amigo. Son muchos los que han querido sumarse al pequeño homenaje que desde aquí brindamos a Ferrando, aunque no todos los que hubieran deseado, pues el espacio de Texturas resulta insuficiente para ello. A todos, sobre todo a
J. M. Calleja, quien ha coordinado este monográfico, mi agradecimiento y felicitación por la labor realizada.

A ti, lector, amigo que nos sigues desde hace tiempo, que disfrutes este número al igual que los anteriores. Ya tí, que nos descubres por primera vez, que "Texturas" te atrape y decidas seguir sus andanzas. No olvidéis que ahora nos vemos dos veces al año (primer y último trimestre).

(*) Editorial de Angela Serna (Monográfico Nº 6)

Titulo“Lo primero es la estética” /Documenta 2007
AutorOLGA SPIEGEL
PublicacionLa Vanguardia
Dia20Mes1Año4Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisRoger Buergel (Berlín, 1962), director de la Documenta 12 de Kassel, el certamen más influyente en el arte contemporáneo –que se celebrará desde mediados de junio hasta finales de septiembre del año 2007– ha estado en Barcelona, donde prepara la exposición “¿Cómo queremos ser gobernados?”, que el Macba presentará el próximo septiembre y se extenderá por diferentes edificios de Poblenou. Manuel Borja-Villel, director del museo barcelonés, es uno de los siete expertos internacionales que integran el comité asesor de la Documenta 12, que el pasado diciembre eligió a Buergel. A poco más de un mes de su nombramiento, Roger Buergel esboza en esta entrevista algunas de las bases sobre las que se sustentará la próxima edición del certamen de Kassel...//...


–Aún no puedo dar los nombres. En cuanto a lo de “desconocidos”, ese es un concepto relativo. Por ejemplo, ayer estuve en el Museu d'Art Modern de Barcelona y a la mayoría de artistas que vi no los conocía. A mí me interesa ver cómo los artistas de diferentes países abordan ciertos fenómenos políticos y económicos respecto a los cuales se pueden trazar unas rutas mundiales. Por ejemplo, la crisis económica que empezó en el Pacífico en los noventa y luego siguió por México, Rusia o Argentina, entre otros lugares. En la Documenta trabajaré con artistas que tratan más o menos un mismo tema. Uno de esos es el empobrecimiento de la clase media en sus respectivos países. Eso te permite ver cómo artistas de Rusia o Latinoamérica, partiendo de sus diferentes tradiciones y arte, llegan a soluciones muy similares, aunque no se conozcan. Creo que eso es importante para el público porque, al confrontarlos, permite mejor comprensión.

...//...
Acabo de pasar unos días en Kassel consultando los archivos de la Documenta para ver cómo fueron las tres primeras ediciones. Parecían muy austeras, son increíblemente bellas y precisas. Ahora muchas bienales parecen supermercados. Creo que estos eventos pueden tener cierto carácter de espectáculo, pero a condición de que no sea un espectáculo barato. Compartir una experiencia con la gente te puede producir buenas vibraciones. Una manifestación contra la guerra también es espectacular, pero no la haces fundamentalmente por eso. Cuando el pasado febrero me manifesté contra la guerra de Iraq en Nueva York, apenas hubo repercusión de aquellas manifestaciones en los grandes medios de comunicación. Lo mismo ocurrió en San Francisco, donde hubo grandes manifestaciones y no se dijo. Hay que crear, como se hizo allí, medios alternativos. ...//...


TituloEbent 04 Festival de Performances
AutorR.B.
PublicacionEL PAIS
Dia25Mes11Año2004Página12
MateriaArte de accion,Arte experimental,Performance
Sinopsis
El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), el Convent de Sant Agustí i l'Espai Jove Boca Nord acullen eBent, el Festival Internacional de Performance de Barcelona. La trobada pretén donar a conèixer al públic en general una mostra de l'art d'acció que s'està fent avui en dia. En aquest sentit, eBent'04 vol aprofundir en el vessant teòric i didàctic d'aquest tipus d'art, i per això s'hi fan xerrades, conferències, tallers, vídeos i exposicions de les obres més representatives. D'altre banda, el festival vol destacar la presència femenina en la creació d'aquest d'art.


TituloMultimedia y poesía experimental en América Latina
AutorClemente Padín
PublicacionRevista Malabia
Dia0Mes0Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte experimental
SinopsisSiempre inquieto por el devenir del arte, Padín reflexiona en esta ocasión sobre la adopción relativamente reciente de la electrónica en la creación de poesía experimental, uso específico de nuestra era, ya que “los contenidos suelen ser históricos: lo que cambia es la manera de trasmitirlos” y el cambio de estrategias que esto plantea ya que, como declara, “la disrupción de la nueva información provoca, necesariamente, reacomodamientos y reajustes en los repertorios del saber social”, en este caso, la computadora ofrece para el artista un espacio virtual tridimensional (susceptible de animación) en donde Padín plantea dos líneas de acción experimental: hacer digital una obra ya creada, transponiéndose de un código a otro (aunque entonces, decimos nosotros, no hay ruptura sino cambio de soporte) y otra, la línea de investigación expresiva del y desde el propio medio, poniendo por ejemplo los poemas virtuales de Ladislao Pablo Györi, para concluir argumentando que el uso creativo de las computadoras y de la tecnología cibernética subvierte la funcionalidad y la aculturación que provoca dicha tecnología sobre el cuerpo social. (RF)

TituloEntos cuando ñevaba
AutorJuan Neira
PublicacionEl Comercio de Gijón
Dia26Mes4Año2003Página13
MateriaArte de accion,Arte experimental,Performance
Sinopsis
"Entos cuando ñevaba "
Autores Fernández Alvarez, Nel Amaro
Editorial Publicaciones Ámbitu, S.L.

La crónica de J.N. relata como la presentación de esta obra concluyó en una performance de Nel Amaro al declarar que las autoridades oficiales habían manifestado que "el asturiano no existe como lengua", en consecuencia, Nel Amaro, ante los periodista presentes procedió a cocinar el libro escrito integramente en asturiano.


TituloEL FANTASMA DE LA GLORIETA
AutorBERNARDO ROMERO
PublicacionEL MUNDO
Dia22Mes3Año2003Página12
MateriaPoesia visual,Arte experimental
SinopsisAmplio articulo que trata entre otras cosas sobre la revista electrónica dirigida por Félix Morales Prado "El Fantasma de la Glorieta" y su monográfico de Poesía Visual. De la mano de Manuel calvarro se van desglozando algunos de los temás del monográfico:

Poesía visual o la dificultad de las definiciones
de César Reglero

Ver la poesía de José Carlos Beltrán

De la pluralidad coherente de la poesía visual en España de Bartolomé Ferrando

POEMAS VISUALES:
Soledad Alba de la Fuente
Julián Alonso
Carlos Antón Pacheco
Pablo del Barco
José Carlos Beltrán
Manuel Calvarro
Rafael de Cózar
Bartolomé Ferrando
Antonio Gómez
Juan López de Ael
Antonio L. Bouza
Guillermo Marín
Fernando Millán
Antonio Orihuela
JOROS
Julia Otxoa
Ángela Serna
Ricardo Ugarte





TituloUNA EXPOSICION MUY ITINERANTE: MAREA: NEGRA
AutorCRISTINA BARRAL
PublicacionEL CORREO DE VIGO
Dia24Mes10Año2004Página0
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisUna iniciativa internacional de mail art, surgida a raiz del "Prestige" y cedida por el IES de Caldas a Adega ha recorrido 30 centros educativos durante el curso 2003/2004

Convocatoria organizada por Corporación Semiótica Galega, Marta Bosch, Tartarugo, Pedro Gonzalves e Clemente Padín.

A acollida desta convocatoria foi extraordinaria, con máis de 470 obras pertencentes a 260 autores, representando a 36 países dos cinco continentes. Gracias a tod@s.

Para a realización desta exposición contamos coa colaboración do Concello de Caldas de Reis, que aportou unha subvención para a realización do soporte físico e do proceso de catalogación.

A exposición inaugurouse o 17 de maio de 2003 no propio Instituto Aquis Celenis. A montaxe realizouse en 29 paneis en madeira recubertos con planchas de vinilo; espuxéronse a totalidade das obras e a carón de cada unha figuraban os datos e nacionalidade do seu autor. Tamén se realizou un traballo de catalogación en soporte informático, que será remitido a cada participante. Nun futuro farémo-las xestións necesarias para que as obras se expoñan en diversos lugares de xeito itinerante. Logo é o noso desexo facer unha doazón da mesma a algunha institución que se comprometa á súa conservación e difusión.
DOCUMENTACION COMPLEMENTARIA:
Ficha técnica da convocatoria:

Organización: I.E.S. Aquis Celenis de Caldas de Reis.

Coordinación: Lois Gil, Manuel Rosales.

Colaboración: Profesorado e persoal do IES Aquis Celenis de Caldas de Reis: Alberto Abadín, José M. Álvarez, Juan Barreira, Purificación Cabido, Teresa Carballo, Ramón Cruces, Mª Carmen Fernández, Mª Ángeles González, Manuel Guede, Pedro Lamas, Pilar Liñares, José Mª Pazos, María Sánchez.



TituloA DIALÉCTICA DO SIGNO
AutorRoberto Farona
PublicacionDiario Gratis
Dia17Mes11Año4Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Arte experimental
SinopsisA DIALÉCTICA DO SIGNO por Roberto Farona

(...)

"Dada a súa natureza conceptual, moitos tomaron a poesía concreta (asimilándoa coa visual) como se se tratase dun xeroglífico ou unha adiviña a resolver, un erro comprensible pero artisticamente funesto, porque a creación esgotaríase no seu propio xesto. Culpa disto, en ocasións, tívoa a autocompracencia dos artistas exhibindo o que non son outra cousa que chacotas. Iso é devolver o artista a unha visión ególatra desde a torre de marfil, que tanto ten degradado a súa imaxe social.

Se non somos sinceros, estamos a enganarnos. Non podemos deixar que outros vivan a vida no noso lugar. A poesía visual, e por extensión, a experimental, non é un pasatempo, como obra artística que é, debe responder ás inquietudes do ser humano, identificándose con el, indagando no seu devir. Este creador é unha persoa que comparte a súa vida con outros, respirando o mesmo ar. Vive no mundo e está na rúa, onde a vida fermenta. Trata de coñecer o mundo e coñecerse a si mesmo de paso, intentando dar resposta a través das súas obras, ás súas propias preocupacións e ao devir do home. A natureza da súa obra é a vida mesma en todas as súas dimensións. Se exploramos no noso interior, cada un de nós descubrirá a vía a seguir en cada caso...//...

TituloACCION VIVA (...//...)
AutorMANUELA VILLA
PublicacionEL PAIS DE LAS TENTACIONES
Dia19Mes11Año2004Página12
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisEbent 04 / Arte10.com
club 8 difusió de la performance presenta, del 24 de noviembre al 5 de diciembre, la cuarta edición de eBent Festival internacional de performance de Barcelona en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, el Convent de Sant Agustí y el Espai Jove Boca Nord. A su vez y como novedad, La Casa Encendida de Madrid acogerá el festival de performance los días 4 y 5 de diciembre.

eBent'04 presenta el panorama de la escena performática actual con la participación de artistas de diferentes tendencias provinentes de todo el mundo y con la presencia de los principales artistas tanto nacionales como internacionales. eBent, con sus tres ediciones anteriores, se ha consolidado como una de las principales referencias del arte de acción en nuestro país y aspira a convertirse en un punto de referencia internacional, tanto por la muestra de performance como por la creación de un discurso teórico que permita ensanchar los límites del arte de acción. Con eBent'04 continua la tarea de divulgación de la performance, presentando una muestra del arte de acción de hoy día insistiendo especialmente en abrir la performance al público en general con una actitud decididamente didáctica. eBent'04 quiere continuar la tarea de reflexión teórica iniciada el año pasado para crear un discurso actualizado dentro de la práctica de la performance. Como en la tercera edición, este año también habrá un enfoque temático con el objetivo de crear un discurso claro y coherente más accesible al público general, no especializado.

El festival se desarrollará en torno a cuatro grandes actividades: charlas, conferencias y talleres sobre la teoría y la práctica de la acción, a cargo de estudiosos provinentes del mundo académico y de los mismos participantes; una muestra de performances en vivo; una sección de vídeos de performance y videoperformance, como muestra de lo que se está haciendo hoy en el resto del mundo; y, finalmente, se celebrarán actos complementarios entorno a la performance.

Tras los cambios que se introdujeron en la estructura del festival y que se tradujeron en un aumento sustancial de público, eBent’04 quiere profundizar en las vertientes teórica y didáctica del festival. Por un lado Josep Asunción y Gemma Guasch, artistas plásticos, performers y también docentes, harán una introducción que permitirá al público contextualizar las acciones que se presentarán durante el festival y, por otro lado, los performers hablarán de su trabajo para situar sus acciones en su contexto más concreto y dentro del conjunto de su obra. Por su parte y como en la anterior edición, la antropóloga Déborah Puig-Pey ofrecerá una visión más amplia de la performance saliéndose del marco de lo estrictamente artístico con la voluntad de ensanchar límites y romper barreras dentro del mundo de la performance. Finalmente está previsto que la crítica de arte Marta Pol haga una conferencia en torno a la performance y la acción directa.

TituloGRAFOLOGIA, ARTE Y CREATIVIDAD
AutorCESAR REGLERO / ANTONELLA PROT
PublicacionME&TE
Dia0Mes9Año2004Página127
MateriaArte postal,Arte experimental
SinopsisAmplio reportaje de César Reglero sobre un proyecto de investigación realizado por un equipo de CIG-Consultor sobre la grafía de los artistas.
Para ello se contó con las escrituras manuscritas de aproximadamente mil artistas y dos centenares de obras de una muestra de mail art en la que se solicitaba a los participante que sus composiciones estuvieran basadas en su propia escritura.

El proyecto fué presentado en la Facultad de Psicología de la Universidad de Tarragona (España) -donde también se realizó la exposición-y en el Colegio de Psicólogos de la misma ciudad. Asi como en en el tercer y cuarto Simposio de Arte Contemporáneo de Verbania (Italia).

La edición del libro en el que se van a recoger los resultados de la experiencia correrá a cargo de Ediciones Kaikron y está prevista su aparición en el 2005.Los autores del libros, además de César Reglero, son María Luz Zamora y Agustín Calvo.

En la misma revista aparece un artículo de Antonella Prota que bajo el título "Dalla Mail Art alla grafología" hace una introducción al mail art y establece un recorrido en perspectiva hasta entroncarlo con el trabajo de investigación señalado.


TituloEfectos Secundarios
AutorNota de prensa
PublicacioneBent´02
Dia1Mes12Año2002Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Performance
Sinopsis Festival internacional de performance

Efectos secundarios de una lectura tardía y apresurada de la novela de Juan Marsé "Si te dicen que caí": derivas urbanas de Pulgu y Nel Amaro en compañía de Pijoaparte
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Tras la lectura, tardía y apresurada y, sin embargo, apasionada, de la novela de Juan Marsé, Pulgu, perro situacionista, y Nel Amaro, se lanzan a la aventura urbana de recorrer una ciudad, para ambos entrañable y admirada, como es la ciudad de Barcelona. Lo hacen en compañía de un emblemático personaje literario, Pijoaparte, realizando dos "derivas" con desiguales resultados, de los cuales darán cumplida cuenta llegado el momento. Mientras Pulgu se adentra en la "cartografía" de la citada novela (calles como Cerdeña, Diagonal, Lesseps o lugares como el hotel Ritz, el cine Roxy o el bar Alaska) a la búsqueda de "personajes" tan extraordinarios y sugerentes como Sernita, Javá, Guillén, Juanita la Trigo o la Madre de Luis (pajillera en el Roxy), para ofrecer posteriormente prueba gráfica (diapositivas) y literaria (un texto titulado "Barcelona") de su "callejeo", Nel Amaro intentará rescatar lugares (bar "Funicular" en la calle Girona, "El Belén" una tienda de comestibles en la misma calle anterior o el nº 47 de la calle Caspe) y personas (Picard. de la Ossa, Xavier Garriga, Antonia Fortes o la. portera Ana Sánchez) que vivieron unos sucesos acontecidos en la Barcelona de 1973. Sus pesquisas y logros o fracasos serán expuestos finalmente al publico.
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Nota biográfica
Nel Amaro (Mieres, Asturias, 1946).- Realiza su primera acción en Madrid (II F.I.A.R.P.) en 1992. Pero será a partir de marzo de 1995 cuando, en compañía de Abel Loureda y formando el colectivo Espacio Arte Excéntrico, haga de la "acción" su. principal práctica "artística" (¿?), participando en Festivales y Encuentros (Madrid, Barcelona, Zaragoza, P. de Mallorca, Coslada...) y coordinando Festivales en Pola de Lena (1995-2001) y Turón (1998-2001). Tras la disolución del E.A.E., en octubre de 2002, pone en marcha el "proyecto" Fundación Perruno-Situacionista "Laszlo Kovacs" con su perro Pulgu, coordinando en junio de este año "ArteNativa"(P. de Lena) y realizando acciones y situaciones en Asturias (Oviedo, Gijón, Avilés, Corvera, Moreda, etc...) y en Pontevedra, Segovia, Punta Umbría y Moguer.

Pulgu (Madrid, 1948).- Hijo de una dálmata ilustrada y de un pastor alemán filonazi y poeta, estuvo afiliado al Partido Comunista. de España (PCE), conoció a Guy Debord en Paris (¡1968!) haciendo suyas las teorías "situacionistas". Vive en Turón (Asturias) desde agosto de 1998, donde hace únicamente lo que quiere y mejor "sabe hacer": mear, cagar, comer, dormir y perseguir a perritas de buen "pedigrí".




TituloVito Hannibal Aconci en el Macba
AutorRedacción
PublicacionEuropa Press
Dia13Mes11Año2004Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisVito Hannibal Aconci en la temporada de exposiciones de 2005 del MACBA


El museo prevé superar los 400.000 visitantes este año

BARCELONA, 5 (EUROPA PRESS)

Las exposiciones de Vito Hannibal Acconci Robert Frank, Francis Alÿs, Günter Brus, Jo Spence, el proyecto 'Desacuerdos' y la colección del museo son algunas de las muestras destacadas que el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) presentará en la temporada 2005.

El director del MACBA, Manuel Borja-Villel, aseguró que en la temporada del próximo año el centro apuesta, por un lado, por una línea de "figuras clave" de los últimos 50 años como Frank o Gruss, y por otras exposiciones de pequeño formato y que permitan el diálogo entre artistas sin caer en la exposición colectiva.

El director del museo también destacó la exposición 'Vito Hannibal Acconci Studio', una "figura muy importante" que "rompió fronteras" pasando de la poesía a la arquitectura pública. Este montaje, que se verá del 18 de noviembre al 14 de febrero, pretende presentar las obras de Acconci a través de su propia voz.

Esta exposición recoge la singular trayectoria artística de Vito Acconci desde mediados de los años sesenta hasta principios de los ochenta e incluye poesías, performance, fotografía, cine y vídeo, una selección de instalaciones, maquetas y proyectos arquitectónicos.

Vito Acconci (Nueva York, 1940) inició su trayectoria artística como poeta a mediados de los años sesenta, con el nombre de Vito Hannibal Acconci. En sus creaciones trataba la página en blanco como un espacio en el que se podía actuar, utilizando las palabras como elementos para el movimiento, y la página como un contenedor. Sus acciones poéticas se desplazaron del papel al espacio de la galería, evolucionando hacia las performances en las cuales reflexionaba en torno a su propio ser físico y psicológico. Tanto en las performances como en sus instalaciones de primeros de los años setenta, la figura del artista siempre se encontraba presente, fuera físicamente, fuera través de filmaciones o de grabaciones de su voz, cuyo sonido ofrecía al visitante una experiencia sensorial intensa. Proponía una nueva definición del objeto material y un espacio de experiencias comunes entre el espectador y el artista al borrar las fronteras tradicionales entre un artista y su público, un objeto y un acontecimiento temporal, una obra de arte y su existencia en un contexto espacial y/o social.

Su interés por el espacio le llevó a crear a principios de los años ochenta el Acconci Studio, célula de trabajo que agrupaba a arquitectos y artistas cuyas investigaciones se desarrollan a escala arquitectural y proponen intervenciones de tipo medioambiental y arquitectónico. El poder de las propuestas del Acconci Studio en las que el artista mantiene su compromiso con el lenguaje, el cuerpo y su relación con el espacio, consiste en repensar drásticamente las definiciones de espacio público.

El MACBA elaborará, para este proyecto, un banco de datos que contendrá más de trece horas de obras de trabajo sonoro realizado a partir de los años setenta, incluyendo una parte importante de material inédito.

TituloANTONI MIRÓ: "DE LISBOA A NY"
AutorN.C.
PublicacionEL TEMPS
Dia9Mes11Año2004Página75
MateriaArte experimental
SinopsisAntoni Miró, artista multidisciplinar que se mueve en diversos terrenos, y entre ellos el mail art y la poesía visual, expone el la Galería Alba Cabrera, pinturas, pinturas-objeto y carpetas de obra gráfica, en un tema que siempre le ha inquietado: la ciudad, sus elementos y sus personas.Miró trabaja con técnicas digitales.

GALERIA ALBA CABRERA
PADILLA 5
46001 VALENCIA
Teléfono : 96.351.14.00
e-mail : alba_cabrera@hotmail.com

Nota Biogràfica

ANTONI MIRÓ naix a Alcoi en 1944. Viu i treballa al Mas Sopalmo. En 1960 rep el primer premi de pintura de l'Ajuntament d'Alcoi. En Gener de 1965 realitza la seua primera exposició individual i funda el Grup Alcoiart (1965-72) i en 1972 el Gruppo Denunzia en Brescia (ltàlia). Són nombroses les exposicions dins i fora del nostre país, així com els premis i mencions que se li han concedit. És membre de diverses acadèmies internacionals.


En la seua trajectòria professional, Miró ha combinat una gran varietat d'iniciatives, des de les directament artístiques, on manifesta l'eficaç dedicació a cadascun dels procediments característics de les arts plàstiques, fins la seua incansable atenció a la promoció i foment de la nostra cultura.


La seua obra, situada dins del realisme social, s'inicia en l'expressionisme figuratiu com una denúncia del sofriment humà. A finals deis anys seixanta el seu interès pel tema social el condueix a un neofiguratisme, amb un missatge de crítica i denúncia que, als setanta, s'identifica plenament amb el moviment artístic "Crónica de la realitat", inserit dins de les corrents internacionals del pop-art i del realisme, prenent com a punt de partida les imatges propagandístiques de la nostra societat industrial i els codis lingüístics utilitzats pels mitjans de comunicació de masses.


Les diferents èpoques o sèries de la seua obra com "Les Nues" (1964), "La Fam" (1966), "Els Bojos" (1967), "Experimentacions i Vietnam"(1968), "L'Home" (1970), "America Negra" (1972), "L'Home Avui" (1973), "El Dòlar" (1073-80), "Pinteu Pintura" (1980-90) i "Vivace" des de 1991, rebutgen tota mena d'opressió i clamen per la llibertat i per la solidaritat humana. La seua obra està representada en nombrosos museus i col.leccions de tot el món i compta amb una bibliografla abundant que estudia el seu treball exhaustivament.


En resum, si la seua pintura és una pintura de conscienciació, no és menys cert que en el seu procés creatiu s'inclou un destacat grau de "conscienciació de la pintura", on diverses experiències, tècniques, estratègies i recursos s'uneixen per a constituir el seu particular llenguatge plàstic, que no s'esgota en ser un "mitjà" per a la comunicació ideològica sinó que de comú acord es constitueix en registre d'una evident comunicació estètica.




TituloCÓPULA METRONÓMICA
AutorJACINTO ANTÓN
PublicacionEL PAIS
Dia3Mes10Año1987Página29
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisMariaelena escenificó varios orgasmos en la Sala de Arte Contemporáneo Metrónomon, mientras el músico y performancer Carles Santos entonaba una melopea y agitaba en compañía de los 200 asistentes el miriñaque metálico de cinco metros de altura que contribuyó notablemente al climáx aéreo.Parece que la función culminó con un orgasmo colectivo provocado por la estronduosa fanfarria y el contoneo orgásmico de Mariaelena. DOCUMENTACIÓN: Como consecuencia de experiencias previas en el ámbito de la “performance”, que suponen un preludio a su dimensión teatral, a principios de los ochenta comienza a crear una serie de espectáculos escénico-musicales entre los que destacan Beethoven, si tanco la tapa...què passa? (1983) , Té xina la fina petxina de Xina?(1983) Arganchulla, Arganchulla Gallac,(1985), Tramuntana Tremens (1989), La grenya de Pasqual Picanya (1991), la ópera Asdrúbila (1992), L´esplèndida vergonya del fet mal fet (1995), Figasantos-fagotrop: missatge al contestador, soparem a les nou (1996), La Pantera Imperial (1996/97), Ricardo i Elena (2000) y como directos escénico El Barbero de Sevilla(2000).

Además de su producción escénica y musical, su afinidad con las plástica, que se manifiesta en sus escenografías en colaboración con Mariaelena Roqué, le ha llevado a exponer fotografías y textos poéticos en diferentes Museos y Galerías de Arte, como el EAC de Castellón o en las Salas Municipales de Exposición del Ayuntamiento de Girona, muchas de las cuales se inspiran en temas de sus espectáculos.







TituloElías Adasme: de Chile a toda América
AutorHéctor Iván Monclova
PublicacionClaridad
Dia1Mes9Año1995Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Performance
Sinopsis


"El arte debe ser ineludible"
Con esta oración impresa en una camiseta pasea por las calles de Santiago de Chile. El hombre dentro de la camiseta reparte volantes con esa frase a la gente en un día incierto de un incierto Chile de arte urgente. La camiseta, pedazo de tela que en aquel momento y en aquella geografía incriminaba a su usuario -varias veces arrestado-, era una de las acciones de arte (happenings) en las que el artista chileno Elías Adasme se apoderaba del espacio público, siendo el artista un mural que pasea por los ojos de una realidad que intentaba transformar, socializando el arte como una vez estuvo el cobre de su suelo.

"Yo soy de una generación de cuando muchos procesos sociales se estaban agudizando" comenta el artista suramericano. "Toda esa época provoca un afán por cambiar la realidad, por hacer otra sociedad, otros modelos sociales. Vengo con esa formación. Ahora la misma historia nos ha dado la experiencia necesaria para saber en que forma fuimos eficaces y en que forma no lo fuimos".

La historia de este artista es paralela a la de un proceso en la plástica latinoamericana y la de un procerso histórico en el continente. Su llegada a la vida cultural en sus días de adolescente se dió en aquellos años en que el voto chileno llevó al poder a un momento idílico para el hemisferio, que se conoció como el gobierno de la Unidad Popular dirigido por el presidente Salvador Allende Gossens.

"Recuerdo con mucha nostalgia hasta el día de hoy ese periodo, porque había mucha cultura en todas partes. En los campos, en las ciudades..." evoca Adasme. "El tren de la cultura que recorría de norte a sur. En la plataforma de política cultural del gobierno de Allende había mucho énfasis en la culturización del pueblo. De hecho, participé en brigadas de alfabetización. Tenía de dieciseis a diecisiete años. Esos tiempos son muy decisivos para marcar lo que ahora yo llamaría una conciencia de identidad nacional y una conciencia de identidad continental".

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Héctor Iván Monclova



TituloPostal Service Tale
AutorBen Sisario
PublicacionNew York Times
Dia6Mes11Año2004Página0
MateriaArte postal,Arte experimental
SinopsisPostal Service Tale: Indie Rock, Snail Mail and Trademark Law

In honor of their working method they called themselves the Postal Service. Their album, "Give Up," was released by the Seattle-based Sub Pop Records in early 2003 and became an indie-rock hit, eventually selling almost 400,000 copies, the label's second biggest seller ever, after Nirvana's "Bleach."

Then they heard from the real Postal Service, in the form of a cease-and-desist letter.

"It was really polite," said Tony Kiewel, an artist and repertory representative at Sub Pop who works with the band. "It said that the Postal Service is a registered trademark of the United States Postal Service, and that though they were very, very flattered that we were using the name, they need to enforce their copyright."

The letter arrived in August 2003, and for months the label and the band fretted over the consequences: Would the band have to change its name? Would Sub Pop have to destroy its stock of the album?

The outcome was as unusual as the band itself: this week the United States Postal Service - the real one, as in stamps and letters - signed an agreement with Sub Pop granting a free license to use the name in exchange for working to promote using the mail. Future copies of the album and the group's follow-up work will have a notice about the trademark, while the federal Postal Service will sell the band's CD's on its Web site, potentially earning a profit. The band may do some television commercials for the post office.

The group also agreed to perform at the postmaster general's annual National Executive Conference in Washington on Nov. 17.


TituloARTE PUTREFACTO
AutorJACINTO ANTON
PublicacionEL PAIS
Dia2Mes8Año1987Página22
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
Sinopsis
En su diario, Dalí explica que con sus amigos de instituto utilizaban el término "putrefacto" para designar a un determinado tipo de gente, como el mismo director del instituto. Y el mismo término se puso de moda en el ambiente cultural de Madrid en los años 20 para designar lo pasado de moda.

No sabemos si el colectivo plástico Los Rinos -70 años después- estaba lanzando un mensaje subliminal al ser humano con la instalación que desarrollaron en L´Hart 87, lo cierto es que su montaje con despojos de animales, incluso animales enteros, producía un hedor insoportable pero..., tuvo efectos imprevistos por cuento biólogos de reconocido prestigio que examinaron la instalación llegaron a la conclusión de que la vida en el recinto había aumentado de forma desproporcionada. Unos enormes gusanos blancos e infinidad de larvas no prevista invadieron el local con el consiguiente mensaje de que la vida precede a la muerte. Los propios miembros del colectivo estaban asustados ante la dimensión que había adquirido la experiencia.

TituloEL FESTIVAL DE POLIPOESIA PROPOSTA
AutorCATALINA SERRA
PublicacionEL PAIS CULTURA
Dia4Mes11Año2004Página50
MateriaPolipoesia,Arte experimental
SinopsisPROPOSTA és un aparador anual de la creació poètica contemporània, sobretot d’aquella més arriscada i més oberta. es tracta de propostes que van més enllà del text i que aposten per un contacte directe amb el públic, ja sigui a través de l’oralitat o a través del diàleg amb altres disciplines. PROPOSTA vol acollir la vitalitat de la poesia d’avui dia, una poesia que supera el format del llibre i que aprofita totes les possibilitats i els canals d’expressió que té a les mans i, per aquest motiu, el festival compta amb actuacions en directe, conferències, projeccions i l’edició d’un catàleg amb tota la informació referent al festival i un cd amb treballs sonors d’alguns participants.

en les quatre edicions anteriors, PROPOSTA ha demostrat, des d’una visió oberta i actual de la literatura, que la poesia pot arribar a un públic ampli a través de formes ben diverses. el festival ha esdevingut un dels escenaris poètics de referència a europa i, sobretot, un canal d’entrada de noves propostes per als creadors i públic en general a barcelona. és, doncs, un festival literari que va més enllà de l’estreta visió que redueix la poesia al llibre i que busca nous formats expressius. el festival està organitzat pel col•lectiu projectes poètics sense títol-propost.org juntament amb el centre de cultura contemporània de barcelona.

seccions / sections:
obertura i cloenda : toc d’inici i de final del festival
intermèdia : actuacions en directe de poetes internacionals
ausculta: un espai per estar, escoltar i veure. i parlar.
video: zebra awards
exposició: keith haring i william burroughs “apocalypse”


TituloFuntastic United Nations...
AutorVittore Baroni
PublicacionHeterogenesis
Dia0Mes10Año2003Página0
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisFuntastic United Nations:
Por una creativa desglobalización
de las culturas

La historia del arte postal, un fenómeno internacional que nació del tumulto del counter-cultural de los 60 y experimentaciones multimedia ha estado estrechamente ligado al concepto de utopía (no la banda rock), o el sueño de un estado ideal (de mente, pero también geográfico) donde la gente de todos los colores y creencias puedan trabajar unidos en todo tipo de proyectos. Este sueño es, a menudo, referido como “The Eternal Network”; una red de buenas relaciones superando toda diferencia racial y lingüística. Tal vez algo similar con un tipo de “globalización” artística, pero en arte postal la diferencia creativa y la multiplicidad de perspectivas son normalmente estimuladas, no destruidas y pasadas a llevar. Todos somos iguales pero diferentes, como copos de nieves, no gotas de agua.

El sueño es/fue audaz, sí, un salto cuántico de las fijas y consumísticas reglas del mercado del arte y del sistema del arte-”star”, pero también un poco imperfecto: de dos tercios del planeta (China, la mayoría de los países africanos, India, etc) realmente nunca surgió una participación en actividades de arte postal, y aun en los países occidentales la red postal, con frecuencia, fue principalmente confinada a una población de hombres blancos, de clase media del área literaria (debo agregar no completamente excenta de conflictos de ego). Los ideales utópicos terminaron siendo corruptos en la práctica diaria, pero eso es demasiado humano y predecible. Sin embargo, con todos sus límites y deficiencias, el arte postal sigue teniendo una base colectivista poderosa, un modelo trabajable de acción cultural de hazlo-tú-mismo.

Ni siquiera el rápido desarrollo de Internet en los 90 pudo convencer a los miles de artistas de arte postal en todo el mundo de descartar sobres y sellos postales, en favor de una más fácil y a menudo más económica comunicación digital. El e-mail resultó ser una invalorable ayuda para crear redes de trabajo, pero el incontrolado comercialismo de la mayoría de los sitios relacionados con el arte (y casi cualquier otra cosa que se ponga en la red) ha hecho del veterano “trabajador de red” un ser muy cauteloso y sospechoso del medio digital. Es tan fácil para el más honesto proyecto de tipo arte postal el ser malentendido o quedar completamente perdido en el vasto océano de la Internet. De todas formas, es el poder de la idea, no de la herramienta, lo que hace la diferencia.



Las nuevas herramientas vienen con pros y contras, al igual que un filudo (y más peligroso) cuchillo. Personalmente me gusta la Internet y la posibilidad de una comunicación casi instantánea con cientos de amigos de diferentes continentes, pero también creo que conceptos nuevos y más fuertes deben ser elaborados si queremos aplicar estrategias del arte postal en la web. En primer lugar, ya no debe estar centrado en Sistema Postal Internacional; entonces, ¿porqué no terminar de llamarlo arte postal? “Networking art” (Arte de Red) por ejemplo, parece ser una definición más abierta y pertinente, incluso de todas las aproximaciones expresivas: poesía visual, collage, arte audio, conceptual, etc. En Internet no estás limitado a una audiencia de amigos, un círculo más o menos restrictivo de artistas (aficionados) bien versados en las tradiciones avangardistas; te estás dirigiendo a una audiencia mucho más amplia y heterogénea. El tipo de proceso de comunicación ya no implica más un cambio literal uno-a-uno, sino un acto interactivo uno-a-muchos.
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TituloEl difícil diálogo entre la palabra y la imagen
AutorDebora Luján
PublicacionEl Mundo
Dia24Mes10Año1999Página0
Materia
Sinopsis La Politécnica acoge una exposición sobre 'El libro de Artista' con obras de Picasso, Juan Gris, Miró y Chillida. El libro como obra de arte. Este es el objeto de la exposición Páginas singulares. El libro del artista, que acoge la Universidad Politécnica hasta el próximo 5 de noviembre. Gestada durante dos años, la muestra se nutre de originales ilustrados por Juan Gris, Picasso, Chillida, Miró y Saura, entre otros artistas. Valgan como síntesis de la exposición las palabras de Leonardo da Vinci que cita Rocío Santa Cruz: "Vosotros que queréis representar con palabras el universo, olvidaos de ello, ya que cuantas más descripciones hagáis, más confuso quedará el lector. Es necesario dibujar".

Según explica el profesor de Bellas Artes Antonio Alcaraz, también comisario de Páginas singulares. El libro del artista, la exposición estaba concebida en un principio más modestamente y se ceñía sólo a autores jóvenes y a ediciones realizadas en España. Sin embargo, tras entrar en contacto con Rocío Santa Cruz —que también ha comisariado la muestra y que tiene una editorial en París—los horizontes se fueron ampliando. "Por este motivo, casi la totalidad de los libros que se exponen han sido editados en España o Francia, a excepción de Viva Octubre de Helios Gómez, que fue editado en Bruselas, y Tagebücher de Saura, que lo fue en Alemania", indica Alcaraz. "El criterio de selección fue que los libros estuvieran editados con gráfica original, numerados y firmados por los autores", añade.

Abre la exquisita muestra el volumen más antiguo de todos los que se exponen: Il était une petite pie de Miró y Lise Hirtz, editado en 1928 con la apariencia de una cartilla escolar. De 16 años después es el volumen Lettres d'Espagne, escrito por Prosper Merimée e ilustrado por Clavé, que se publicó en el París de 1944 en la más pura tradición del libro ilustrado con litografías originales del siglo XIX, explica Antonio Alcaraz.

La muestra también incluye la obra Au soleil de plafond de Juan Gris, el último libro en el que participó el artista y que dejó inconcluso porque le sobrevino la muerte. Como indica Alcaraz, "las ilustraciones de Gris son trabajos litográficos realizados sobre piedra e impresos manualmente en las prensas de Mourlot en París y en ellas se pueden apreciar incluso los registros de agujas que caracterizan la impresión en color en la estampación manual". Completan la muestra trabajos de Picasso, Brossa, Tàpies y Saura, entre otros.

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TituloJ. M. CALLEJA Y LA POESÍA EXPERIMENTAL
AutorLaura López Fernández
PublicacionEscáner Cultural
Dia0Mes6Año2004Página0
MateriaPoesia experimental,Arte experimental
Sinopsis


J. M. CALLEJA Y LA POESÍA EXPERIMENTAL

Por: Laura López Fernández

A modo introductorio, para quien no conozca mucho la obra de J. M. Calleja, debemos decir que se trata de un artista multifacético que proviene del mundo de la imagen. Es, entre otras cosas, realizador de filmes s.8 m/m, fotógrafo, autor de instalaciones, performer, poeta visual y experimental. En su obra poética lo que primero salta a la vista es su especial uso del espacio y el carácter erudito y detallista de los motivos tratados. Tiene una especial habilidad en el manejo de lenguajes muy diversos -musical, mitológico, cartográfico, tecnológico...- y en la difícil conjugación de elementos dispares como letras, fonemas, símbolos, íconos, animales, insectos, etc. para crear una obra ciertamente provocadora que es consciente de las huellas del pasado pero que entra en diálogo con el arte contemporáneo creando nuevas arquitecturas poéticas entre la imagen, el sonido y el verbo, esos viejos amigos inseparables que llevamos dentro desde siempre.

P. ¿Calleja crees que la poesía convencional está en crisis?

La poesía convencional, como otros ámbitos de la creación, está en crisis desde hace años. La globalización que el mundo nos impone, la rapidez en que los cambios tecnológicos están influyendo en la creación artística, el gran bombardeo publicitario y vacuo que los medios de comunicación constantemente nos envía... todo ello nos lleva a una inestabilidad en los conceptos y fundamentos estéticos "clásicos".

A lo largo de la historia cíclicamente la poesía ha ido teniendo sus crisis temporales. La poesía (el poeta era también el mago y el chaman de la tribu) se empleaba antiguamente en rituales religiosos y transmitía todos unos conocimientos esotéricos. Cuando pasó de la oralidad a la escritura, perdió la magia y el misterio que la envolvía, y apareció la primera crisis.

En diferentes épocas a lo largo de la historia podemos nombrar diferentes conmociones poéticas importantes: las primeras poesías en lengua vernácula, el Renacimiento, el Romanticismo, el Simbolismo, el Dadaísmo, el Futurismo, la Poesía Social...

En todas las conmociones poéticas el lenguaje asentado, hasta aquel momento histórico, fue lentamente disgregándose y mutando hasta llegar a una nueva cristalización. Y en esos momentos considerados de crisis y decadencia cultural es cuando las actitudes de experimentación cobran mayor vigor.

La poesía convencional, con sus artrosis y sus hallazgos, y la poesía experimental, son ramas de un mismo árbol que miran hacia direcciones opuestas sin que una invalide la otra.

Hoy día la poesía convencional esta en crisis porque solamente representa, imita, reproduce... Es una poesía mediatizada por una vida vulgar y rosácea; con un lenguaje que arrastre una semántica enajenada en subterfugios de la sintaxis.

El contenido de las palabras ahoga todas las otras posibilidades poéticas: fonéticas, visuales, combinatorias, lúdicas... en pos de una funcionalidad de reglas y sentidos cartesianos.

Quizás tengamos miedo a la libertad que comporta la idea estética de Kant de que ciertas experiencias artísticas superan nuestra comprensión . Eso nos intimida y nos horroriza; todo ha de estar perfectamente delimitado, estructurado, codificado...

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Para ver el artículo completo
http://www.escaner.cl/escaner62/articulo.html

TituloWE DARE ...
AutorNILO CASARES
PublicacionART.ES
Dia11Mes12Año2003Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisTraducido al inglés por Mervyn Samuel
We dare…

In October 2003, using a postal copy and pass system with the explicit warning that it was not a piece of mail-art, Marc Florant Contemporary Art convened an auction of mail-art works in Paris with the challenging motto, We Dare, stressing the need to abandon a marginal existence to justify the moment for holding an auction of this type. This We Dare must certainly have expected to confront what had been the reaction of mail-artists on previous occasions, and an early reply came from the Spanish artist César Reglero, Coordinator of the Templo del Sol and of the site , and the Uruguayan Clemente Padín, , in a joint letter inviting a reply to this initiative; the different reactions can be seen in the site of CR.

Mail-art is generally attributed to Ray Johnson (1927-1995), when in 1955 he started to send postcards of his moticos, a term he employed to distinguish his collages. However, it was in 1962, as a result of the foundation of the New York Correspondence School (which soon changed its name to New York CorresponDANCE School), that mail-art was founded under the simple formula of reviving the old exquisite corpse, replacing the presence of the participants by a network of correspondents under the motto of add to and return to Ray Johnson.

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TituloEL DESENCUENTRO
AutorROBERTA BOSCO
PublicacionEL PAIS
Dia11Mes10Año2004Página8
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
Sinopsis¿Qué pasa cuando el artista y el comisario no se ponen de acuerdo a la hora del montaje de la exposición?

Asi ha sido planteada la exposición de Nedko Solakov en el Centro de Arte de Santa Mónica en Barcelona. La crónica nos informa de que pueden suceder las cosas más extraordinarias cuando esto sucede.

Pero realmente es imposible plantearlo brevemente, asi pués, sólo nos queda hacer acto de presencia.

DOCUMENTACION:
El Centre d¿Art Santa Mònica (CASM) continúa en su línea de exposiciones simultáneas de obras realizadas para la ocasión por artistas contemporáneos de distintas nacionalidades. A partir del 10 de octubre, puedes acercarte a ver los trabajos de Pep Agut (Terrassa, 1961), que continúa con su particular exploración de la línea que separa la representación de la realidad; Graham Gussin (Londres, 1960), que presenta dibujos, vídeos y texto sobre nociones como tiempo, escala y espacio; y Nedko Solakov (Cherven Briag, Bulgaria, 1957), y sus relatos llenos de humor sobre fenómenos culturales, realizados en distintos soportes. En la foto, la obra Telón de fondo (2004), de Graham Gussin.

Pep Agut, Graham Gussin, Nedko Solakov
CASM.
(La Rambla, 7).
Del 10 de octubre al 6 de diciembre.

TituloLos novísimos del Arte
AutorAngela Molina
PublicacionEl País Semanal
Dia12Mes9Año2004Página127
MateriaArte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisLos novisimos del arte, aquellos que han tomado el relevo de Barceló, Sicilia, Campano, etc. Opinan, entre otras cosas, sobre la figura del marchante, el arte contemporáneo, el arte de masas o el arte fuera de los museos y las galerías.

Sergio Prego:...//... Yo no he conocido la figura del marchante, supongo que se ha mutado y convertido en gestor cultural o comisario...//...

José Manuel Ballester: ...//...Se persigue un arte universal que sea válido en cualquier parte del mundo...//...los marchantes y mecenas tratan de buscar en esta maraña interminable de carreteras...//

Patricia Dauder: ...//... hay artistas que funcionan de manera autónoma, sin marchantes, galerias, comisarios ni gestores culturales ...//...

Rogelio López Cuenca: ...//...lo que creo es que se ha sobrevalorado el papel de juez y parte interesada...//...

Marti Guixé: ...//... para mi está más presente la figura del productor de proyectos...//...

Luis Vigil: ...//... el éxito del artista es una batalla que se libra en su propio cerebro, el triunfo profesional es otra cosa...//...los marchantes ocupan ahora los puestos de los curas,...es decir, se trata de vender cosas que no existen...//...

Eulalia Valdosera: ...//... el marchante, el gestor o el mediador, me parecen figuran incompletas o con grandes carencias...//...

Angeles Agreles: ...//... hay profesionalidad en los niveles más altos, pero no en la base y es el artista el que paga las consecuencias...//...

Pedro G. Romero: ...//...hasta valores seguros como los Barcelós, se sostienen sólo por el gran capital de riesgo...//...

OTRAS OPINIONES:

Juan Vicente Aliaga: ...//...solamente las obras investidas de una aureola de escándalo llegan al gran público...//...El morbo se ha convertido en un señuelo que hacen el arte más digerible

José Miguel Cortés: ...//...el arte debe dejar de ser contemplación para pasar a ser participación...//...

Bertomeu Marí: ...//...el problema del arte al salir de su espacio, es que ya no se distingue de lo que le rodea...//...

Lourdes Fernández: ...//...el hecho de que el arte se haya integrado en la vida cotidiana, no quiere decir nada, sigue estando en manos de unos pocos y entendiendóse por una minoria...//...

González de Durana: ...//... el arte no se puede valorar por los records de audiencia, el arte contemporáneo siempre ha ido por delante de su tiempo y ha sido cosa de minorias...//...

Manuel Borja Villel: ...//... el arte de masas a menudo no es más que una operación turística, propagandística o política,...//...

TituloLimes 2003
AutorXimena Narea
PublicacionHeterogénesis
Dia0Mes6Año2004Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
Sinopsis
PRESENTACIÓN:

Limes es un proyecto artístico-cultural que une a artistas y trabajadores de la cultura de distintos rincones del mundo en un espacio de encuentro para el intercambio de ideas y experiencias. Los espacios pueden ser instituciones culturales de carácter nacional (con reconocimiento internacional), como un museo, o lugares ajenos al mapa de instituciones reconocidas por la cultura tradicional, como un bus de la locomoción colectiva.

El concepto
El origen del concepto tiene que ver con el limes romano, donde se apostaban ejércitos del imperio para proteger los límites de la civilización romana en contra de los bárbaros. El limes era no sólo un lugar militar sino una franja de tierra que era cultivada por el ejército para cubrir sus propias necesidades. Muchas veces, los bárbaros se enrolaban en el ejército romano y podían gozar de los privilegios que esta situación brindaba. Lo interesante en este cuadro es la mezcla de elementos culturales que este limes va acumulando con la incorporación de elementos “foráneos” a la cultura “oficial”. Esa franja constituía una tierra intermedia entre una cultura que se iba momificando y la no-cultura que pupulaba de habitantes deseosos de “pertenecer” a la cultura y que terminarían por minar y apoderarse del poder, llegando a formar una nueva hegemonía.

En la era de la globalización no hay ejércitos que separen la cultura hegemónica de las culturas periféricas en lugares determinados. La hegemonía de la globalización ha traspasado todas las fronteras y se ha apostado en el corazón de culturas que hasta hace poco se creían “independientes”. Esto hace que los limes o franjas inter-culturales sean ahora virtuales y estén dentro del espacio cultural globalizado que ha creado la nueva hegemonía. Limes es una franja cultural virtual donde se producen encuentros entre distintas expresiones artísticas cuyos protagonistas y público provienen de distintas áreas geográficas, culturales y artísticas.
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TituloAmodanea, manifestazione artistica internazionale
AutorEttore le Donne
PublicacionL´Oracolo
Dia11Mes9Año2004Página0
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisL´ultima edizione di Almodanea, manifestazione artistica internazionale che vedeva la participazione di artista performer o della mail art.

Gianni Broi ha presentato un sorridente autoritratto da dividere in 50 francoboli.
Anna Boschi induce a pensareche le poesie sono leggero come le piume
Fulgor C. Silviha partecipato con alcune radio superanntenate (Mass Media)
Giancarlo Pucci, performer, attuava la serie dei travestimenti Sandwich Man.
Giovanni e Renata Strada davano vita al Il ritorno di Marinaio
etc.

TituloBIENAL SAO PAULO, TERRITORIO LIBRE
AutorJUAN ARIAS
PublicacionEL PAIS
Dia27Mes9Año2004Página37
MateriaPoesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisHasta el 19 de Diciembre tendrá lugar esta importante Bienal que, por primera vez, prescindirÁ de las grandes figuras universales para dar paso a nuevos valores. El ministro de cultura, Gilberto Gil, ha declarado que la Bienal, además de un carácter artístico, debe tener también una función política y social, bajo el lema de que el arte debe ser un espacio sin dueño y un ejercicio de libertad.

DOCUMENTACIÓN:


26ª Bienal de São Paulo: Território Livre

Lugar de exposición


La Bienal de São Paulo de este año se lleva a cabo nuevamente bajo la dirección artística de Alfons Hug. Después de haber centrado la edición de 2002 en la temática de las megalópolis y las influencias que las energías urbanas ejercen sobre el arte, Alfons Hug declara ahora a la 26a Bienal como un "Territorio Libre", como una "región extraterritorial, en la que los artistas construyen sus colonias utópicas".

En su texto curatorial (del cual proceden todas las citas) expresa su escepticismo frente a la multiplicidad de estrategias documentales, que en los últimos años han invadido las grandes exposiciones internacionales. Estos análisis científicos, reportajes y discursos sobre la realidad, subestiman las posibilidades de los procesos estéticos. Por esta razón, aboga por un arte que "revela aquellas capas internas del mundo que necesariamente permanecen ocultas a las miradas superficiales, sean estas de naturaleza política o sociológica".

Sobre su concepto de "Territorio Libre", escribe Alfons Hug, entre otras cosas: "Los artistas crean un territorio libre de dominación y, con él, un mundo opuesto al mundo real: un país del vacío, del silencio, de la introspección, en el cual el frenesí que nos rodea es detenido por un instante. Pero es también un país de enigmas, en el cual se codifica la avalancha de mensajes simplistas que brotan de los semilleros del kitsch. Al romper fronteras materiales, el artista se convierte en contrabandista de imágenes entre las culturas."


En la 26ª Bienal de São Paulo participan 135 artistas y grupos:

>> Listas de artistas

Textos del curador en jefe Alfons Hug:

Territorio libre
(acerca del tema de la Bienal)

Contrabandistas de Imágenes
en la Tierra de Nadie del Arte
(acerca del concepto de la Bienal)

La Bienal como territorio libre


25 de septiembre -
19 de diciembre 2004

Organizador:
Fundação Bienal de São Paulo

Curador en jefe:
Alfons Hug


TituloEL SPAI JOAN BROSSA Y JULIO CORTAZAR
AutorIsrael Punzano
PublicacionEL PAIS
Dia24Mes9Año2004Página40
MateriaArte experimental
SinopsisPara traducir la plasticidad poética de la narrativa de Cortázar, se ha optado por una escenografía humilde que representa un café con una decoración minimalista e íntima.


DOCUMENTACIÓ:

Julio Cortázar (1914-1984) és sobretot conegut com a escriptor de narrativa. Destaca dins de la seva producció la seva particular poètica del conte. Només amb dues incursions a la literatura teatral –Los Reyes i Nada a Pehuajó-, la seva presència, no obstant això, no és aliena als escenaris. La seva desbordant imaginació ha servit de font d’idees per a múltiples propostes d’investigació contemporànies. Entre totes les seves obres, Rayuela ha estat la que més muntatges teatrals ha inspirat.

Cova Cortázar reuneix tres obres amb un denominador comú: l’ús de la primera persona, tan pròpia del teatre, i unes formes –el diari i la carta- que permeten el monòleg. La dramatúrgia de l’escriptor proposa un espai real –un cafè, un lloc freqüent en l’obra de Cortázar- on cinc personatges viuen les seves particulars històries. Aquest ha estat el punt de partida. Ara que les tres obres conformen un univers teatral propi, descobrim que Cova Cortázar ens permet apropar-nos a l’univers de la neurosi contemporània, en què tres dones es debaten per conservar una identitat i integritat en un món desordenat que demana a crits ordre, però que rep una proposta d’ordre aniquiladora. Totes tres dones busquen sobreviure essent autèntiques.



TituloDOCUMENTA 12 / ROGER BUERGEL
AutorCATALINA SERRA
PublicacionEL PAIS
Dia22Mes9Año2004Página47
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisRoger Bourgel adelanta los principio básicos en los que se basará Documenta 12 a celebrar en el 2007 en Kasell.

A grandes rasgos Dokumenta es una de las exposiciones de arte contemporáneo más importantes del mundo que se realiza cada 5 años por un período de 100 días en la ciudad de Kassel, Alemania. La próxima versión, número 12, será entre el 16 de Junio y el 23 de Septiembre del año 2007, de la que Buergel es el director artístico

TituloPoesía e imagen
AutorRicardo Senabre
PublicacionDiario ABC
Dia0Mes0Año1992Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisPoesía e imagen
Rafael de Cózar
El Carro de la Nieve. Sevilla, 1992. 582 páginas
Publicado en Diario ABC, 1992

EL autor de esta rica y amplia monografía no ha escatimado esfuerzos para ofrecernos algo de que hasta ahora carecíamos: una historia, desde la Grecia del periodo helenístico hasta nuestros dios, de lo que el subtitulo del libro denomina «formas dificiles del ingenio literario,,. Se trata de textos cuya percepción visual es imprescindible, porque la disposición de letras y palabras forma figuras ﷓geométricas o no﷓, o también porque, sin llegar a tal extremo, la letra es un elemento básico para el efecto de novedad que el texto busca; sucede, por ejemplo, en los poemas alfabéticos ﷓que incluyen todas las letras﷓, en los hipogramas ﷓que eliminan una determinada letra﷓ o en las diversas modalidades de los tautogramas, que repiten una letra en el mismo lugar de cada palabra...//...


...//...La verdad es que, hace ahora veinticuatro siglos, Simias de Rodas compuso ya caligramas extraordinariamente imaginativos. Es lógico, sin embargo, que lo que sin demasiado reparo puede considerarse poesía visual sea más abundante a partir de la época en que los poetas dejan de escribir para oyentes. Cuando se extienda la costumbre de «leer„ poesía y ya no de oírla, los juegos visuales se multiplicarán. Pero la lectura silenciosa del verso es una adquisición tardía. No se produce entre nosotros antes del siglo XVIII. Es entonces cuando los poetas comienzan a pensar en lectores que tendrán delante la página y que, por consiguiente, podrán apreciar cualquier alteración de las lineas que produzca un efecto pictórico. Pues bien: la aportación esencial de este libro es mostrar, con acopio de abundantes datos y pruebas, cómo los juegos visuales y las invenciones vanguardistas, del tipo de los caligramas o las propuestas del futurismo de Marinetti, no brotan de la nada, sino de una profunda tradición nunca interrumpida. ...//...

...//...Cózar examina las múltiples modalidades de esas «
...//...Siempre queda algo por decir, algún libro por consultar. Pero nada de esto empaña el mérito ni la oportunidad de un trabajo arriesgadísimo, que el autor ha afrontado con decisión y en el cual podemos ahora apoyarnos para añadir datos o proponer menudas rectificaciones. He aquí, pues, un libro útil, y no sólo para eruditos; uno de esos panoramas generales que se convierten en punto de partida inexcusable para cualquier actividad relacionada con el asunto que abordan y, en consecuencia, una obra con la que hay que contar.

Ricardo
SENABRE

TituloPOESIA VISUAL EN PEÑARROYA
AutorA. DIAZ VILLASEÑOR
PublicacionDIARIO DE CÓRDOBA
Dia2Mes9Año2004Página4
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisDos de las máximos exponentes de la poesía visual, Francisco Aliseda y Guillermo Marín, se han reunido en Peñarroya (Córdoba) con el departamento de cultura de esta localidad y el Cerco Industrial de la SMMP, con el objetivo de sentar las bases para crear un futuro espacio relacionado con esta disciplina artística.

Uno de los promotores de la idea, relacionado con el ámbito creativo local, Antonio Monterroso, ha sido el puente que ha servido para que se establezca este puente que puede culminar en un proyecto clave para la poesía visual en España.

Actualmente ambos poetas visuales se encuentran redactando un borrador de proyecto y reuniendo la documentación necesaria como paso previo a la materialización del mismo.

TituloL´ART VISUAL / CICLOPS
AutorJORDI ABELLÓ
PublicacionPUBLICS
Dia0Mes9Año2004Página23
MateriaPoesia visual,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisCiclops és una mostra de creadors visuals de l´àrea metropolitana Tarragona que enguany arriba a la segona edició a la intenció de consolidar-se com una intervenció plàstica en l´spai urbà a partir de projeccions i altres recursos lumínics, acompanyada de música. A més a més, vol ser una plataforma de projecció dels artistes visuals de la zona.

La mostra es organitzada per la associació Cultural Inout Produccions, se celebra en un spai urbà de la ciutat on hi hagi restes romanes, per potenciar el diàleg amb el patrimoni tarragoni.

Pantalla oberta: Una de las pantallas de la mostra será una pantalla popular oberta perque tothom projecti imatges i treballs propis al públic tarragoni.

TituloARCO 2004
AutorREDACCIÓN
PublicacionEL PAIS.ES
Dia16Mes9Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisARCO '04

ARCO cumple su vigésimo tercera edición consolidada como una importante plataforma para el mercado internacional del arte.
Galerías, artistas, coleccionistas, críticos, comisarios, conservadores y teóricos de todo el mundo convertirán Madrid, del 12 al 16 de febrero, en uno de los mayores encuentros artísticos del circuito internacional.

La alta calidad de la selección, el nivel profesional y la oferta multidisciplinar constituyen, junto al carácter abierto y renovador de su propuesta, los aspectos más significativos de la XXIII Feria Internacional de Arte Contemporáneo, que este año contará con la participación de 277 galerías, de 32 países diferentes, - 184 extranjeras y 93 españolas - de Vanguardias Históricas, Arte Moderno, Contemporáneo, Emergente y Experimental.

TituloEl arte en las teclas
AutorAlex Lamikiz
PublicacionCiberia / El País de las Tenta
Dia9Mes4Año1999Página30
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisUn poema acústico visual surge apretando unas teclas y se convierte en un objeto interactivo que se comunica por los cuatro continentes y se transforma a medida que se transfiere de artista a artista, de tal manera que en el proyectos generado por Zush han participado pintores, diseñadores, informáticos, músicos, poetas visuales,etc.

DOCUMENTACIÓN:
Tras una larga trayectoria artística vinculada a la experimentación, Zush concibe dos proyectos para la red. Evrugo Metal State es la versión on line del célebre mundo fantástico y barroco al que el artista trabaja desde hace años, mientras que Spinmu, cuyo nombre surge de la síntesis de los vocablos "script, pintura y música", es una aplicación informática que permite al usuario transformar los textos en piezas audiovisuales. En la homepage de Roc Parés, artista y profesor del Instituto del Audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra, junto a la memoria de sus instalaciones electrónicas, se encuentran los proyectos de net.art, como Posiweb, una exploración de la vida cotidiana, a través de los pensamientos de los internautas.

TituloNOTAS SOBRE MAIL ART
AutorTARTARUGO
PublicacionBICICLETA
Dia0Mes10Año2000Página0
MateriaPoesia experimental,Arte postal,Arte experimental
Sinopsis¿Ten a mail art un discurso propio? En principio, semella que existe unha absoluta unanimidade verbo dos principios básicos da praxe mailartística desde a súa fundación: socialización da práctica artística, ruptura coas canles tradicionais de exhibición, cuestionamento da autoridade da institución arte. Agora ben, calquera práctica necesita dunhas regras para poder ser definida. No caso da mail art, ¿cales son estas regras? ou ben ¿cal é a gramática propia do discurso mailartístico?

A resposta podería vir dada pola observación da xenealoxía do movemento, xa descrita dabondo por numerosos autores e que se remonta polo menos ó movemento Dadá. Daquela, poderiamos apuntar unha serie de estratexias formais que ó longo de todo o século veñen conformando unha certa tradición de cuestionamento da propia natureza do artístico, na liña das propostas duchampianas sobre a intervención do acto creativo na vida cotiá ou, máis en xeral, da busca do achegamento entre vida e arte presente xa nas primeiras vangardas históricas.

Se ben a análise destas estratexias debuxaría unha paisaxe ben descritiva dos productos xerados polo movemento, non acabaría de explicar a diferencia ontolóxica que se establece entre a propia institución arte e a mail art ou, dito doutro xeito, acabaría por levarnos a unha descrición da mail art nos termos empregados pola propia institución fronte á que se quere establecer a diferencia. Se así fose, a mail art non tería un status diferente do de calquera outro movemento que se integrase dentro da ortodoxia da práctica artística.
...//...

Se puede ver el articulo completo en:
http://www.terra.es/personal3/tartarug

TituloARTE DESDE LA MORGUE
AutorPAIL GURNER
PublicacionEL PAIS DE LAS TENTACIONES
Dia10Mes9Año2004Página10
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisExp.: Casas en acción Performance: Teresa Margolles (Servicio Médico Forense) Lugar: Casa de America Dia: 14 Septiembre 2004 La totalidad del trabajo de la fotógrafa, accionista e instaladora Teresa Margolles evoca la devastación moral a través de relecturas de la muerte orgánica y su circunstancia. Resignifica a la muerte con luminosa claridad en uno de los ángulos de la vida social que nos atañe profundamente, aunque no esté a la vista: la muerte no diferenciada; los cadavers no identificados o que, identificados, no pueden ser rescatados de la morgue e inhumados, por falta de recursos, o por desamor, o por muchas otras rezones como la paralysis burocrática, una de las características de la admnistración estatal. ...//...* (E.E.)

TituloISABEL CUADRADO PREMIO POESIA EXPERIMENTAL
AutorDEPARTAMENTO DE CULTURA
PublicacionBOLETIN DIPUTACIO BADAJOZ
Dia0Mes12Año2Página0
MateriaPoesia experimental,Arte experimental
SinopsisNOTA DE PRENSA

Hasta el próximo sábado 14 de diciembre está abierta al público en el patio de columnas del Nuevo Palacio Provincial una muestra de los trabajos seleccionados en el Primer Premio de Poesía Experimental organizado por el Departamento de Publicaciones de la Institución pacense. A la convocatoria se presentaron un total de 142 obras de artistas extremeños y de la práctica totalidad de comunidades autónomas. Otros trabajos llegaron de Latinoamérica y varios países europeos. Tras una selección previa se eligieron las 36 obras que configuran la exposición, entre ellas la ganadora, un poema de Isabel Cuadrado titulado “Vanitas” y que representa lo inaprensible del tiempo y la imposibilidad de burlar su transcurso. Isabel Cuadrado es natural de Oviedo y ha viajado a Badajoz para estar presente en la inauguración de la muestra.
El diputado delegado de Publicaciones, Cayetano Ibarra, ha sido el encargado de inaugurar la exposición. En su intervención ha matizado que la poesía experimental engloba desde el poema objeto al happening y la poesía visual, formas de expresión artística que pretende sugerir y que la Diputación apoya y fomenta a través de diversas iniciativas. En este sentido habló de Alor Novísimo o Espacio/Espaço Escrito, publicaciones avaladas por el departamento provincial y que han sido o son referencia de este género artístico al incluirlo en sus páginas. Igualmente se refirió a la colección “Pintan Espadas”, serie de libros sobre poesía visual coordinados por Antonio Gómez y que hasta el momento tiene en la calle sus dos primeros títulos.



TituloLa utopía de la globalización
AutorSilvio De Gracia c/o Hotel DaD
PublicacionHeterogénesis
Dia0Mes10Año3Página0
MateriaPoesia experimental,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisLa utopía de la globalización

Desde que Ray Johnson, reconocido como su padre oficial, le dio origen con los envíos de sus “moticos”, el Arte Correo creció y evolucionó hasta convertirse en el mayor movimiento que jamás se ha visto en la Historia del Arte. Ningún otro movimiento ha tenido nunca un número casi incalculable de participantes en todo el mundo ni ha mostrado dentro de su seno tanta riqueza de debates y polémicas. Sin duda fue el principio de la participación democrática que vino a legitimar la idea de que toda persona es potencialmente creativa, lo que hizo que se propagara por el mundo como un virus. Pero a la introducción de la más pura democracia en el arte hay que agregarle una serie de principios, que supo heredar de otros movimientos, y que también ejercieron una poderosa seducción para todos aquellos que sentían que las puertas del “Arte con mayúscula” les estaban vedadas. Principios sumamente dadaístas como el rechazo de la sujeción a las reglas en la creación artística, la oposición al mercado del arte y hasta la negación de las mismísimas categorías “arte” y “artista”.

El Arte Correo evolucionó durante más de cinco décadas y ha logrado sobrevivir casi inalterable en sus principios y en su espíritu. Pero nadie ignora, y así lo demuestran cantidad de ensayos y artículos, que también persiste el temor a la institucionalización. Naturalmente ha habido un desgaste y pareciera que el Arte Correo se conformara sólo con sobrevivir. Pero mientras más mail-artistas estén de acuerdo con la idea de que sólo importa sobrevivir el Arte Correo estará más y más amenazado. No es suficiente que el Arte Correo sobreviva, es preciso que viva.

La actualidad del Arte Correo nos muestra una serie de aspectos que lo amenazan más seriamente que nunca antes. No es una exageración. En primer lugar, se podría asegurar que la tan comentada y exaltada participación democrática ha terminado por revelarse como uno de los factores más peligrosos para su suerte futura. Cada vez más personas ingresan al Arte Correo, pero la mayoría de ellas no llegan a comprometerse y sólo esperan obtener ventajas de él. Nadie ignora que los recién llegados se entusiasman al ver sus nombres en la documentación y al exponer en los más diversos lugares alrededor del mundo. ¿Pero cuántos de estos “mail-artistas de fin de semana” llegan a comprender realmente lo que están haciendo? ¿Cuántos de ellos logran desprenderse del encantamiento inicial y continuar dentro del movimiento hasta lograr aprehender su verdadero espíritu? Las respuestas a estas preguntas pueden ser desalentadoras.

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TituloINFINITAS PAREDES PARA COLGAR ARTE
AutorNoelia Tobalo
PublicacionMAD 3
Dia2Mes8Año2003Página0
MateriaPoesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
Sinopsis
nota de prensa.
Día 02/08/03
Prensa MAD’03
Noelia Tobalo


2º Encuentro Internacional de Arte Experimental de Madrid.

INFINITAS PAREDES PARA COLGAR ARTE


· MAD’03 NET es un enorme espacio virtual de exhibición del arte que circula en la red. Un auténtico pulsómetro del estado del net-art y el arte que utiliza herramientas digitales de creación.

· En menos de un mes, más de 70 artistas nacionales e internacionales han colgado sus creaciones en www.mad03.net. La convocatoria estará abierta hasta el 30 de septiembre y se otorgarán un total de 28 premios a las mejores creaciones..


(Madrid, 2 de agosto de 2003)
– MAD’03 NET (www.mad03.net) es la expresión virtual del 2º Encuentro Internacional de Arte Experimental de Madrid (MAD’03). Un lugar de encuentro en el que los artistas que utilizan Internet como plataforma, pueden colgar sus obras, conocer el trabajo de otros creadores y participar en las cuatros convocatorias abiertas que otorgarán 28 premios a las mejores creaciones.

MAD’03 NET está abierto a la participación en cinco áreas:

- MAD’03 NET Specific. Convocatoria de obras realizadas específicamente para la red. Una plataforma para los artistas cuya obra resulta particularmente difícil de visualizar en espacios de arte debido a las propias características de las obras de net art.

- MAD’03 NET Digit. Convocatoria de obras que utilicen las nuevas tecnologías digitales: fotografía, vídeo, infografía, animación 2D o 3D, videojuegos.

- MAD’03 NET Project. Convocatoria de proyectos creativos. Los artistas tendrán una puerta abierta para dar a conocer proyectos que no hayan podido ser realizados por falta de financiación o por su carácter temporal o claramente transgresor.

- MAD’03 NET Zin. Convocatoria y plataforma de revistas digitales, abierta a todas las “net-revistas” en sentido amplio todo tipo de intentos, que tengan lugar en internet, de crear nuevos soportes, nuevos formatos de dar a conocer la creación artística digital.

- MAD’03 NET Debate. Chat y foro abierto a artistas e internautas interesados en el mundo del arte contemporáneo en todas sus expresiones. Desde el 24 de octubre al 15 de noviembre y moderado por artistas, estará abierto al debate sobre las obras mostradas en MAD’03 y la situación actual del arte contemporáneo en Madrid.

La convocatoria para presentación de obras a MAD’03 NET estará abierta hasta el 30 de septiembre en www.mad03.net. En menos de un mes más de 70 artistas nacionales e internacionales han presentado sus obras.

En cada convocatoria pública de MAD’03 NET (Specific, Digit,Project y Zin), la organización seleccionará siete participantes por el interés y calidad de su obra, proyecto o net-revista. Cada uno de ellos recibirá la cantidad de 900 euros en concepto de apoyo a la creación.

Según declaraciones de la comisaria de MAD’03 NET, Eva Moraga “En el transcurso de pocos años Internet ha pasado de ser una mera vía de distribución del Arte a convertirse en material y soporte de la creación digital. Queremos que MAD03 NET se convierta en altavoz y escaparate de todas estas nuevas formas de expresión.”.

MAD03 NET es una de las áreas del 2º Encuentro Internacional de Arte Experimental de Madrid - MAD’03 que invadirá la ciudad de Madrid desde el próximo 24 de octubre hasta el 16 de noviembre de 2003. Esta convocatoria mostrará las nuevas formas de producción y exhibición del arte contemporáneo llenando la ciudad con los lenguajes artísticos menos conocidos por el gran público y consolidando a Madrid como capital cultural del arte experimental y emergente.

La estructura del 2º Encuentro estará vertebrada en torno a cinco áreas:

· Intervenciones en espacios públicos (MAD’03 PUBLICO). Los artistas participantes harán uso de los recursos que la ciudad ofrece como soporte de sus trabajos. Aproximadamente 60 artistas exhibirán su trabajo en los apartados de arte público, video-contexto, medias y microespacios de vídeo.

· Revistas independientes de arte y creación (MAD’03 ZIN). La exposición aglutinará a más de 100 revistas independientes que ofrecen su soporte al arte más experimental y arriesgado.

· Arte de acción (MAD’03 ACCION). 13 artistas ofrecerán al público de Madrid la posibilidad de ver sus trabajos experimentales creados desde la integración de las artes: poesía visual, medios audiovisuales, artes plásticas…

· Arte en espacios alternativos (MAD’03 ALTERNO). Siete espacios alternativos: El Ojo atómico, Off Limits, 29 enchufes, The Art Palace, Liquidación Total, Cruce, y Circo Interior Bruto, presentarán su programación específica para MAD’03.

· Arte en la red (MAD’03 NET). La red (http://www.mad03.net) servirá de espacio de encuentro y exhibición de obras de arte digital de artistas de todo el mundo, además de vía de comunicación, muestra y difusión de las actividades del Encuentro.


El patrocinio de MAD’03 NET está abierto en sus diferentes versiones, desde la financiación general del proyecto al apoyo a un artista específico, una interesante posibilidad de ayuda a la creación más actual. MAD’03 cuenta como patrocinadores principales con la Consejería de las Artes de la Comunidad de Madrid, el Centro Cultural Conde Duque, y el Museo de la Universidad de Alicante. Otros patrocinadores son TV Transit, Círculo de Bellas Artes, etc…

Artistas visuales asociados de Madrid (AVAM) es una entidad no lucrativa cuyo objetivo es la defensa de los artistas visuales de Madrid y del arte contemporáneo. AVAM cuenta en la actualidad con 600 socios entre los que se encuentran, junto a nombres punteros de la talla de Luis Gordillo, Rafael Canogar o Juan Genovés, los más destacados artistas emergentes de la Comunidad.

TituloARTE A LA BASURA
AutorREDACCION
PublicacionREVISTA EL PAIS
Dia28Mes8Año2004Página30
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisSabido es que hoy en día distinguir una obra de arte no siempre es fácil y eso fué lo que sucedió con el ordenanza de la Tate Britain que ante una instalación de bolsas de basura, cartones viejos y periódicos, llego a la conclusión de que se trataba de los restos propios de los turistas, y dió buena cuenta de todo ello tirándolo al container del museo. El salón quedó así liberado de desperdicios y de un brillo inmaculado. Gustav Metzger, el autor de la instalación se subía por las paredes cuando supo la noticia y la obra nunca más pudo ser recuperada. Es posible que el ordenanza fuera un artista performer. De momento se le abrió un expediente.

TituloConversación de red entre 2 G
AutorGianni Simone y Guido Vermeule
PublicacionHeterogénesis
Dia14Mes10Año2003Página0
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisConversación de red entre 2 G


(*) Gianni Simone y Guido Vermeulen


Gianni Simone: Recuerdo que cuando me uní a la red de arte postal en 1997 se estaban discutiendo principalmente dos temas. Uno era acerca del creciente papel que la media electrónica estaba jugando en la correspondencia diaria entre los artistas: algunos argumentaban que los días del así llamado “snail mail” (correo caracol) estarían contados y que eventualmente sería totalmente reemplazado por el e-mail. El otro tema de discusión tenía un alcance más ambicioso y tenía que ver con el verdadero papel del arte postal hacia el final del milenio. Algunos habían decidido que el arte postal estaba muerto o a punto de morir; que se había convertido en una forma de expresión obsoleta y que había traicionado sus valores originales. Este año ustedes celebran sus primeros diez años de arte postal y estoy seguro que en todo este tiempo han experimentado muchos cambios, tanto en la misma actividad como en el trabajo de red en general.


Guido Vermeulen: Mi propia evolución refleja el debate en la red. Yo recién empecé el trabajo de red a través de la Internet y el e-mail en 2001. Coincidió con la primera visita de Lavona Sherarts a Bélgica. Desde 1993 hasta entonces mis actividades estaban limitadas al snail mail, si limitada es el término correcto para describir estas actividades. Observé y comenté la existencia de tres grupos.

Al primero lo llamo “puristas”. El arte postal sólo es posible mediante correo regular. ¿Porqué? No hay una respuesta real a la pregunta excepto un montón de argumentos falsos. Algunos siempre argumentan sobre la definición del arte postal. La definición aquí es entendida sólo como un principio limitante y reductivo. La razón que escuchas con frecuencia es “si, estará bien, pero ¿es arte postal?” A quién le importa! Las declaraciones de que “el arte postal está muerto” con frecuencia están ligadas a estas estrechas y obsesivas definiciones. El arte postal está muerto cuando el arte postal deje de corresponder con mi idea de arte postal o el arte postal estará muerto cuando yo decida dejarlo, porque…… en ambos casos la megalomanía del ego es bastante evidente.

Un segundo grupo aparecía fugazmente en el snail mail, sus integrantes se adhirieron a la computadora y desaparecieron como corresponsales. Yo encontraba esta actitud bizarra, por decir lo menos. No todo el mundo tiene un computador o las facilidades de la Internet. Tienes que poseer los recursos económicos para dar el paso y adquirir el conocimiento para trabajar con un PC y para resolver una serie de problemas. Encontré que el grupo de personas que súbitamente se aferraban al computador y sólo al computador era bastate elitista y en contradicción con el aspecto democrático del arte postal porque el arte postal era y sigue siendo la forma y movimiento de expresión de arte más democráticos que se ha desarrollado desde el arte moderno tuvo la idea de un “arte correspondencia”.

En un nivel artístico soy bien anticuado en el sentido de que necesito un contacto directo con la materia que uso para expresar ideas o fantasías: trabajar realmente con pintura, tinta o papeles me da un kick. Hacer arte con una computadora es bastante estéril para mí. Ya no tienes la misma relación directa con los materiales, pero concuerdo en que otros pueden tener ese kick con el arte digital. Sencillamente no es lo mío. Esto me bloqueó por un buen tiempo.

...//...

TituloACCIDENTS POLIPOETICS RESUMEN
AutorVARIOS
PublicacionVARIOS
Dia0Mes0Año2004Página0
MateriaPoesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisMAS TRISTE ES ROBAR



"Poemas casi surrealistas, en ocasiones de humor negro, las más irónicos, mordaces y con poso de pataleo. Con ayuda de pequeños
recursos escénicos (...) se completa un ofrecimiento más que resultón." (Luis Hidalgo, EL PAIS)

"Ese increible dúo de juglares contemporáneos llamados Accidents Polipoètics, que tarde o temprano serán descubiertos y celebrados
por la mayoría, porque son un derroche de inteligencia y sentido del humor (que vienen a ser la misma cosa)." (Leopoldo Alas,
EL MUNDO)

"Gómez de la Serna leyendo panfletos con desvergüenza rocanrolera." (Luis Clemente, DIARIO 16)

"Sus actuaciones en bares musicales y fiestas populares acercan el hecho poético a un público nuevo." (M. Diaz Prieto, LA
VANGUARDIA)

"El resultado es explosivo y, sobre todo, es una tentadora invitación para los que piensan que a los recitales poéticos asisten
personas aburridas que disfrutan con un ambiente aburrido." (Anna García, EL PAIS DE LAS TENTACIONES)

"La ironía, el humor ácido y la reflexión más negra son el conducto que utilizan estos polipoétas para expresar sus filias
y sus fobias." (J. Alcazar, Rev. CITRU -México DF)

"Un show agil, donde igual empapan de perfume al público, que ofrecen una bota de vino al respetable para que remoje el gaznate."
(Gabi Martinez, AJOBLANCO)

"Dice más sobre esta España, mal que nos pese nuestra, que cien mil coloquios televisivos, zapeados con telecupones y con
sermones políticos y con partidos de fútbol y con culebrones y con su puta madre." (Ignaci Juliá, RUTA 66)

"Alejándose de la mediocridad imperante (...) desde la sobriedad y la seriedad, consiguen llegar a un territorio escénico-literario
cargado de magia, inteligencia y frescura." (J.L. Reboredo, EL GRAN MUSICAL)

"Dúo de poetas que ha sabido heredar lo mejor de las vanguardias literarias de nuestro siglo. Se apoyan tanto en los recursos
de la poesía visual, como en los de la poesía fonética, en su mejor tradición cómica, para elevar a la comedia a su justo
puesto, el de la fiera crítica social y política. Magníficos." (Nilo Casares, LEVANTE)

"Cáusticos, impactantes y directos, con un recital que resulta innovador a pesar de estar constituido esencialmente por el
uso desnudo de la palabra." (J.P. Huercanos, EL MUNDO)

"Su poesía para gente que no lee poesía rima muy bien con la del maestro Brossa." (Magda Bandera, LA VANGUARDIA)


* * *


PIM PAM PUM LORCA


“Uno de los mejores espectáculos del Año Lorca (...) hace mucho tiempo que no escuchaban esa voz, ese tono. En un teatro no,
desde luego. Es una voz que nace con Jardiel y Mihura, y que volvimos a oír en las crónicas de Manolo V El Empecinado en “Por
Favor”(...) Dos freaks muy sabios y un homenaje como Lorca manda”. (Marcos Ordoñez, AVUI)

“Pim Pam Pum Lorca, una demoledora y sarcástica conferencia-acción”. (Javier Pérez Senz, EL PAIS)

“La cosa promete, porque los heterodoxos Rafael Metlikovez y Xavier Theros anuncian “una visión personal” sobre el personaje...
y su fusilamiento”. (Juli Rodés, ESCENA)

“Una inusual conferencia que quiere salvar al poeta granadino de celebraciones “lamentables”. (Elena Hevia, EL PERIODICO)

“Con su habitual humor provocador y sarcástico (...) Accidents Polipoètics invita al público a una reflexión sobre el poeta
granadino y sus contemporáneos, y las difíciles relaciones entre la política y la cultura”. (Ivet Batet, LA VANGUARDIA)

“Uno de los grupos que saben crear y expresar composiciones poéticas como no lo ha hecho nunca nadie (...) centrando su atención
en la celebración del centenario del nacimiento de Federico García Lorca”. (En Cartell, ESCENA)

“El montaje es hermoso por dos razones: a) los actores no son actores, una forma de recordarte que la belleza y valentía del
teatro es subirte a una tarima y decir algo, y b) es hermoso porque dicen algo (...) la sensación es que, de pronto, el público
quiere hablar de historia en un país en el que no se habla de historia”. (Guillem Martínez, EL PAIS)


* * *


SOLTERO BUSCA



Soltero Busca de Accidents Polipoètics es una conferencia espectáculo a duo sobre la condición del soltero(...) un retrato
descabellado y al mismo tiempo fiel del hombre solitario visto desde todos sus ángulos. Una mezcla de lenguaje coloquial,
alta cultura, salidas de tono, requiebros lógicos e ideológicos, mezclado todo con una poética de los objetos casi infantil
que, sin su voluntad vanguardista, podría recordar la poesía visual de Brossa. Recorren la soltería con ese humor, en el fondo
distante, que les caracteriza. (Pablo Ley, EL PAIS)

Un dúo que combina poesía y teatro para construir un cabaret literario de rabiosa actualidad. En el punto de mira de su ingenio
está la soltería, entendida como baluarte de la auténtica espiritualidad. (Cartelera, EL PERIODICO)

Realizan un cáustico recorrido por la soltería masculina. El escenario se convierte en amplificador de un canto a la soltería,
pronunciado desde una desmesurada y corrosiva actuación en pareja, llena de imaginación, de buen humor y de miradas siniestras,
con toda la sencillez que requiere la expresión poética y toda la intensidad que exige el directo escénico. (Francesc Massip,
AVUI)

La pareja más extraña del humor patrio (...) se multiplican como pólipos, no necesariamente malignos, aunque sí maliciosos
(para hablarnos) desde una eterna, recurrente tarde de domingo. (Marcos Ordoñez, EL PAIS)

Transforman su vena poética en una especie de cabaret literario, siempre presidido por las ganas de hacer reír y presentado
como una conferencia "chachi". (Novetats. LA VANGUARDIA)

Un punto de vista generacional nítido y exótico -el punto de vista del babi boomer, repleto de imágenes y estados de ánimo
generacionales-, enfrentado con juego de piernas al tema del amor. Y encima van y lo modulan todo desde el humor. El humor
es lo contrario de la simpatía. Es más, por lo general, los humoristas no son simpáticos. Un humorista simpático inspira tanta
confianza como el vino de la casa de un restaurante chino. (Guillem Martínez, EL PAIS)

Su descacharrante conferencia es todo un homenaje y una actualización de la mejor vanguardia literaria española. Si se tropiezan
con el cartel en su ciudad, no los dejen pasar; porque son de lo mejorcito que se puede ver. (Javier Perez, FLANDIS MANDIS)


* * *





Espectáculos estrenados en el teatre MALIC de Barcelona


Han dicho




MÁS TRISTE ES ROBAR


"Su poesía es un poco de fiesta mayor..." (Joan Brossa)

"Hay que tener mucho valor para hacer lo que hacen..." (Joan Perucho)

"Son los mejores, mis ídolos" (Frank T, rapper senegalés)


POLIPOESÍA URBANA DE PUEBLO

"Polipoesía urbana de pueblo" (Por Caridad Producciones, Madrid 1995). Este disco HABLADO (sólo hay algunos fondos musicales) es sólo una aproximación
a sus teatrales puestas en escena, pero tiene también el atractivo añadido de recoger en un extenso y cuidadísimo libreto la totalidad de los textos.



TituloPor una creativa desglobalización
AutorVittore Baroni
PublicacionHeterogénesis
Dia0Mes10Año2003Página0
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisFuntastic United Nations:
Por una creativa desglobalización
de las culturas

Vittore Baroni


La historia del arte postal, un fenómeno internacional que nació del tumulto del counter-cultural de los 60 y experimentaciones multimedia ha estado estrechamente ligado al concepto de utopía (no la banda rock), o el sueño de un estado ideal (de mente, pero también geográfico) donde la gente de todos los colores y creencias puedan trabajar unidos en todo tipo de proyectos. Este sueño es, a menudo, referido como “The Eternal Network”; una red de buenas relaciones superando toda diferencia racial y lingüística. Tal vez algo similar con un tipo de “globalización” artística, pero en arte postal la diferencia creativa y la multiplicidad de perspectivas son normalmente estimuladas, no destruidas y pasadas a llevar. Todos somos iguales pero diferentes, como copos de nieves, no gotas de agua.

El sueño es/fue audaz, sí, un salto cuántico de las fijas y consumísticas reglas del mercado del arte y del sistema del arte-”star”, pero también un poco imperfecto: de dos tercios del planeta (China, la mayoría de los países africanos, India, etc) realmente nunca surgió una participación en actividades de arte postal, y aun en los países occidentales la red postal, con frecuencia, fue principalmente confinada a una población de hombres blancos, de clase media del área literaria (debo agregar no completamente excenta de conflictos de ego). Los ideales utópicos terminaron siendo corruptos en la práctica diaria, pero eso es demasiado humano y predecible. Sin embargo, con todos sus límites y deficiencias, el arte postal sigue teniendo una base colectivista poderosa, un modelo trabajable de acción cultural de hazlo-tú-mismo.

Ni siquiera el rápido desarrollo de Internet en los 90 pudo convencer a los miles de artistas de arte postal en todo el mundo de descartar sobres y sellos postales, en favor de una más fácil y a menudo más económica comunicación digital. El e-mail resultó ser una invalorable ayuda para crear redes de trabajo, pero el incontrolado comercialismo de la mayoría de los sitios relacionados con el arte (y casi cualquier otra cosa que se ponga en la red) ha hecho del veterano “trabajador de red” un ser muy cauteloso y sospechoso del medio digital. Es tan fácil para el más honesto proyecto de tipo arte postal el ser malentendido o quedar completamente perdido en el vasto océano de la Internet. De todas formas, es el poder de la idea, no de la herramienta, lo que hace la diferencia. ...//...

TituloMística Doméstica
AutorGarcía Ramos
PublicacionEl País de las Tentaciones
Dia9Mes4Año1999Página19
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisJuan José Rosado: "mi manera de ver el arte consiste en cuestionar y sustituir el carácter iconográfico de los objetos que componen nuestra cotidianeidad , extraer nuevas conclusiones de nuestra realidad más enquistada".

Rosado habla de su obra diciendo que "si el humor deriva en ironía , ese posicionamiento se vuelve ambiguo y me permite pintar para mí sin ser visto : la razón que me lleva a realizar esa obra se convierte en un significado más del abanico de posibles sentidos que se le abren al espectador . De este modo concilio el pudor de reflejarme en la obra con la libertad del espectador de interpretarla"

"Si tenemos en cuenta además", continúa explicando el artista, "que la labor pictórica no se realiza sobre un formato rectangular tradicional , nos encontramos con que esta manera de entender la obra de arte supone congeniar un tema con un formato inhabitual , objetos tridimensionales con pintura , y el valor plástico abstracto del conjunto con componentes figurativos sin que los distintos niveles de percepción entren en fricción".

Juan José Rosado ha realizado numerosas exposiciones por distintos puntos de la provincia y ciudades españolas. En 1994, es elegido para representar a Almería en la Bienal de Jóvenes Creadores de Europa y el Mediterráneo , a celebrar en Fabrica do Cordoaria Nacional , en Lisboa. Cinco años más tarde, fue seleccionado para la exposición ARTE URBANO , organizada por EL PAÍS DE LAS TENTACIONES e INNOVATORS BY HUGO , en el Mercado de Fuencarral , Madrid.

TituloArte Correo en Latinoamérica
AutorElias Adasme
PublicacionHeterogenesis
Dia0Mes10Año2003Página0
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisHablar de Arte Correo en Latinoamérica es hablar de una práctica artística cuya génesis está íntimamente ligada al turbulento período de represión política y cultural de los años sesenta y setenta en el continente. Si bien es cierto que, desde las pioneras propuestas de Ray Jhonson y su interactivo “Add and Pass”, surgidas en Nueva York, como una respuesta alternativa a los circuitos tradicionales de producción, difusión y consumo de la obra de arte, el Arte Correo se expandió rápidamente por todo el planeta; podemos decir que en Latinoamérica dicha “expansión” obedeció más bién a situaciones puntuales con claras motivaciones históricas, que a una mera inquietud formalista.

Al igual que en el resto de la sociedad, cientos de creadores e intelectuales fueron apresados, torturados, desaparecidos y/o ejecutados por los poderes de facto de la época, lo que hacía insoslayable una labor de “resistencia cultural”de los artistas, por un lado, y por otro, la preservación de valores como la justicia y la libertad en su proyección política.Una labor de recomposición del tejido social en su entramado histórico. Es en este contexto donde empieza a connotarse claramente el aspecto crítico y solidario del arte correo latinoamericano. Los casos de la desaparición de Palomo Vigo, hijo del artista correo argentino Edgardo A. Vigo, el destierro del artista chileno Guillermo Deisler y el encarcelamiento de los artistas uruguayos Clemente Padín y Jorge Cerballo, sólo por mencionar los más emblemáticos, entre muchos otros, hicieron que los artistas se volcaran a la denuncia y al testimonio sobre la dramática realidad que vivían al interior de sus respectivos países. Adoptan entonces el formato postal, como vehículo de expresión y comunicación, que intentaba superar (no siempre) la férrea censura imperante. La emisión de sellos de goma caseros, la producción de tarjetas postales desprovistas de su función turística y comercial, al igual que la aparición de publicaciones alternativas (en ese entonces se les llamaba marginales) como los fanzines, el video-arte con énfasis en lo documental, y otras manifestaciones de claro corte contestatario, cimentaron un circuito internacional de comunicación creativa que -me atrevería a asegurar- constituye hoy, el antecedente histórico más cercano a la red Internet. ...//...

TituloMail Art: El mayor circuito
AutorElias Adasme
PublicacionHeterogénesis
Dia0Mes10Año2003Página127
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental
Sinopsis

Revista de artes visuales Nr. 45: Arte Postal


Presentación

Considerado como el mayor circuito de intercambio creativo en la historia del arte, el Arte Correo o Mail Art se ha visto renovado en nuestros días, al adoptar los nuevos medios electrónicos de producción, reproducción y difusión de mensajes. Y es que esta particular manera de expresión creativa, cuyos orígenes se remontan al intercambio postal mantenido por los dadaistas y futuristas en los albores del siglo XX, no ha dejado de crecer desde que oficialmente el artista neoyorquino Ray Johnson instituyera su Correpondance Art School en los años sesenta.

Catalogado en su momento como anti-arte, utilizado como herramienta de denuncia y testimonio por algunos artistas latinoamericanos y europeos, al igual que su comparescencia en espacios alternativos (muchas veces creando su propio espacio) en franca oposición a la producción y consumo de la obra de arte tradicional, el arte correo se erige hoy como un espacio de libertad creativa sin parangón.

Interesante fenómeno íntimamente ligado a los movimientos vanguardistas que retan la concepción tradicional del arte y recogen los principios y aspiraciones de una Utopía en constante construcción: la llamada Red Eterna de Robert Filiou o la fusión entre el Arte y la Vida del Dadá. Sin embargo, dado que su principal característica es el intercambio sobre el comercio, la amistad sobre la competencia, en otras palabras, la comunicación per se, en cuanto a la socialización del ser humano en su entorno inmediato; ya asoman voces discordantes que nos advierten sobre los graves peligros que deberá afrontar el Arte Correo en estos tiempos de globalización.

Hay un principio tácito entre todos los que participamos de esta red planetaria y que se traduce en el slogan: “Mail Art and money don’t mix” (Arte Correo y dinero no mezclan), al igual que la salvaguarda de un espacio de libertad sin censura. Son estos dos tópicos los que han cimentado la evolución del Arte Correo hasta el presente y que parecieran cuestionarse (o al menos contradecirse) en recientes acuerdos tomados incluso por algunos mail artistas. ¿Serán los implacables vientos del mercado y su escenario neoliberal los que determinarán el futuro de las nuevas generaciones de mail artistas? ¿Podrá sobrevivir la corriente, ya llamada por algunos como “corriente fundadora”, los embates no tan sólo de una evidente comercialización, sinó su inevitable institucionalización en bienales, galerías y museos?.

Estas inquietudes, ligadas a profundas reflexiones en torno a su proyección social e histórica, hacen del Arte Correo un territorio en constante expansión y con posibilidades teóricas de exploración inusitada. El conjunto de textos aquí recopilados, no pretenden dar respuesta a las interrogantes planteadas, ni mucho menos servir de guía para la solución de las mismas. Siendo fiel al espíritu intrínseco del Arte Correo en su reafirmación de la diversidad y la pluralidad creativa, más bien pretenden ser una especie de “collage textual” que enriquezca la discusión y el intercambio de ideas entre mail artistas. El título de “El Mail Art en el contexto de la Globalización” a la hora de lanzar la convocatoria, sólo pretendió ser un referente abierto para darle una cierta unidad temática a la edición, ya que cada artista escribió sin saber lo que habían escrito otros y desde su particular visión de mundo y su respectivo contexto cultural. Una manifestación individual en la construcción de una identidad colectiva. Esa es la razón de ser del Arte Correo.

Elías Adasme

TituloFernando Aguiar o los signos esenciales
AutorSeafree
PublicacionTexturas
Dia0Mes6Año2001Página0
MateriaPoesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Performance
SinopsisJ. Seafree
Fernando Aguiar o los signos esenciales

... Las obras visuales y las acciones o performances de Fernando Aguiar comparten determinadas señas de identidad: el hallazgo y el poder de persuasión de los elementos empíricos, es decir, la participación del mundo sensorial como medio para transmitir al espectador los mensajes, y como fin hacia el que el hecho o acto devienen. Nuestros sentidos aguardan tales descubrimientos y su percepción, su lectura o su interpretación hace que nos sintamos elegidos.

Además, cuando Fernando Aguiar abre sus manos, mueve sus brazos, enfatiza con su voz vocablos y frases, dispone, en fin, heterogéneos enseres, figuras y trazos, la mente des espectador queda agitada con benevolencia, del mismo modo que una hermosa sinfonía envolviera nuestros oídos, puesto que el poeta/performer especula lo menos posible con la arbitrariedad de cualquier código lingüístico...

TituloPERFORMANCE
AutorCECILIA AGUILAR
PublicacionCONACULTA
Dia28Mes1Año2002Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisDebido a la gran acogida que le ha dado el público al ciclo de charlas Venga a tomar café con..., que se lleva a cabo todos los martes a las 12:00 horas en el Museo de Arte Moderno, a partir de mañana martes 29 de enero reinicia el programa con la presencia de la investigadora Laura de la Mora Martí, quien tratará el tema Performance: su realidad y características.

En inglés, la palabra “performance” se ha utilizado para designar desarrollo, desempeño, ejecución. Y en el arte, a partir de la década de los setenta, se empezó a utilizar la palabra performance art. En el idioma español, se adoptó el término en inglés, aunque cada artista se expresa acerca de él como acción o arte acción.

La complejidad del tema radica en buena parte en el desconocimiento en la materia, ya que no se puede hablar de la existencia de una escuela de performance y en las aulas es poco tratado. De tal manera que el contacto con esta disciplina es a través de la apreciación en directo, el estudio y exploración en cursos especializados, diplomados, o bien de modo autodidacta.

En este sentido, el artista Manuel Marín afirma que él pertenece a la última generación de performanceros formada por maestros, ya que actualmente es por medio de revistas importadas como High Performance, Art Nexus o Art in America, que se pueden documentar acerca del performance.

Desafortunadamente las publicaciones periódicas en México son escasas y las que existen como CURARE, Art Vance, Generación o la Guillotina, por mencionar algunas, incluyen reportajes o artículos referentes al tema pero todavía es muy poco.

Venga a tomar café con... le brinda la oportunidad al público de expresar sus inquietudes acerca del tema durante la charla que se llevará a cabo este martes con la especialista Laura de la Mora Martí, egresada de la Universidad Anáhuac y con cursos doctorales en la Universidad Politécnica de Valencia, España, además de maestría en Artes Visuales en la UNAM y actual jefa de Investigación del Ex Teresa, Arte Actual del Instituto Nacional de Bellas Artes.

TituloENTREVISTA A NAGDALENA ABAKANOVICZ
AutorFERNANDO GALÁN
PublicacionART ES
Dia0Mes6Año2004Página50
MateriaArte experimental,Instalaciones
SinopsisIntensa entrevista que se prolonga en varias páginas y que por su complejidad para sintetizar nos vamos a limitar a exponer algunos puntos de reflexión de esta genial artista:

- en la evolución del artista..."cada paso es un proceso, un misterio"

-"...Cuando estás absolutamente decidido a hacer algo, siempre encuentras la manera de hacerlo"

- "...creo que nacemos con la necesidad de crear"

- "...creo que es banal intentar explicar el arte de una forma literal"

-"...la creatividad, la vida y la religión es una misma cosa"

- "...hago figuras sin cabeza y la gente no me pregunta porqué lo hago porque son suficientemente expresivas"

- "...yo vivo, y la consecuencia de mi vida es el arte. Es como el sudor"

- "...el material (con el que trabajas) es como la cuchara con la que comer la sopa"

- "...quien es artista no necesita que otro le enseñe"

- "...la Escuelas de Arte sólo sirven para aprender una técnica"

TituloLIBRO DE ARTISTA: PROYECTO 16/DA4
AutorREDACCION
PublicacionBOLETIN GRAPHISPAG
Dia0Mes2Año2003Página0
Materia
Sinopsis16 páginas in quarto

Escoge un libro, imprime un DIN-A4, fabrica tu propio libro y llévatelo. Este es el concepto de la actividad interactiva que proponen los Talleres de Grabado de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona.

La colección 16 paginas in quarto fue un proyecto ideado por el artista francés Jean Michel Pnty en ESBA de Bourges en 1995 que empleaba la impresión informática para la realización de libros de artista. Este proyecto se difundió rápidamente como primera aproximación al libro de artista y como concepto transferido a la impresión digital, usando Internet como medio, por diferentes instituciones educativas.

Esta colección ha ido creciendo por el uso que han hecho los diferentes centros y se ha incorporado con una presencia visual, directa y esencial en los talleres de grabado en la Facultad de Bellas Artes en el aula de impresiones digitales. La relación entre Museo y Arte impreso ha permitido proyectar la visibilidad de este concepto de libro que crece año tras año con la participación de estudiantes que realizan su propio libro bajo el nombre de proyecto DA4 o 16 páginas.

TituloPoemas Mínimos / Laura López Fernández
AutorAmalia Iglesias Serna
PublicacionABC Cultural
Dia15Mes3Año2003Página0
MateriaPoesia experimental,Arte experimental
SinopsisSe trata de un poeta singular, en cuya obra confluyen la tradición oriental del haiku, el trazo conceptual y minimalista, y los territorios de las nuevas tecnologías a través del hipertexto. En 1996 realizó la página web "Intermínims de navegació poètica", una experiencia de lectura hipertextual que abría nuevos horizontes a la creación poética. Búsqueda de la esencialidad que multiplica la connotación, exploración de las palabras en todas sus dimensiones, no como significado lineal, sino como resonador de sus variables perfiles semánticos; argamasa de palabras que construyen un universo polifónico de gran hondura" (Clemente Padín)


"Mi objetivo, en Poemas mínimos, no es escribir haikus en español, sino, justamente, “poemas mínimos”. Es lógico, sin embargo, que tenga presente a Matsuo Bashô y la tradición japonesa (sus logros en dicho territorio son ineludibles). Como también tengo muy presentes a Giuseppe Ungaretti, Eugénio de Andrade, Bartomeu Rosselló-Pòrcel, Juan Ramón Jiménez, Pic Adrian... Hago mi propia síntesis mínima. Al leer poesía, siempre me han fascinado determinadas imágenes, estrofas, determinados versos que me deslumbran con mayor intensidad que el poema entero donde se hallan insertos. Mi poesía mínima persigue estos deslumbramientos mentales en estado puro"

"Mis Poemas mínimos comparten el concepto “mínimo” con el movimiento conocido como “Minimalismo”. Es una coincidencia que ni he buscado ni he evitado. Mi título sólo quiere denotar la brevedad de los poemas, su cualidad formal más patente, que condiciona por completo la estrategia textual de los mismos, tendentes al “¡chap! ...ondas” en la mente del lector" (ABC Cultural)

TituloINTERCULTURALIDAD:MAIL ART EN CEUTA
AutorS.B.P.
PublicacionDIARI "EL PUEBLO DE CEUTA"
Dia6Mes6Año2004Página4
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte postal,Arte experimental
SinopsisDiego Segura es uno de los mail-artistas más comprometidos en los circuitos internacionales. Con sede en Ceuta, regularmente organiza convocatorias de Mail Art con una clara finalidad ecologista, solidaria o inter-cultural.

Este último aspecto es el que con más cariño cuida en su ciudad de residencia. En la presente convocatoria entiende que Ceuta es un lugar de promiscuidad cultural y para él esto es un valor añadido que debe cuidarse, promocionarse, quererse y mimarse. Y asi se ha hecho con las casi 500 obras expuestas en el Museo de Ceuta.

Parte de las obras irán a parar al futuro Museo de la Convivencia de Ceuta, por cuanto los participantes han cedido sus obras a la ciudad siempre y cuando no se comercialice con ellas.

La convocatoria, que pasa a ser bianual, pedirá en su próxima edición que se trabaje sobre fotos reales basadas en la convivencia intercultural.


TituloEL KAMA SUTRA DE LAMAZARES
AutorGUILLERMO SOLANA
PublicacionEL CULTURAL
Dia11Mes12Año2003Página0
MateriaArte experimental
SinopsisAntón Lamazares (Maceira-Lalín, Pontevedra, 1954) siempre ha sabido reunir misteriosamente lo brutal y lo delicado. Se puede ser rústico, primitivo, y al mismo tiempo capaz de una asombrosa sutileza. Las figuras grotescas y los materiales pobres de Lamazares hacen pensar algunas veces en el art brut que vindicaba Dubuffet, pero en ocasiones pueden tener el refinamiento de un Vuillard (un artista, por cierto, que amaba, como Lamazares, pintar sobre cartón). La brutalidad reside ante todo en los soportes. Lamazares evita el lienzo por demasiado domesticado y busca constantemente soportes humildes, de una pobreza franciscana, como el cartón. Igual que el fieltro para Beuys, el cartón es un material protector, porque puede hacer de abrigo o de sábanas o de casa cuando uno vive a la intemperie. Los cartones tienen una biografía anterior, y su vida continúa: son materiales vulnerables y vulnerados. Lamazares los despelleja, los desgarra y los agujerea, para luego recomponerlos, cosiéndolos toscamente con cordel y una aguja de cordonero, dejando en su piel profundas cicatrices. También utiliza a veces la madera; tablones desiguales, de desecho, unidos entre sí precariamente, con grandes grietas. Pero más tarde, sobre estos escombros de una existencia, Lamazares deposita lentamente sus veladuras de barnices, la forma de pintura más delgada y más transparente que hay. De este modo consigue a la vez dejar el soporte desnudo, con su pobreza al descubierto y revestirlo sin embargo de un aura que irradia una intensa emoción.

Porque la pintura, para Lamazares, es siempre emoción. Con la misma pasión que ha puesto al pintar paisajes al aire libre de su Galicia natal, con la misma energía con que ha pintado esperpentos inspirados en los caprichos y disparates de Goya y figuras grotescas que recuerdan a los últimos ángeles de Paul Klee, se aventura ahora en las batallas de amor. Haciendo honor al título de un libro de poemas suyo que reza El deseo es Vesubio, lo que se despliega aquí es la condición volcánica, explosiva del deseo. Algo que, sobra decirlo, no tiene nada que ver con lo que hemos llegado a entender por erotismo, con esa exhibición de cuerpos de gimnasio que nos ofrece cada día la publicidad de moda y de perfumes. El de Lamazares es un erotismo desmesurado, hiperbólico, con su desfile de lenguas y labios voraces, vulvas y falos gigantescos, cópulas y felaciones monstruosas, casi siempre vistas en un close-up que puede llegar a intimidar. Este erotismo pantagruélico viene de las tradiciones populares del carnaval, de la promiscuidad grotesca de los capiteles románicos, del humor de los Cuentos de Canterbury de Chaucer, como también, más cerca de nosotros, de la fecunda imaginería sexual de un Miró, de sus estrellas que son sexos femeninos y de sus narices priápicas. Es un erotismo “pánico” en el sentido que le daba a esta expresión Fernando Arrabal: el Gran Pan ha vuelto. Porque el Eros no se circunscribe a la consabida pareja humana, sino que implica en sus abrazos a toda clase de criaturas: entre los invitados a esta fiesta hay monos, peces, pájaros, y también animales fantásticos, criaturas que parecen inventadas ex profeso para este desbordamiento de la carne.

El resultado es una suerte de mística pansexual, una mística del copular con todo bicho viviente. Del bestialismo, la mística va hacia la vegetación, con sexos femeninos como flores exóticas y falos como bulbos y árboles, y llega finalmente hasta la geología, con pechos, nalgas y muslos como montañas y cañones, en una celebración abrumadora del Eros como fuerza cósmica, que atraviesa todos los seres, todos los grados de la naturaleza.



TituloLA VANGUARDIA INCOMBUSTIBLE: ARTE/VIDA
AutorCALVO SERRALLER
PublicacionEL PAIS ARTE
Dia28Mes4Año1988Página11
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisConseguir cambiar la sociedad a través del arte es la definición más cercana que tenemos para entender el movimiento artístico que se despertó a partir de la revolución del 68 con el objetivo de no separar el arte de la vida.

C.S. traza un largo recorrido que empieza en 1916 en el Cabaret Voltaire de Zúrich y lo traslada a la revista Internacional Situacionista (1958-1969), para enlazar finalmente con otros movimientos como el minimal, arte pobre, arte conceptual, etc. ... hasta enlazar con nuestros días.

Finalmente, a donde nos quiere hacer llegar C.S. es a enfrentarnos con la paradója de que se llegó a repudiar cualquier empleo de los medios tradicionales aunque fuera para producir arte contemporáneo, o a la oposición de enfrentar la estética contra el arte. En definitiva, un articulo para la reflexión, sin afirmar ni negar ninguna premisa.

TituloAL MARGEN: LA ASFIXIA PUBLICITARIA
AutorREDACCION
PublicacionLA PRENSA LITERARIA
Dia27Mes4Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
Sinopsis

El grupo Al Margen y su teatro, acción se presentó durante el I Encuentro del Día Mundial de la Poesía, celebrado en Galería-Museo Josefina. La razón: cuestionar la asfixia publicitaria de la información a que son constantemente sometidos los usuarios.

El performance que nada tuvo que ver con el anunciado formato de “poesía performántica”, sino que con el teatro-acción, teatro alterno o de lo absurdo, dado sus elementos de actuación experimental, crítica social, música, danza y algo de poesía fragmentada repartida al público en papelitos en un sentido interactuante, constituyó un paso más de esta expresión que gusta estar al margen del teatro tradicional conocido y patentado desde las dionisíacas griegas.

Para el doctor Carlos Tünnermann, Nicaragua sigue siendo el país que tiene más poeta por kilómetro cuadrado. Con respecto a la presentación el actor José Wheelock, dijo que tenía sus méritos, pero sin poder explicar el acto melodramático. Sobre el aporte de la poesía exteriorista señaló que ésta sigue teniendo fuerte influencia y permanencia, aún entre muchos jóvenes.

Vale recordar que el epicentro histórico, tanto del teatro como de la dramaturgia nicaragüense es muy joven y se circunscribe propiamente en el siglo XX. Por lo tanto el teatro alterno, es más nuevo aún. Por otro lado, a nivel de Europa vemos que Antonín Artaud (1896-1948), poeta, dramaturgo y actor francés, autor del libro; El Teatro y su Doble, desarrolló teorías y trabajos sobre el teatro experimental. Es importante señalar que se apropió de este término para definir para delinear el nuevo formato, el cual consistía en minimizar las palabras habladas (guiones), movimientos físicos y gestos inusuales y la reducción o eliminación de los escenarios y decorados.

Estas fórmulas teatrales se convirtieron en las señas de identidad del movimiento de teatro en grupo, el teatro de la crueldad, teatro del absurdo, teatro ritual y del entorno socio-real-crítico.

Por ejemplo, también vemos en el, colectivo teatral catalán La fura dels baus, con obras como Actions o Nun, para citar uno conocido. Este se enmarca dentro de un teatro renovador e impactante, que juega con el miedo y las sensaciones fuertes. Para conseguir los ambientes transgresores de sus performances, los actores se rodean de medios técnicos muy sofisticados en el terreno del sonido y la imagen fuerte. Las visiones y los ruidos típicos de la sociedad de consumo son elevados, distorsionados y convertidos en el material denso de sus espectáculos, generalmente breves y rápidos. Ellos gustan de seleccionar escenarios no convencionales, como estadios, plazas públicas o galpones. Ahora si nos regresamos para Estados Unidos, el típico teatro alternativo surgió con el denominado Off-Broadway. La razón; reaccionar contra el teatro de Broadway. Pero aquí no paró la cosa, ya que también surgió otro más extremo y de contra-reacciones, el Off-off-Broadway.
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TituloPOESIA EXPERIMENTAL
AutorREDACCION
PublicacionLA PRENSA
Dia19Mes3Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte experimental
Sinopsis...//...

El grupo de teatro y poesía experimental, Al margen, presentará la obra de poesía performática Ocho horas de discursos, que plantea el problema de cómo se vería visual y conceptualmente el ser humano construido con toda la información.

Es un tema relacionado con la comunicación, la opinión dirigida, el individuo creado, el aislamiento humano como parte del proceso y la información en forma de reciclaje.
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Más de veinte poetas nicaragüenses, en representación de algunos departamentos del país, se darán cita mañana sábado para celebrar el Primer Encuentro Nacional, en conmemoración del Día Mundial de la Poesía. La cita, dividida en dos sesiones, POESÍA TRADICIONAL Y POESIA EXPERIMENTAL, será en la Universidad Americana (UAM) y Galería Josefina.

La poesía gráfica y visual estará a cargo de David Ocón, quien presentará las obras Juventud rebelde, Martirio de Juan Charrasqueado y Palabras caninas. Ovidio Ortega hará una muestra del concepto de poesía en la música, con temas como Ángel vengador, Carta mojada y Mujer.

TituloLIBROS DE ARTISTA PARA JUAN RAMÓN
AutorANTONIO ORIHUELA
PublicacionNOTA DE PRENSA
Dia0Mes1Año2001Página0
MateriaArte postal
Sinopsis

LIBROS DE ARTISTA PARA JUAN RAMÓN

Una doble celebración, los cien años de los primeros libros de Juan Ramón Jiménez y los diez primeros de vida de la Galería Fernando Serrano, confluye en la muestra de más de 160 libros de artistas provenientes de 20 países.
Por Antonio Orihuela

La Fundación Juan Ramón Jiménez y la Galería Fernando Serrano, ambas enclavadas en Moguer, conmemoran estos días la doble efemérides del Centenario de la publicación de los dos primeros libros de Juan Ramón, “Ninfeas” y “Almas de Violeta”, y los diez primeros años de vida del espacio de gestión, exposición y difusión del arte contemporáneo que dirige el Dr. Fernando Serrano.

La doble conmemoración confluye en el proyecto colectivo que desde 1996, comparten la Fundación J.R.J. y la Galería de Arte Fernando Serrano de dar a conocer la obra del poeta de Moguer, desde el diálogo y la reflexión estética en torno a la misma, haciendo intervenir sobre ella a artistas de todo el mundo.

En la presente ocasión, más de 150 artistas de veinte países han vuelto a reescribir, desde las claves de la plástica y la escultura, estos dos primeros libros del poeta de Moguer.

Una vez más, el vehículo del Mail Art o Arte por Correo, ha servido para congregar en torno a estas celebraciones a artistas provenientes de los más lejanos rincones del planeta ( Nueva Zelanda, Australia, Chile, etc.), llamados por su compromiso ético-estético con las nuevas formas de producir, compartir y sobre todo, disfrutar del arte y la poesía entendidas como intercambio generoso de ideas y materiales, desafíos artísticos a las capacidades personales y sentida gratitud hacia el poeta que sirve de eje y da sentido a esta convocatoria.

Homenaje pues, doble, como decimos en tanto se recuerda al Nobel andaluz desde sus libros y se sanciona, desde el arte más humilde, la labor de una Galeria, la de Fernando Serrano, que desde la dura periferia, cumple diez años, contra viento y marea, difundiendo y exponiendo arte rabiosamente contemporáneo como apuesta utópica frente al rígido sistema de las artes y un mercado regional aún débilmente tejido, donde la presencia de espacios como este, más que de agradecer, son de apoyar para que no desaparezcan.

Celebración insólita pues, que se materializa en estos días, en la Galeria de Arte Fernando Serrano con los otros libros que homenajean a los de Juan Ramón, más de 160, de todas las formas, tamaños (y olores) imaginables (circulares, redondos, desplegables, constructivos, perforados...) y sobre todo tipo de papeles y materiales reciclados: cristal, madera, plástico, radiografías, telas, etc.

De entre todo este conjunto heterogéneo de propuestas destacamos los libros realizados con trozos de otros libros como el de Antonio Gómez, los perforados de Juan Manuel Barrado, el libro de cera de Calogero Barba, las cuidadas obras que aportan Carmen Peralto y Francisco Peralto, este último que, en un esfuerzo titánico, ha realizado una edición especial de 75 ejemplares realizados a mano en verde y violeta para festejar el centenario de “Ninfeas” y “Almas de Violeta”. Como contrapunto de todos estos libros, el colectivo granadino de artistas “La Compañía”, envió una cinta de casette que no se escucha, se lee.

La participación onubense, a la altura del acontecimiento, completa esta muestra con los hermosos collages trenzados de hilos, plumas, flores y hojas del onubense Manuel Calvarro Sánchez; el libro cubo de Jorge Arévalo, cuyas páginas se leen extrayendo un cubo de otro; y el librito de deberes que Diego J. González les puso a sus niños a falta de otras “almas de violeta” más a mano.

En cualquier caso, una espléndida ocasión para disfrutar de un espacio expositivo singular en la provincia de Huelva, la Galeria de Arte Fernando Serrano que, junto con la incansable labor de la Fundación Juan Ramón Jiménez, nos ofrecen una original muestra de libros de artistas y poemas objeto, parcelas escasamente practicadas por los artistas y raras veces expuestas, que convierten a estas, en raras piezas para admirar y coleccionar.

TituloVER LA POESIA EN ESPAÑA
AutorJOSE-CARLOS BELTRAN
PublicacionINEDITO
Dia21Mes6Año2004Página0
MateriaPoesia visual
SinopsisVER LA POESÍA EN ESPAÑA
José-Carlos Beltrán


POESIA EXPERIMENTAL ESPAÑOLA 1963-2004
Selección y edición Félix Morales Prado
Editorial Marenostrum Madrid 2004, 160 Págs.

Desde hace cinco años en el panorama poético español se lleva a cabo una presencia constante de la poesía visual a través de antologías, libros individuales, revistas especializadas. exposiciones, números monográficos de revistas de literatura, encuentros de poetas, performances, y hasta premios. Todo lo cual nos hace pensar que la poesía, otra, ésa que se mira y de la que el lector-receptor es coautor por la máxima libertad de interpretación que la obra ofrece, está viva. Aunque no de moda, porque siempre será un ejercicio de minorías, sin darse cuenta la mayoría participa de ella a través de la publicidad. Al mismo tiempo también se ha producido un auge en la práctica del Mail-Art, la perfomance, etc., en toda actividad relacionada con el experimentalismo poético. Pero faltaba un estudio antológico que con claridad pudiera hacer llegar toda esta práctica poética experimental a un público más amplio, y para ello hacía falta la colaboración de una editorial comercial; esto ha sido posible gracias al profesor Félix Morales Prado, antólogo, y a Juan Arribas, director de la Editorial Marenostrum, que edita este trabajo nada menos que dentro de su colección de “clásicos” dirigida al lector-estudiante, lo que revela la importancia que alcanza este libro para un mayor conocimiento de la poesía experimental en España
En una breve introducción de 36 páginas Félix Morales, define el concepto y el alcance de poesía experimental:“ La poesía experimental busca medios de expresión más allá de los utilizados por la llamada poesía convencional …, utiliza todos los elementos a su alcance para conseguir su objetivo poético…, se percibe a través de todos los sentidos, y fundamentalmente de la vista, que en este caso no actúa como vicario del oído sino como sentido insustituible”. En un segundo apartado expone los distintos tipos de poesía experimental, definiéndolos con ejemplos que ayudan a la comprensión de conceptos, así nos habla del letrismo, de la poesía concreta, fonética, semiótica (o icónico-verbal), la poesía acción, el poema propuesta, el videopoema y la poesía cibernética. No se le escapa nada a Morales, que quiere aclarar didácticamente las diferentes poéticas dentro del experimentalismo pensando en esta antología como una obra de iniciación para descubrir el interés de nuevos lectores y creadores sobre el tema, sin dejar de ser por ello una importante contribución al conocimiento de la poesía experimental española en todas sus dimensiones. Una tercera parte del estudio lo dedica Morales a hacer un poco de historia: desde la antigua Grecia al siglo XIX, con la reproducción de ejemplos como “el huevo” de Simmias, “La Siringa” de Teócrito de Siracusa, las Micografías de Albulafia del medioevo, o del siglo XIX, “El tres de copas” de Carlos Miranda, introduciéndonos en los antecedentes inmediatos a las primeras vanguardias bajo la influencia del ultraísta Vicente Huidobro, con poetas como Juan Salvat-Papasseit. En la cuarta parte hace un resumen de lo que podríamos llamar la poesía experimental española propiamente dicha, introducida en España por el poeta uruguayo Julio Campal a principios de la década de los sesenta con el grupo Problemática 63, junto autores como Ignacio Gómez de Liaño y Fernando Millán, fundador del Grupo N.O. y máximo representante español de la poesía experimental desde sus inicios en España hasta la actualidad, como poeta, editor y promotor de actividades en torno a la divulgación de ésta, y coautor de la mítica antología “ Las palabras en libertad” de carácter internacional, en la que incluye a catorce creadores españoles, y que sirvió para el conocimiento de esta otra poesía por parte del gran publico; publicada por una editorial de prestigio comercial como Alianza Editorial, supuso en su día algo semejante a lo que la presente obra de Félix Morales Prado podría despertar en la actualidad.
Se adentra en los años setenta destacando la figura de Felipe Boso, que publica la primera antología de poesía experimental española en la revista alemana Akzente, que da un importante conocimiento internacional de lo que se esta haciendo en España. Para concluir, un breve repaso a las últimas décadas, en las que conviven la más extensa pluralidad de poéticas experimentales incluida la más reciente poesía cibernética.
El libro reúne obra de cincuenta y dos creadores, desde los iniciadores, que bien podríamos llamar “clásicos”, como Julio Campal, Guillem Viladot o Fernando Millán, hasta los más recientes como Manuel Calvarro o Agustin Calvo , sorprendiendo ausencias como la de Juan Brossa “ por impedimentos legales derivados de las exigencias inasumibles impuestas por los herederos de los autores” (p.37), aunque siempre están presentes cuando de poesía visual se habla. Hay que observar que Felix Morales, con la amplia denominación de poesía experimental, nos ofrece conjuntamente una muestra de poetas visuales (Antonio Gómez, Julian Alonso…), mail-artistas ( Cesar Reglero, Juan Orozco, Ibirico …,) , y poetas experimentales puros (Jose María Montélls, José Luis Castillejo…), lo que da una idea muy clara del experimentalismo español actual .en toda su amplitud, incluyendo performers como Bartolomé Ferrando, J.M.Calleja o Nel Amaro.
Los poetas incluidos son : J.C.J de Aberasturi, Francisco Aliseda, Julian Alonso, Nel Amaro, Carlos Antón Pacheco, Pablo del Barco, José-Carlos Beltrán, Felipe Boso, Antonio L. Bauza, Manuel Calvarro, Agustin Calvo, J.M. Calleja, José Luis Campal, Julio Campal, Xavier Canals, La Carpeta, José Luis Castillejo, Juan Eduardo Cirlot, Rafael de Cózar, Juan José Espino Vargas, Bartolomé Ferrando, Francesc Xavier Forés, Rodolfo Franco, Antonio Gómez, Joaquin Gómez, Ibirico, José María Iglesias, Isabel Jover, Juan López de Aél, Alfonso López Gradolí, Guillermo Marín, Rafael Marín, Fernando Millán, José María Montéis y Galán, Antonio Orihuela, Juan Orozco Ocaña, Julia Oxoa, Francisco Peralto, Carmen Peralto, José María de la Pezuela, Francisco Pino, Cesar Reglero, J.Ricart, Nieves Salvador, J.Seafree, Angela Serna, Joseph Sou, Ricardo Ugarte, José Miguel Ullán, Gustavo Vega y Guillem Viladot.
El libro se cierra con unas “notas para la lectura de poemas experimentales” (pp.129-133), que ayudarán al lector que se inicia en esta poesía, y con las biobibliografias resumidas de los autores antologados. Es de agradecer el esfuerzo editorial de la selección de un poema por autor publicado a color, a fin de poder contemplar la obra en toda su dimensión.
En resumen, un buen libro de ésos que nunca pasarán desapercibidos, y que serán necesarios siempre que se hable de poesía experimental española; un esfuerzo del profesor Félix Morales Prado que puede servir como base a un estudio mucho más amplio, que tanta falta hace para un mayor conocimiento del género.

TituloLIRISMO VISUAL
AutorANTONIO ARBELOA
PublicacionCUADERNOS DEL MEDITERRANEO
Dia30Mes0Año2004Página8
MateriaPoesia visual
SinopsisEntrevista al poeta visual Bartolome Ferrando por su exposición a la Galeria de Arte Canen de Castellón del 28-5 al 26-6 de 2004. bajo el titulo generico de "CRISTS ESCRITS" una colección de cuarenta piezas que cada una contiene una historia concreta con una importante dosis de ironía paro tambien del sentimiento trágico de la propia existencia.
Dice B. Ferrando " La poesia visual constituye un arte intermedio que combiana escritura e imagen.No se trata simplemente de una relación similar al collage, de una unión de entidsades separadas, sino de crear un signo a medio camino entre las grafias y la imagen
Afortunadamente existe un público numeroso que se interesa por este arte conceptual.

TituloPOESIA SOBRE EL TERRENO
AutorISABEL OBIOLS
PublicacionEL PAIS CULTURA
Dia2Mes6Año2004Página42
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisUn caligrama es un texto, generalmente poético, en el que la disposición de las palabras procura representar el contenido del poema. Y un caligrama de Joan Salvat- Papasseit ha sido elegido como emblema de una serie de montajes e instalaciones a lo largo y ancho de Barcelona, y dentro de los actos del Forum 2004, con el fín de hacer que el poema sea fuente de inspiración plástica y de que el ciudadano, al encontrarse con ellos, forme parte de ese conjunto denominado "el arte es vida". Esta es la finalidad del colectivo Propost al desarrollar esta iniciativa.

TituloLA VIDA ES UNA FOTOCOPIA
AutorCARLOS ARMENGOL
PublicacionCATALUNYA SUD
Dia26Mes9Año1987Página13
MateriaArte experimental
SinopsisAl igual que ha sucedido con el ordenador, los artistas pueden usar o dejar de usar la tecnología moderna, pero lo cierto es que no deja de ser un instrumento más al servicio del arte. Sucede que muchas veces, el artista se niega radicalmente a emplear las nuevas tecnologías por temor a desvirtuar "su arte". Asi que, como dice José Luís Campal, tenemos que situarno en 1938 para encontrar al primer artista ante una fotocopiadora, plánteandose si ese instrumento era bueno o no para "su arte". Si aquel artista era realmente creativo, enseguida llegaría a la conclusión de que podía usar una fotocopiadora con la misma libertad que puede usar un lápiz o un pincel.

Y es con esta mentalidad que Nani Curell y Mireia Masó trabajan en el campo del copy-art con total libertad en la carcel Modelo de Barcelona, porque Nani, además, es abogado y ejerce como tal en este espacio. Es alli, donde esta pareja exponen sus obras y crean sus composiciones a partir de una realidad marginal.

Ellos mismos dicen que han sido duramente criticados por los especialistas al considerar que el copy-art tiene mucho de fraudulento y de plagio. Es por ello que queremos completar esta crónica con un trabajo de Campal sobre el tema publicadas en P.O. Box

UNAS ESCUETAS NOTAS SOBRE ELECTROGRAFÍA Y COPY-ART
José Luis Campal
La invención de la primera máquina fotocopiadora por el químico norteamericano Chester Carlson en 1938 constituyó la primera piedra del futuro edificio reprográfico, un acontecimiento que expandería las fronteras del fenómeno artístico en cuanto que medio electrostático susceptible de afianzarse, al mismo tiempo, como soporte tecnológico y como parte implicada en la organización de un proceso creativo.

En los años 60, la funcionalidad de la fotocopiadora cambia, y a ello colaborarán, entre otras, las investigaciones desarrolladas por pioneros como la estadounidense Sonia Landy Sheridan, quien desde el Instituto de Arte de Chicago puso en marcha un ambicioso plan difusor del Copy-Art, llevando las premisas de la práctica electrográfica a los más diversos ámbitos académicos y sociales, por medio de artículos, conferencias y programas pedagógicos como el que ella denominó “Generative Systems”; Sheridan llegará incluso a prestar su colaboración cuando se fabrique la primera fotocopiadora a color.

La denominación “electrografía” se la debemos al crítico de arte francés Christian Rigal, quien la lanzó por vez primera en 1980 desde la revista B à T. Otros términos que se manejan para referirse al mismo campo de actuación son los de: copigrafía, fotocopia de arte, reprografía, xerografía o copy-art, que ha sido uno de los de más feliz implantación entre los muchos e inquietos cultivadores.

El arte pop primero y el movimiento mail-artista después harán uso de las posibilidades que les brinda la copigrafía. Los artistas pop, al posibilitarles la transformación de lo cotidiano sin perder contacto con la realidad más banal; y los mail-artistas, al favorecer la reproducción casi infinita de obras y documentos sin tener que recurrir a las empresas de artes gráficas; la democratización del entorno artístico, tan enconadamente perseguida por los artistas postales, veía así colmadas buena parte de sus aspiraciones, puesto que el autor se trasmutaba inmediatamente en su propio editor y distribuidor, y a la inmediatez con que el producto salía del taller y llegaba a su destinatario, se sumaba la rentabilidad económica, ya que el artista no debía realizar una tirada larga para compensar los gastos derivados de la impresión.

La xerocopiadora adquiere entonces un valor añadido como utilísimo apéndice instrumental de las nuevas modalidades, y esto en un doble sentido: el autor se sirve de la fotocopiadora en el tramo último del proceso, el de la multiplicación de un original, pero también en los compases iniciales e intermedios del mismo, superando pronto aquélla la simple función reproductora de un material de base, ajena al proceso interno de la creación, para ocupar un puesto primigenio en las elaboraciones con sentido estético.

Una de las losas que a la electrografía le han echado los sectores más anquilosados es, junto a la desjerarquización conceptual del Arte, la de que la automatización restaba protagonismo al artista. La apuesta realizada por la gran mayoría de poetas visuales y experimentales, que han confiado sin mayores recelos en el poder constructivo de la electrografía, no hace más que desmentir tales miedos, ya que la fotocopiadora, lejos de sustituir o ganarle parcelas al operador, lo que ha hecho, a través suyo, ha sido modificar los impulsos creativos del artista y afectar a la idea tradicional de “obra original”: ésta no existe matéricamente, y la patente del ejemplar generado, en lo que atañe a la confección, no le va a corresponder al 100% al autor en tanto que persona física, ya que la obra resultante de la interacción electrográfica abre caminos nuevos a la idea de unicidad e irrepetibilidad. Al ejecutarse, en gran parte de los casos, directamente sobre el visor de la fotocopiadora las alteraciones, deformaciones y distorsiones que van a dar lugar a la electrografía, no puede afirmarse que haya una matriz que se copia o sea susceptible de copiarse; lo más que puede llegar a manifestarse es que la primera electrografía es la que pasa a convertirse en sucedáneo de original, y eso siempre y cuando el operador no la reutilice en otras aplicaciones hasta alcanzar las metas deseadas; la manipulación electrográfica no conoce más límite que el que le imponga el operador, que aunque adapte su sistema de trabajo a las singularidades tecnológicas de las máquinas fotocopiadoras, nunca se doblega al desarrollo de éstas inconscientemente.

El electrografista busca intervenir activamente en un procedimiento electromagnético con su presencia y voluntarismo artísticos, por lo cual su trabajo estará siempre en permanente evolución, pendiente de los modelos de xerocopiadora que salgan al mercado; la impresión en papel, por ejemplo, ha dado paso posteriormente a las transferencias en materiales textiles o metálicos.

El electrografista quiere extraer de la conjunción del hombre y la máquina un discurso diferente que atienda fundamentalmente a las texturas y una nueva semántica visual. Hombre y máquina, como afirma António Aragão, no se manifiestan autónomamente, sino que son «dos sujetos (que) funcionan en una palpitante simbiosis como si hubieran sido reducidos a uno sólo». La máquina se pone, evidentemente, al servicio del operador, y éste se mueve en respuesta a las posibilidades de aquélla, incluso forzándolas y tensándolas.

La electrografía fusiona las prioridades artísticas y fisiona la predeterminación y predestinación del llamado objeto de arte, a la vez que subvierte los pasos escalonados en el logro de un objetivo, sometiendo a éste y al creador al fogonazo que en cualquier momento pudiera darse.

La intensificación del electrografismo tuvo sus primeras repercusiones de cierto eco en las grandes exposiciones colectivas que en los años 70 se llevaron a cabo y de las que fue un paradigma la titulada Electroworks, realizada en 1979 en el Museo Internacional de Fotografía de Rochester (EE.UU.). El sucesivo interés despertado motivó en los años 80 que se hicieran largometrajes y documentales sobre la electrografía, como fue el caso de los trabajos en vídeo y para televisión de Philippe Dodet y Jacques Chavigny, presentados en el marco de una destacada exposición, la más completa ofrecida hasta entonces en Europa, que se desarrolló en Dijon (Francia) en 1984. Otro paso más adelante, consecuencia de la abundantísima producción, fue la constitución de archivos y museos consagrados al almacenaje y conservación de las numerosísimas piezas electrográficas, como el Centre de Copy-Art, creado en Montreal (Canadá) por Jacques Charbonneau, o el Museo Internacional de Electrografía, radicado en Cuenca.

Un país caracterizado, en las últimas décadas, por una cuidada y reflexiva dedicación de sus artistas a la electrografía ha sido Portugal, de donde han surgido algunas personalidades muy fuertes como: António Aragão, António Dantas, António Nélos, Abilio José Santos, José Belem, Alberto Pimenta, José Oliveira o César Figueiredo.



TituloENSAYO SOBRE POESÍA EXPERIMENTAL
AutorREDACCION
PublicacionEUROPA PRESS
Dia11Mes9Año2003Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
Sinopsis


Editado el único ensayo teórico sobre la poesía experimental visualista española de los 70 "heredera del pop-art"

SEVILLA, 11 (EUROPA PRESS)
La editorial Alfar ha publicado el "único ensayo teórico al margen de recapitulaciones históricas" que abarca y analiza la estética y el ideario filosófico-literario de la poesía visualista y experimental española, 'ismo' que tuvo en la década de los 70 su período de "máxima fuerza vital" y que entronca y "es heredero, en parte, del pop-art de la década de los 60", según defendió el crítico y experto de este movimiento post-vanguardista, Juan Carlos Fernández Serrato.

En declaraciones a Europa Press, Fernández Serrato se refirió a su libro, '?Cómo se lee un poema visual? Retórica y poética del experimentalismo español (1975-1980)', como un ensayo "singular", pero "de gran importancia", por cuanto pretende "salvar del aislamiento la enorme obra de Carlos Edmundo de Ory y Juan Eduardo Cirlot, así como aupar los logros inauditos en este campo de Juan Brossa, Francisco Pino, Enrique Uribe y Fernando Millán, máximo exponente éste último de este ismo".

Así, el crítico y ensayista defendió el "movimiento de ruptura" de este forma de hacer poesía que, "si bien es cierto que fue un fenómeno efimero", permitió no obstante a los jóvenes poetas españoles del momento "conectar y recuperar la modernidad de principios de siglo, interrumpida tras el período franquista", al tiempo que posibilitó "abrirse a las investigaciones formales y retóricas que se ensayaban sobre esta forma de hacer poesía funadamentalmente en Francia, Alemania y Brasil".

En la misma línea, Fernández Serrato explicó que la poética experimental "que tuvo en los poetas andaluces grandes seguidores y en Madrid su centro de operaciones, ya que sus primeros pasos se dieron entorno al grupo 'Problemática 63' y más tarde con Parnaso 60", está presente hoy día en "muchas manifestaciones del arte y la publicidad como son los anuncios que juegan con la imagen y las palabras, las cubiertas de los discos de música pop o los fancines".

En cuanto a sus conexiones con otras ramas del arte, el autor del libro precisó a Europa Press que la poesía visual "como forma de arte conceptual, estuvo también conectada con otras manifestaciones artísticas como la música, de la mano de John Cage o Pierre Henry, toda vez que tomó prestadas ideas del arte abstracto, aunque los pintores de lo abstracto bien es cierto que no le prestaron mucha cuenta a este ismo".

En cuanto a su ideario filosófico-artístico, Fernández Serrato señaló a Fernando Millán y Javier García Sánchez como los promotores de su fundamentación "que podría resumirse en la idea de que la palabra escrita, como forma de arte, ya había acabado su periplo histórico y vital, si bien má starde y con los años muchos de estos poetas cambiarían de idea o evolucionarían a posiciones más moderadas como ocurre con otros movimientos".

McLUHAN POETA VISUALISTA

También se refirió a Julio Campal, escritor hispano-uruguayo, como el "padre de la poesía experiental visualista", y a persdonalidades de la talla de Marshall McLuhan, autor de 'La Galaxia Gutemberg', como "poetas que igualmente fueron visualista". Por último, Fernández Serrato apuntó a Europa Press que el libro incorpora hasta 34 láminas que "ejemplifican los presupuestos y formas de hacer de este arte tan desconocido para muchos".

AUTOR

Juan Carlos Fernández Serrato es doctor en Filología y se ha ocupado de cuestiones relacionadas con la Literatura Comparada y la Teoría de la Cultura desde la obra narrativa de Rafael Sánchez Ferlosio, pasando por el pensamiento nómada de Gilles Deleuze y la reflexión acerca de la teoría postmoderna, así como de la investigación de las dimensiones culturales del rock.

En poesía ha trabajado especialmente sobre las poéticas de la Generación del 70. Además, ha comentado a Antonio carvajal en la edición de 'Diapasón de Epicuro' (Sevilla, Fundación El Monte, 2003), y en la obra colectiva 'El corazón y el lúgano' (Granada, Universidad, 2003), bajo la dirección de Antonio Chicarro.

Igualmente, es buen conocedor de la obra poética de Jenaro Talens, al que ha estudiado y antologado en Minimalia (Madrid, Biblioteca NUeva, 2001) y 'Cantos rodado' (Madrid, Cátedra



TituloLA POESIA VISUAL, UNA FORMA DE CANTAR
AutorP. ORTEGA
PublicacionDIARI DE TARRAGONA
Dia21Mes5Año2001Página39
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte experimental
SinopsisCon motivo de la edición de el CANTE DE LAS CUARENTA: GREGUERIAS DE LA POESIA VISUAL, Ortega glosa la figura del autor, Guillermo Marín, y lo pone como ejemplo paradigmático de una contraversia que nos remite al desconcierto que existe actualmente trás la irrupción de este género como una disciplina artística que se mueve en los terrenos intermedios derivados de la conjunción de la literatura, la plástica, el concepto y la ídea imperceptible.

Igualmente el autor refleja la importancia que ha adquirido el campus de Tarragona para la Poesía Visual, trás las nueve ediciones celebradas en Vespella de Gaía de la mano de Joan Brossa y con el patrocínio de su alcalde, el carismático Rafael Bartolozzi, y su ministro de cultura, Joan Abelló. Allí estuvieron dando soporte a la experiencia Carles Hac Mor, Bigas Luna, Esther Xargay, Xavier Canals, César Reglero,José Carlos Beltrán, Nieves Salvador, María Jesús Montía,Paco Pérez Belda, Bertomeu Ferrando...etc.

TituloLA INFLUENCIA DE BEUYS
AutorMANEL CLOT
PublicacionEL PAIS
Dia22Mes4Año1988Página19
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisLa vanguardia europea tiene en Beuys a uno de sus más importantes protagonistas. A los 20 años fue movilizado por el ejército nazi, lo que le llevaría a convertir su tierra en el principal punto de referencia de su obra. Tras el final de la Guerra acudirá a la Academia de Düsseldorf, realizando una amplia serie de dibujos de pequeño formato que le sirven de punto de partida para una grupo de obras realizadas con productos perecederos y de deshecho. Desde 1963 el fieltro y la grasa serán sus materiales favoritos, procediendo sus objetos de los restos de happenings. Manel Clot reseña especialmente la influencia de Beuys en Düsseldorf: entre 1961 y 1972 fue profesor de la Academia de Düsseldorf, dándose a conocer en la "Documenta" de Kassel de 1968. En sus teorizaciones presenta a la sociedad como una escultura, entrando en el llamado arte antropológico. Sus "happenings" le llevarán a alcanzar la fama, especialmente en los Estados Unidos donde el Guggenheim Museum de Nueva York le dedicó una gran retrospectiva que le consolidó como uno de los máximos representantes del arte conceptual.

TituloAPOCALIPTICOS E INTEGRADOS
AutorF. CALVO SERRALLER
PublicacionEL PAIS CULTURA
Dia29Mes4Año1987Página29
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisECO, Umberto (1990). Apocalípticos e integrados. Barcelona: Lumen.

En una serie de ensayos magistrales sobre la cultura de masas- en los que analiza la estructura del mal gusto, la lectura de los cómics, el mito de Superman, la canción de consumo, el papel de los medios audiovisuales como instrumento de información o el influjo de la televisión en el mundo de hoy -, Eco se plantea el problema central de la doble postura ante la cultura de masas: la de los apocalípticos, que ven en ella la "anticultura", el signo de una caída irrecuperable, y en la de los integrados, que creen optimistamente que estamos viviendo una magnífica generación del marco cultural

A partir de esta tesis defendida por Umberto Eco, F.C.S. desarrolla su artículo en el que se cuestiona el desplazamiento enfático dirigido a primar los montajes sobre los contenidos, con una revalorización de la teatralidad y el espectáculo.

En definitiva, se plantea el viejo dilema según el cual la vanguardia está representada por artistas incapaces que tratan de disimular su mal hacer y su falta de talento acudiendo a la provocación y a la sorpresa.


TituloPoesía cotidiana
AutorVictoria Combalía
PublicacionEl País
Dia24Mes10Año1986Página15
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisSe admira la autora de que hayamos tenido que esperar hasta noviembre de 1986 para tener la primera retrospectiva de Joan Brossa en la Fundación Miró,...y se sigue admirando del gran desconocimiento que existe en estas fechas del maestro de la mágía-poética y visual, del humor-absurdo y del objeto imposible.

(*) INFORMACIÓN COMPLEMENTARIA

La poesía abierta de Joan Brossa

Joan Brossa (Barcelona, 1919-1998) es un poeta con una obra singular e irreductible en la lírica catalana y europea de la segunda mitad del siglo XX, que excede todos los parámetros habituales. Por un lado, la extensión de su obra es muy superior a la de cualquiera de sus contemporáneos; por otro, se trata de una obra experimental que no conoce límites y que, en la tradición de la vanguardia histórica, amplía el ámbito poético hacia campos tan diversos como el teatro, el cine o las artes plásticas. A partir de los años setenta -y de una manera especial en los años ochenta y noventa-, el éxito internacional de sus poemas visuales y de sus poemas objeto convertirán a Brossa, paradójicamente, por su obra sorprendente, radical y subversiva, en uno de los artistas más admirados por las jóvenes generaciones. Lo cierto es que pese a que Brossa siempre se definió como poeta, y no como artista plástico, durante los últimos años recibió un mayor reconocimiento público como autor de poemas visuales y de poemas- objeto, y no como autor de una obra poética innovadora y rigurosa, o como autor del conjunto de una de las obras teatrales, de poesía escénica -tal y como él llamaba a su teatro-, más impresionantes y desconocidas del siglo pasado en la tradición europea.
Lejos del oportunismo o de las modas pasajeras, la obra de Brossa se caracteriza por la franqueza y el rigor de su evolución y de sus planteamientos éticos y estéticos. Toda la obra de Brossa, aún en parte inédita, se erige como un maravilloso y transgresor canto a la libertad y a la fraternidad humana, desde la lucidez de una posición crítica contra el poder establecido y solidaria con las clases y las culturas desfavorecidas, más cerca de ideologías libertarias y heterodoxas que del marxismo ortodoxo. "El arte es vida, y la vida, transformación", acostumbraba a decir el poeta haciendo suya una frase del célebre transformista italiano Leopoldo Fregoli (1867-1936), uno de los personajes que más le fascinaron. Poesía, arte y vida, como en el ideario de la vanguardia histórica, se unen en la obra y la vida de Brossa. No es extraño, pues, que la crítica de arte Victoria Combalía definiera a Brossa como el último vanguardista, como el continuador de la tradición moderna que unió arte, poesía y vida, la estirpe trazada por nombres como los de Apollinaire, Tzara, Duchamp, Picabia, Schwitters, Breton, Artaud o Miró. Es decir, la tradición amplia y diversa del poeta como artista que ha analizado Juan Manuel Bonet y que, en lengua española, remite a autores tan diferentes entre sí como Huidobro, Gómez de la Serna, Girondo, Lorca o Alberti.

TituloLas otras poesías (parte I) - Entrevista a Fernand
AutorFrancisco Carpio
PublicacionEscaner Cultural
Dia0Mes5Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte experimental
SinopsisFragmento de la última entrevista concedida por Fernando Millán publicada originalmente en el número 202 (mes de abril) de Lápiz, la conocida revista española de arte. Millán en esta ocasión manifiesta desde su propia obra y desde un contexto general, tanto teórico como histórico, lo que supuso y lo que él reconoce bajo el membrete de poesía experimental, un saco donde la única premisa, según sus propias palabras es asumir que en el fondo sólo hay forma; o el significado sigue a la forma llevado hasta las últimas consecuencias, dando un breve repaso a la trayectoria personal y creativa de Millán.

TituloArte Correo. La utopía de la comunicación eterna
AutorClemente Padín
PublicacionEscáner Cultural
Dia0Mes5Año2004Página0
MateriaArte postal
SinopsisRevisión crítica acerca de las interferencias creadas en el circuito postal que generan el arte correo, Padín recalca el fundamento comunicativo del proceso de este tipo de creación, cuya intención es y seguirá siendo reivindicar el contacto personalizado y desinteresado frente a la impersonalidad y la venalidad generada por los mass media, y precisamente por eso, porque el arte correo es objeto de comunicación, invalorable en el mercado a donde intereses espurios recientes (infructuosamente) lo han pretendido dirigir. (R.F.)

TituloARTE DE VANGUARDIA
AutorFRANCISCO CALVO SERRALLER
PublicacionEL PAIS CULTURA
Dia4Mes5Año1986Página59
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisSitua el autor del artículo entre los años 1976-1986 el periodo en el cual el arte se revolucionó de tal manera que los conceptos de vanguardia, posmodernidad, transvanguardia, etc. perdieron el norte y se empezaron a producir una serie de fenómenos que hicieron que las extravagancias y la provocación se convirtieran en un fenómeno de masas con inversiones multimillonarias en cacas enlatadas o en un contenedor cuyo contenido debía ser descubierto el último día del año 2099

(*) DOCUMENTACION COMPLEMENTARIA

El arte es algo que ha dejado de habitar un universo cultural seguro. En la era contemporánea el proceso por el que la estética alcanza su autonomía y pierde su carta de naturaleza romántica es el mismo. Esta idea, sintetizada en la expresión “muerte del arte”, es uno de los lugares comunes que acompañan el malestar ideológico occidental. No obstante, es preciso avanzar, antes que plantear qué podrá ser el arte en su segunda vida posmoderna, que esta muerte representa únicamente un concepto que, aunque del todo asimilado en nuestra cultura, tiene como paradigma estético sólo algo más que doscientos años.

Esta franja histórica de asentamiento conceptual es la que afronta Francisco Calvo Serraller para desarrollar cómo en los mismos orígenes de la modernidad se encuentran ya los gérmenes de su inconsistencia; de un lado la disolución progresiva del artista, de otro la absorción del arte por parte de la técnica. El estudio se detiene en los sucesivos momentos de este proceso por el que el arte adquiere sus valencias actuales caracterizadas por la inestabilidad del signo, por la alteridad del lenguaje.


TituloLYGIA PAPE
AutorJUAN ARIAS
PublicacionEL PAIS
Dia7Mes5Año2004Página64
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisCon motivo del fallecimiento de Lygia Pape, se glosa la figura de quien revolucioníó las artes brasileñas.

(*) AMPLIACIÓN DE LA INFORMACIÓN

Con la artista plástica Lygia Pape surgió en Brasil, en la década de los sesenta, el movimiento denominado neo-concreto, con la intención de "incorporar a la obra de arte la participación del público y, a la vez, servir como una reacción en contra del arte geometrista y otras manifestaciones artísticas de la época, que tenían una relación distinta hacia el espectador".

La obra de esta creadora originaria de Río de Janeiro, asegura el curador Pedro Reyes, tiene intenciones antropológicas y de misión social, por lo que, al igual que sus compañeros de esa corriente, Lygia Pape "crea espacios de participación, como los performances colectivos, en los que se requiere la intervención del espectador para completar la experiencia estética de sus trabajos".

Profesora de lenguajes visuales en la Escuela de Bellas Artes de Brasil, la expositora ha realizado varios "relieves sonoros", que son piezas de metal que al tocarse emiten sonidos y producen "fenómenos interesantes", según Pedro Reyes, porque "se observan como una composición visual", aunque en realidad incorporan dos sentidos más: el tacto y el oído, elementos que normalmente no son incluidos dentro de las artes plásticas.

Por todo ello, asegura Pedro Reyes, el público recorre las obras de Lygia Pape "con el ojo y la mano y las experimenta con el oído". Sin embargo, todas ellas tienen la finalidad de ofrecer una serie de elementos que son utilizados "para ampliar el rango de libertad en la percepción de las obras de arte".

En otras ocasiones, Lygia Pape ha llegado a la incorporación de sabores y olores a sus obras, según sea el caso, para atraer al público a través del sentido del gusto, además de trabajar los performances colectivos, en los cuales busca subrayar la "sinergis social" y la "catarsis colectiva", e involucrar al espectador en una nueva experiencia artística.

El curador de la exposición, Pedro Reyes, sostiene que lo importante de la escena artística brasileña de los años sesenta es que "había una serie de experimentos muy sobresalientes, con la idea de expandir las barreras y fronteras del arte de ese entonces".

De ahí que, agrega, en los últimos tres o cuatro años, haya surgido una increíble revalorización de todos esos maestros brasileños, entre ellos Pape, porque, además, han sido una notable influencia para las generaciones de artistas de los noventa de Europa, Estados Unidos y Asia.

Lo interesante de la labor de esos artistas es que desarrollaron, en un país de Latinoamérica, un movimiento de vanguardia simultáneo al conceptual y al minimalista que estaban surgiendo en Estados Unidos e Inglaterra. La diferencia con éstos es que los brasileños le dieron a sus obras un sentido mucho más humano y sin "cortes clínicos, hiperrigurosos e hiperaburridos", como era, en especial, el arte norteamericano, dice Pedro Reyes.

Por si fuera poco, los latinos también impregnaban sus trabajos de "una circunstancia social crítica", de un sentido de modernización, de la mezcla de razas, junto a una cuestión latinoamericana (como las fiestas, la participación colectiva y el movimiento del cuerpo), lo cual fue creando un movimiento conceptual que retomaba la temática humana, excluida hasta entonces en otras corrientes artísticas, afirma el curador.

Por ello, asegura, "todo mundo puso los ojos en Brasil", país que estaba ofreciendo una visión fresca de Latinoamérica, y porque finalmente el arte conceptual se fue haciendo cada vez más frío, en el sentido de que se convirtió en una serie de metodologías, las cuales, no obstante, continúan siendo una referencia para todo el mundo. Concluye Reyes que "se trata de un reflujo de estas ideas, en donde la libertad de incorporar influencias en los noventa, le permite a los artistas jóvenes agotar sus referencias clásicas".



TituloARTE Y DINERO
AutorALFONSO ARMADA
PublicacionEL PAIS CULTURA
Dia5Mes12Año2004Página30
MateriaArte experimental
SinopsisExisten dos tesis claramente contrapuestas, que han trascendido hasta nuestros días.

Una de ellas partiría de esta base, tan simple como romántica: donde existe la perspectiva del dinero, el arte no puede funcionar. Otra, cruel pero realista, indica que el mercado del arte se mueve básicamente por ambiciones más o menos relacionadas con el dinero, bajo argumentos sociales, económicos y políticos, al margen de los ideales poéticos.

La manipulación, el deseo irracional de poseer y las telas que tejen las leyes de oferta y demanda son, sin duda, causa de las extrañas variaciones del mercado del arte que, según Hughes, se podría basar en dos artículos de fe. «El primero» -dice- «es el dogma de la Perpetua Resurreción de los Muertos. Sostiene que todo lo viejo puede revivir. El segundo se refiere al Milagro de la Oreja de Van Gogh, que enseña al incrédulo que nada nuevo puede ser rechazado».

Esas sentencias de Hughes son mordaces, pero certeras. Hoy, con el desconcierto del público hacia el arte contemporáneo, con la proliferación de artistas y comisarios, y con el esnobismo que impera dentro del circuito, las buenas ideas se contraponen con frecuencia a la escasa profesionalidad. No es extraño, pues, que muchos creadores pésimos se valoren desproporcionadamente, mientras otros, prometedores, fracasan tras entrar al juego de la compra-venta.

Ante la presión comercial es difícil ser rentable sin caer en el mimetismo. En sus redes, el buen artista se pierde con frecuencia.

TituloVIDEO CREACION Y PERFORMANCE
AutorJ.R. PEREZ ORNIA
PublicacionEL PAIS / ARTE
Dia5Mes12Año1987Página29
MateriaArte de accion,Arte experimental,Performance
SinopsisLa autora del artículo relata la evolución que ha seguido el video-creación hasta llegar a ser una disciplina artística con pleno valor en centros de arte, fundaciones y museos. Por poner algún ejemplo señala el Centro de Arte Reina Sofia, el Circulo de Bellas Artes, el Instituto de Estudios Norteamericanos de Barcelona, el Institulo Alemán de Madrid,...como pioneros en introducir el video-creación como materia relevante de sus actividades.

Como momento de inflección señala Documenta 8 de Kassel donde el video y la performance formaron un sólo cuerpo con una gran éxito.

TituloANTONI ABAD
AutorA. MOLINA
PublicacionABC CULTURA
Dia5Mes6Año1999Página33
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisAntoni Abad nació en Lleida en 1956. Ha vivido desde niño dentro de un ambiente artístico e intelectual: su madre es poeta, su padre era escultor. "Yo tenía un padre escultor", recuerda, "que nunca hablaba de escultura, pero siempre hablaba de fuerza. No sé qué es fuerza, pero lo entiendo perfectamente".

En 1979 se licenció en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona. Ese mismo año, comenzó a exponer públicamente sus obras, que han ido alcanzando una resonancia creciente tanto dentro como fuera de España. Harald Szeemann lo seleccionó para la última Bienal de Venecia, en 1999, donde presentó Últimos deseos (1994) y Love Story (1998). Acaba de iniciar una estancia como artista invitado y tutor durante el Curso 2000-2001 en Le Fresnoy, un prestigioso centro/estudio de arte contemporáneo del norte de Francia.
Expone habitualmente en la Galería Oliva Arauna, de Madrid. Sus obras pueden visitarse digitalmente en: www.y0y0.org En estos momentos prepara una exposición que se presentará en el New Museum of Contemporary Art, de Nueva York, a partir del 9 de enero de 2001. Y trabaja en el desarrollo de un proyecto con la imagen de la filoxera, ese minúsculo pulgón que produce la enfermedad de la vid, que pretende abrir en Internet un espacio físico compartido por distintos usuarios.


TituloCADAVER EXQUISITO
AutorFRANCISCO CALVO SERRALLER
PublicacionBABELIA EL PAIS
Dia23Mes11Año1996Página20
MateriaArte experimental
SinopsisBajo el título de "JUEGOS SURREALISTAS. 100 CADÁVERES EXQUISITOS". A.A.V.V. Ed. Fundación Colección Thyssen-Bornemisza. Madrid, 1996, F.C.S. nos relata lo que supuso la experiencia asi denominada para los surrealistas por cuanto la intervención a partir de la obra de otro, pero sin ver la obra del otro, despertaba grandemente la esencia del surrealismo: LO IRREACIONAL, el pensamiento no tamizado por la razón, lo inconsciente, la escritura automática. Bretón inauguró ésta experiencia y le siguieron Picasso, Dalí, Miró, Lorca, Eluard, etc. Este juego lúdico con el azar, conectaba con los sueños y la hipnosis, pero sobre todo demostró ser un experimento enriquecedor, hasta el punto de que ha llegado hasta nuestro dfía por diferentes vías, por ejemplo, dentro del mail art, no es extraño ver aparecer de vez en cuando, alguna convocatoriaz que esta basada en esta experiencia.

(*)
CATÁLOGO EXPOSICIÓN "JUEGOS SURREALISTAS. 100 CADÁVERES EXQUISITOS". A.A.V.V. Ed. Fundación Colección Thyssen-Bornemisza. Madrid, 1996. 211 páginas, 105 ilustraciones en color, 50 ilustraciones blanco y negro, 23,5 x 28 cm, rústica. Español.

TituloMAX ERNST
AutorFRANCISCO CALVO SERRALLER
PublicacionEL PAIS/ EN CARTEL
Dia28Mes2Año1986Página13
MateriaArte experimental
SinopsisCon motivo de la monográfica dedicada por la Fundación Juan March en Madrid A Ernst, F.C.S. repasa la trayectoria de la mítica figura del dadaismo y el superrealismo bajo el título genérico de HAGASE LA MODA, PEREZCA EL ARTE.

(*) AMPLIACIÓN DOCUMENTAL
Con la finalización de la guerra, en la zona alemana el dadaísmo extenderá sus ideales nihilistas por Berlín, Colonia y Hanover. Por lo que respecta a la ciudad de Berlín, George Grosz y Raoul Hausmann se implicarán con su obra en la demoledora crítica de una sociedad totalmente derrotada tras el conflicto. Gras, con sus personalísimas ideas irá mucho más allá de las formulaciones dadaístas y Hausmann se convertirá junto a John Heartfield en el indiscutible maestro del fotomontaje. En Colonia destacará en solitario la figura de Max Ernst, un artista bastante más conocido por su posterior etapa surrealista. En todo caso, antes de embarcarse en la nueva realidad de Breton y los suyos, Ernst ya mostrará un inquietante interés por un mundo de imágenes turbadoras y de pesadilla que después eclosionará en su obra plenamente surreal. En la ciudad de Hanover desarrollará sus actividades plásticas Kurt Schwitters, un personaje cuya obra se encuentra bastante más al margen del trasfondo político que tenían las manifestaciones dadás de Berlín o Colonia. Schwitters manipulará con una maestría excepcional los despojos abandonados por una despreocupada sociedad. En sus composiciones las envolturas de las golosinas, los billetes de tranvía o los fragmentos de madera adquieren una dignidad artística sorprendente.

TituloLIB ROS DE ARTISTA DE ANTON
AutorANA C. FUENTES
PublicacionLA OPINION DE GRANADA
Dia1Mes5Año2004Página36
Materia
SinopsisEn la exposición que durante el mes de Mayo José Emilio Antón ha realizado en la Escuela de Arte y Oficio de Granada sobre el Libro de Artista y el Libro Objeto,el autor ha puesto de manifiesto que este soporte, además de multidisciplinar permite recrear desde un poema objeto a un happening, pasando por la novela negra, una acción teatral o el rodaje de un corto...

y, en consecuencia,reivindica su caracter rabiosamente contemporáneo.

En cualquier caso, estos son algunos comentarios que el propio autor ha desarrollado sobre el tema:

...//...
El libro de artista es una obra de Arte, realizada en su mayor parte o en su totalidad por un artista plástico.

Es una forma de expresión, simbiosis de múltiples posibles combinaciones de distintos lenguajes y sistemas de comunicación.

En un recorrido por la Historia del Arte, de la Prehistoria a nuestros días, encontramos infinidad de obras, de todas las épocas y culturas que, aunque creadas con muy diferentes fines son precursoras del concepto actual de los libros de artista: huesos tallados, tablillas babilónicas, papiros egipcios, libros de oración tibetanos, libros de la cultura cristiana como el Codex de Kells o el Beato de Liébana, etc... Una sucesión de obras hasta llegar al concepto actual del libro como obra de Arte.

Este concepto comienza a concretarse con Mallarmé (Una tirada de dados nunca podrá suprimir el azar, 1897), Apollinar (Caligramas de 1914); El Lissitzky (Dyla Golosa, 1923. Las cuatro funciones aritmétricas, 1928); Francis Picabia (391, 1924); Dieter Rot (Kinderbuch, 1954-57; Picture Book, 1956); hasta llegar a las obras actuales de artistas como Beuys, Brossa, Cage, Lewitt...

Desde el punto de vista del artista, el concepto del Libro de Artista se puede definir como un soporte más, “como un lienzo para el pintor o como la piedra o el bronce para el escultor”, pero sus especiales características hacen de él un medio con unas posibilidades mucho más amplias: el juego con el tiempo, al poder pasar sus páginas, retroceder, desplegarlas y leer un discurso plástico en secuencias espacio-temporales; la posibilidad de unión entre la pintura, la escultura, la poesía experimental, las artes aplicadas, el libro de edición normal... y los más diversos procedimientos artísticos y elementos plásticos tradicionales o innovadores como el CD o el video. Todas estas múltiples combinaciones proporcionan un sentido lúdico y participativo a la obra, ya que el libro de artista se puede ver, tocar, oler, hojear, manipular y sentir.

El artista puede realizar sus obras no sólo sobre papel, cartón o cartulina (los materiales tradicionales del libro), sino también sobre metacrilato, madera, latón, pizarra, broce, etc..., la combinación múltiple de varias materias o aportar materiales reciclados impresos o encontrados. Puede emplear todas las técnicas artísticas posibles desde el óleo a la holografía, desde la acuarela a la infografía, desde el aguafuerte a la electrografía... o la conjunción de varias de ellas.

Este carácter interdisciplinar, permite al Libro de Artista ser el medio de expresión de cualquier movimiento del Arte Contemporáneo, convertirse en poesía visual, en happening, en soporte subversivo, en cuento infantil, en escultura móvil... hasta en novela de ciencia-ficción. Se consigue, en definitiva, una libertad creativa total.

...//...

TituloEL POEMA ACCIO
AutorXAVIER CANALS
PublicacionQUADERN DE EL PAIS
Dia1Mes2Año1987Página6
MateriaPolipoesia,Arte de accion,Arte experimental
Sinopsis

Xavier CANALS

EN EL PRIMER CONGRESO INTERNACIONAL DE POLIPOESIA, Xavier Canals explicó lo que el entendía por Poema-Acción que, de alguna manera. es un desarrollo del artículo publicado en El País.
...//...

El poema acció amb ressons polipoètics /Xavier Canals:

Què és doncs el poema acció?

La resposta a aquesta pregunta no és gens fàcil. Fa molt de temps el novel.lista japonès Shiga Naoya va presentar una obreta escrita pel seu nét com si fos un dels escrits en prosa més notables de l'època. Es va publicar en una revista literària, es titulava "El meu gos" i deia així: "El meu gos s'assembla a un ós; també s'assembla a un toixó; també s'assembla a un llop...". Va continuar enumerant les característiques especials del seu gos, comparant-las cadascuna amb la d'algun altre animal; el resultat va ser una llista completa del regne animal. Això no obstant, l'escrit concloïa dient: "Però, com que és un gos, el que s'assembla més és a un gos".

Això és per fer-se un tip de riure, però diu una cosa seriosa. El poema acció s'assembla a moltes altres arts. Si el poema acció té característiques literàries, també té qualitats teatrals, un aspecte filosòfic, particularitats de la pintura i l'escultura, i elements musicals. Però, en conclusió el poema acció és el poema acció (4).

Què l'identifica? Bàsicament em remetré al text teòric que sobre el poema acció vaig publicar fa una dotzena d'anys al diari "El País" (5), però cal absolutament afegir la teoria dels poetichen aktes dels anys 50 del gran poeta austríac Hans Artmann. Ell ho diferencia molt bé de l'art comercial i tot i les fortes coincidències amb un discurs que després desenvoluparien els artistes conceptuals, estableix ja definitivament una identitat poètica molt clara, malauradament tot i la seva importància, la teoria d'Artmann no era coneguda internacionalment fins la biennal de Venècia de fa dos anys (6).

L'art demana diverses aproximacions sense que cap arribi a esgotar el seu coneixement. Una de les formes artístiques que exigeix un estudi més aprofundit és el poema acció. Malgrat la qualitat i, en alguns casos, el gran nivell dels treballs que estudien aquesta expressió artística, sembla com si el poema acció se'ns escapés, reservant, per a futurs comentaristes significats ocults. Intentaré fer una aproximació al fenòmen des d'una perspectiva doble: la del poeta visual, factor de poemes acció, i la d'analista i historiador del tema. L'interès suplementari podria venir marcat en aquest moment, per la manca, quasi absoluta d'estudis teòrics sobre aquesta qüestió al nostre país.

El poema acció no s'entén sense contextualitzar-lo en un projecte cultural que es contraposa a la vella tradició racionalista, iniciada al Renaixement i arran de l'ascensió al poder de la burgesia. Per al poema acció ha estat decisiva l'influència d'altres cultures, principalment d'orientals. Aquest projecte cultural, en el que es pot incloure el poema acció, ha estat generat precisament per les cultures més antigues, que demostren així la seva vitalitat, la seva permanència, i confirmen la unitat del coneixement humà.

Aquesta particular expressió cultural ha tingut una continuïtat al llarg de la història com qualsevol forma d'expressió, però no ha estat socialment dominant, fora de comptades ocasions que es poden associar a determinats contextos que afavorien la creació social, política i intel.lectual. Principalment, en els moments d'integració i de recerca d'una expressió total, com per exemple, a la Grècia clàssica, on el ritme de la poesia es reflectia en l'arquitectura i també en els moments de qüestionament i recerca d'un metallenguatge que expressés a fons la totalitat de l'ésser humà, com en el manierisme.

Aquests plantejaments d'integració i de metallenguatge són conscients en els artistes més compromesos amb aquesta forma d'expressió. Conscients també de l'enfrontament que provoca amb el discurs dominant quan aquest, per l'esquematisme característic del control pel poder, reforça formes culturals menys arriscades i margina els elements menys classificables.

Cal advertir que, no obstant la importància de les relacions del poema acció amb els pensaments i mètodes arcaics i orientals, la majoria de cops, no es tracta d'influència. Hi ha, des del principi, certes coincidències, punts de partença en comú: fets que, amb el temps es van configurant com una visió del món semblant, això resulta especialment notable en les últimes dècades.

Un dels trets característics dels darrers anys és l'obertura i eixamplament de l'intertext, del silenci. El silenci en el poema, element primordial del poema visual, aspiració de tantes doctrines antigues, es mostra subratllat per signes sintètics, sincrètics i sinestèsics utilitzats amb gran precisió. Rera de cada ideograma (emprat ritualment en el cas dels poemes acció) hi ha, com en els vells pintors zen, un llarg aprenentatge, sobretot interior, que, donada la intensitat emotiva i el sentit profund, directe i primigeni del discurs, aconsegueix fer la sensació que el poema es fa tot sol. Una altra característica n'és la particular relació entre concreció i abstracció donada pel caràcter conceptual del discurs, relació semblant a la que transmeten els mestres zen, això s'ha de destacar perquè s'ha insistit molt en el dramatisme i el caràcter superficialment juganer, com d'acudit, del poema visual. El llenguatge simbòlic té aquest perill, quan no està suficientment elaborat.

Com a motor de tensions, de fet, en tot llenguatge sintètic l'expressió s'hi potencia, és el conegut less is more (més és menys) dels minimalistes: els encerts hi són més visibles, però els errors, degut a la manca de farciment, també s'hi veuen més. Crec que és molt possible que aquesta específica relació de concreció i abstracció dels poemes acció hagi sorgit com la culminació de l'obra encara que hi fos des d'un principi. També és possible que en les accions més antigues, quedés emmascarada pel vessant situacionista que implicava el context dictatorial (emperò, àdhuc actualment, encara que ens poguem felicitar per la quasi absoluta manca de censura, un altre fet pèssim emmascara al seu torn la recepció poètica: el mercantilisme). No gens casualment al poema acció, com a la tragèdia antiga és en el mateix clímax on s'ateny el feed-back més intens, i tot hi és puntual i exacte. Cal recordar aquí l'anàlisi que feia Nietzche en El naixement de la tragèdia de l'inici grec de la nostra cultura i com a més de marcar el sentit sincrètic i total de l'expressió poètica bàquica, marcava també l'amenaça que representava el platonisme, un dels conflictes fonamentals que encara són un motor de tensions actuals.

Al poema acció, hi intervenen formes desfetes (com els sons residuals) i també formes que es configuren davant nostre (com les seqüències de sons, de llums en relació amb l'espectador), i hi intervé l'atzar, però és un "seguro, riguroso azar", que deia Pedro Salinas parlant dels escacs (no casualment la gran passió de Duchamp).

També hi intervenen d'altres formes de caràcter més rígidament estructural (com la música i l'espai) que podríem qualificar fins i tot de geomètriques. Hi participen objectes amb un caràcter simbòlic, o bé la música o algun element que suggereix (com les capes, el faristol, les entrades i sortides, els gestos). La figura humana hi és protagonista amb la seva presència col.lectiva. El públic hi participa d'una manera que es busca que sigui integral, per la qualitat emocional (7) del llenguatge, enfrontat de vegades amb el quasi buit (o amb rastres seus) o bé, d'altres cops, amb un ésser transfigurat de fort caràcter simbòlic: el poeta magià, que sensualment o conceptual utilitza el llenguatge en un sentit gestual o emocional (en l'accepció que emprava Merleau-Ponty). El caràcter exagerat dels factors (poesia=fer) del poema carrega de significat les intervencions més mínimes.

La figura humana en el poema acció pren un caràcter molt peculiar. Per la psicologia sabem que els quatre llocs simbòlics on el subjecte es manifesta (existeix) són: el cos, el món, el sexe i la paraula. El poema acció en la seva recerca d'integració i d'expressió total, els ajunta i els evidencia com a símbols, tot potenciant la seva interrelació. En l'art contemporani, la figura humana no se'ns mostra sencera, a no ser que sigui de forma al.lucinada, com si no ens poguéssim creure allò que estem veient, tan sols se'ns permet veure'n fragments, a través dels quals el creador accedeix a la totalitat o a allò que suposa que és la totalitat.

...//....

TituloJOAN BROSSA I LA POESIA VISUAL
AutorEDUARD ESCOFET
PublicacionAVUI
Dia0Mes1Año1999Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte experimental
Sinopsis...//... hi ha hagut i hi ha encara una gran incomprensió davant la creació brossiana -purament poètica- perquè hi ha gran desconeixement de les pràctiques poètiques d'avantguarda -poesia visual, poesia acció i fins a les més recents i aglutinadores com la polipoesia-. El crític Esteban Pujals així com Fernando Millán (un dels iniciadors i grans agitadors de la poesia experimental castellana) afirmen que el segle XX és el segle de la poesia: quasi totes les avantguardes tenen com a rerefons i impuls la poesia. Proposo doncs, i no voldria pas que quedés com una simple proposta, crear un centre per gestionar el llegat de Brossa, per mostrar-ne una col.lecció permanent i alhora promoure estudis sobre sobre la seva vida i obra així com el seu context cultural i social. També hauria de ser un punt de difusió de la poesia visual d'avui dia i un punt de ressò de les pràctiques poètiques afins als plantejaments brossians d'arreu del món. D'aquesta manera, la inciativa engegada per Herman Bonnin i Hausson, l'Espai Escènic Joan Brossa, tindria el complement que li acabaria de donar sentit. A més, de moment només Vespellà de Gaià (la capital catalana de la poesia visual que Brossa tant estimava) té un carrer amb el nom de Joan Brossa. Seria hora que Barcelona en tingués també un. El carrer Allada Vermell (híbrid dels noms dels carrers que anteriorment ocupaven l'actual plaça) on és situat l'Espai Escènic Joan Brossa podria ser-ne l'anfitrió. Brossa és una llum que amaga tot un bosc. Cal que preservem la flama encesa i alhora guaitem què hi ha al bosc, perquè si no continuarem ignorant una bona part de l'activitat creadora lietarària.

Eduard Escoffet

Barcelona, gener 1999. Publicat a AVUI i Funàmbula nº 2. Corregit i ampliat.





TituloORIGENES DE LOS FANZINES
AutorJOAN PERE
Publicacion CULTURA
Dia30Mes6Año2003Página32
MateriaArte experimental
Sinopsis
El fanzine es un tipo de publicación con más de seis décadas de tradición en países como Estados Unidos, Japón y algunos países europeos, como España.

El más antiguo del que se tiene noticia es "Cosmic Stories" de Jerry Siegel salido a la venta en 1929; se vendía por correo y las copias eran hechas a mano con papel calca. Aunque no existen actualmente copias existentes de este fanzine, su existencia estaría confirmada por la investigación del historiador de ciencia ficción Sam Moskowitz.

Factores que ayudaron a la generalización del fanzine

Tras la 2ª Guerra Mundial, en Japón, el costo de las publicaciones masivas de entretenimiento se encarecieron desmedidamente. Las pequeñas compañías aprovecharon para sacar dos tipos de prensa alternativa a costos muy bajos que se conocerían como mangas y doujinshi (fanzines japoneses).

En 1959 Xerox inventa la fotocopiadora, que abarato los costos de producción para este medio.

En Inglaterra y Estados Unidos el fanzine surge como una forma de hacer un pequeño homenaje a una forma de pensar.

Los orígenes del fanzine en América Latina son inciertos y varían dependiendo la fuente de consulta. Según algunos autores, podrían partir de los años setentas, cuando algunos grupos de tendencia política contrarios al régimen gobernante en diversos países de América Latina utilizaron este medio de difusión para expresar con libertad sus ideas.

Los grupos mencionados contaron con una distribución casi clandestina, pero algunos de los títulos publicados lograron mantenerse por años

).

El webzine, por su parte, comienza tímidamente a inicios de los años ochentas, tan solo un poco después de que Internet fuera accesible para toda la gente con la aparición de la transmisión de hipertexto (http y html) en la intenet (world wide web), pero se da un “Boom” cuando la empresa en programas para computadora Macromedia produce programas tales como Director (1984), Flash (1993) y sobretodo Dreamweaver (1997) lo cual convierte el asunto de producir páginas web en un conocimiento factible para casi cualquier usuario de computadora.

Según un estudio de eMarketer realizado a finales del año 2001, ya había 446 millones de internautas en el mundo; además, también según este estudio, existen 133,4 millones de internautas en América del Norte (30% del total), 139,3 millones en Europa (31%), 145,9 millones en Asia Pacífico (32%), 22 millones en América Latina (4%) y 5,3 millones en África (1,2%). Asimismo, casi 119 millones de ellos (26%) están en Estados Unidos (11).

Por otra parte, el webzine en español ha aflorado mucho a partir de mediados de los noventa, y es que un webzine es prácticamente cualquier página hecha por alguien que quiera difundir una idea sin contar con el apoyo de una empresa y de un sueldo. Además, poco a poco el conocimiento sobre la red y todo lo que conlleva va pasando de ser cultura general a una necesidad. Así pues, podemos encontrar sitios de política, deportes, religión, informática y comics entre otros temas. De acuerdo con eMarketer para 2001 había en América Latina 22 millones de usuarios de internet (12).

Contracultura el Infrazine de Raúl Minchinela, fue una de las primeras páginas que se decidió a editar una publicación alternativa española a través de Internet. En España, de la sequía total que había hace tres años se ha pasado a un florecimiento que no cesa.




TituloUNA POESIA GLOBAL
AutorFERNANDO MILLAN
PublicacionESCANER CULTURAL
Dia0Mes4Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisUNA POESIA GLOBAL

Por: Fernando Millán


Fernando Millán
La poesía visual es , hoy por hoy un nuevo género literario-artístico, en el que lo que más llama la atención es su carácter mixto, mezclado o mesti-zo. Es decir la utilización imprescindible de las ideas y la plasticidad co-mo un conjunto, como un todo en el que cada parte adquiere una nueva significación. Este principio tan simple (como sucede con la relación voz humana/ música para dar lugar a la canción) tiene unas ilimitadas posibilidades, como se ha demostrado en el transcurso del último siglo, desde que el poeta simbolista francés, Stephane Mallarmé publicó en 1898, su poema “Un golpe de dados”, considerado el primer poema visual moderno. La utilización auto-referente del pensamiento visual da lugar a un nuevo género que aúna las virtualidades de la creatividad con la democratización que la plasticidad conlleva. En 1970, escribí un artículo en el que definía a la poesía visual como “una lengua supranacional”. Los años han confirmado ese juicio, que hoy puede ampliarse: La poesía visual es un género que supera las diferencias culturales y sociales, además de las lingüísticas: Es un verdadero y único arte global. ...//...




TituloKURT SCHWITTERS
AutorANGELA MOLINA
PublicacionBABELIA/ EL PAIS
Dia1Mes5Año2004Página17
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Instalaciones,Performance
SinopsisEn este amplio artículo con varias fotos a color y una espectacular de la reconstrucción del MERZ BLAU (Museo de la Chatarra) en la ciudad Suiza de Basilea, se plantea la compleja relación que el autor mantuvo con los dadaistas, y que llegó a ser tormentosa cuando en 1918 los dadaistas de Berlín le negaron la entrada al Club Dadaista por considera a K.S. un anti-intelectual.

(*) MAS DE ARTE.COM
“Kurt Schwitters”, Viena, hasta el 16/06/02
Merz, la última palabra dadaísta
El Kunstforum vienés presenta una retrospectiva del polifacético Schwitters a través de sus collages

Del 15 de marzo al 16 de junio de 2002 en el Kunstforum de Viena.

Merz es todo y nada al mismo tiempo. Una casa, una revista, un teatro, un poema, un collage... una palabra fortuita que sirvió a uno de los más cultos y versátiles artistas adscrito al internacional movimiento del dadaísmo. Kurt Schwitters (1887-1947), con un físico imponente y una voz cautivadora, desafío a la sociedad burguesa que vivía la desintegración de su cultura tras la Primera Guerra Mundial.

Igual que en otras ciudades europeas – Zurich, Viena, Berlín – diferentes voces se levantaron desde el mundo cultural para denunciar el absurdo de los ideales pasados de fe en el hombre y el progreso. Si bien algunos de los representantes del dadá tuvieron implicaciones políticas, Schwitters, desde Hannover, revolucionó el arte desde el mismo arte, con un humor elegante e intelectual.

Personifica perfectamente al homo ludens, minando los restos de su civilización desde la ironía y el absurdo, convirtiendo todo en un juego. Su obra, que engloba diferentes campos de expresión, es una combinación abstracta de elementos que únicamente expresan en si mismos este concepto lúdico.

El Kunstforum de Viena presenta ahora una muestra con alrededor de 150 collages del artistas, mostrando el espíritu que puso las bases para muchas de las tendencias artísticas posteriores. Los materiales que acumula –papel, cartón, periódicos, madera, telas, latón, alambre, arpillera-, transmiten la misma idea que sus poemas, sus esculturas o sus piezas globales, como la Merzbau, la casa de ocho habitaciones que transformó totalmente con sus acumulaciones: “Cada línea, color o forma tiene una cierta expresión. La expresión sólo puede ser resultado de una cierta combinación, pero no se puede traducir. No se puede formular en palabras la expresión de un cuadro, de la misma manera que no se puede pintar la expresión de una palabra”.

Por ello el ilusionismo no tiene cabida en las propuestas intelectuales de Schwitters, tendiendo a la abstracción total, y no puede tener ningún tipo de compromiso social o político, porque no pueden representar un pensamiento único. La subversión se halla en demostrar la falsedad existente en el lenguaje pictórico, escultórico o poético. Y de esta forma sus fonemas encadenados, o sus desechos amontonados, se convierten en obra de arte, únicamente por la visión y presentación del artista, que gracias a su elección absurda, les otorga esta categoría, a través de la imaginación inocente e infantil. Redescubre el mundo dotándolo de una nueva poética libre de prejuicios.

Estas concepciones fueron el punto de partida necesario para la reconstrucción del arte, después de la Segunda Guerra Mundial. El informalismo, el pop art o el povera, tienen sus bases en las propuesta de Schwitters, uno de los padres de la modernidad.









TituloGERVASIO SANCHEZ, PERIODISTA
AutorFERNANDO GARCIA
PublicacionCIBERPAIS
Dia29Mes4Año2004Página10
MateriaArte postal
SinopsisEl Gobierno de Aragón le ha concedido al periodista Gervasio Sánchez la Medalla al Mérito Profesional. En esta crónica nos relata las mil peripecias que un corresponsal de guerra debe establecer con la tecnología electrónica para conseguir que sus crónicas lleguen desde una zona en guerra (...las últimas desde Irak para la Cadena Ser y el Heraldo de Aragón)

Pero además de todo ello, G.S. fué, de alguna manera, centro de atención para los mail-artistas de todo el mundo cuando en 1993 el Taller del Sol y el Colectivo Música por la Paz decidieron organizar una convocatoria en contra de la guerra de los Balcanes. Gervasio mantenía una estrecha colaboración con ambos colectivos y desde Sarajevo, sus fotos y sus crónicas fueron eje importante de la convocatoria, siendo una de sus fotos portada del catálogo y símbolo emblemático de la muestra.(Las ruinas de la Biblioteca de Sarajevo)

TituloCHRISTO:CAMBIO DE PIEL
AutorMANEL CLOT
PublicacionEN CARTEL / EL PAIS
Dia7Mes3Año1986Página14
MateriaPoema objeto,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisLe llama la atención al cronista la evolución del artisata que pasÓ del poema objeto a envolver palacios, islas y puentes. En la exposición que realiza en la Galería Joan Prats se exponen los croquis de su trabajo cuya venta le permite seguir incansablemente con su espectacular trabajo que, a la vez, tiene una carga simbólica y metafórica relevante.

Entre estos proyectos destacan los paraguas gigantes que abarcaron zonas kilométricas de japón y Estados Unidos.

Debemos añadir que Christo es un mail-artísta histórico.

(*) INFORMACIÓN ADICIONAL

Some of the information on this page was put out on a map that was passed out by Christo volunteers at Tejon Ranch site. When I was in college, Christo put together his "Running Fence" which ran for 24 miles in Mendocino County in Northern California. Being a teenager at the time, with all the time in the world on my side (what teenager doesn't have all of that time?), I did nothing except watch T.V. reports on that particular project. To this day I kick myself for not going to see his "Running Fence." It would have been a day's drive, but what's that to a teenager? So when I heard about his Umbrella project I decided I couldn't pass this one up.
An added advantage to this project was it was extremely close to where I live, only a two hour drive. The Umbrella project took five years of preparations, including securing the necessary permits and performing tests in wind tunnels to make sure they would withstand winds up to 65 mph when open and up to 110 mph when closed. He chose two sites to display his umbrellas: an area which is 60 miles north of Los Angeles along Interstate 5 south of Gorman, through the Tejon Pass until Grapevine, and Ibaraki, Japan which is 75 miles north of Tokyo around route 349 and the Sato River. The California umbrellas were yellow in color and the Japanese umbrellas were blue in color. Both colors were chosen to represent the environment in which they were placed. I can't vouch for Japan, but the Southern Californian landscape in October is a rich yellow contrasting against the green scrub oak which is part of the natural chaparral of the region. The two regions were also chosen as a joint art project to reflect the similarities and differences in the ways of life in the two inland valleys. The 1,340 blue umbrellas in Ibaraki and the 1,760 yellow umbrellas in California were placed sometimes in clusters covering entire fields, or deployed in a line, or randomly spaced from each other, running alongside roads, villages and river banks.
Eleven manufacturers prepared the various elements (fabric, aluminum, steel, and molded base cover), of the umbrellas. Christo's 26 million dollar temporary work of art was entirely financed by The Umbrellas, Joint Project for Japan and U.S.A. So how in the heck did he make any money out of this without charging admission and it being only temporary? I found out later that all of his previous projects and this one were financed in similar manners through the sale of his studies, preparatory drawings and collages, scale models, early works and original lithographs. The umbrellas were in place during October 1991 for almost three weeks. Unfortunately, his studies of the umbrellas were not quite accurate enough and on the day I was there, the wind from the storm you can see in the picture below, lifted several umbrellas up and caused one to crush a woman. Christo immediately called a halt to the project on both continents. Depending on where you were the umbrellas displayed a variety of moods. I got up at 4:00 in the morning to get up to the site at dawn. I drove all the way over Tejon Pass and down to Grapevine in the Central Valley of California and then slowly took side roads back, stopping here and there to take some pictures. I found the umbrellas most impressive when you were above them looking down. I was also especially intrigued by the 4 umbrellas that were placed in the pond. I loved the look of the reflection of the umbrellas in the water. The first thing I said to my wife when I got back home was that I wanted to go to Japan to see the blue ones, especially since a vast majority of the Japanese umbrellas were placed in a river which meandered through the valley. I am not a big art fan, but there was something about this project that struck a chord deep within me and since that time I have followed his other projects with great interest. If you were able to see the Umbrella project, I would love to hear from you. Please sign my guestbook with any comments. If you wish to use any of these images please do so, but put a link back to my main page.



TituloCrítica a la asfixia informativa
AutorREDACCION
PublicacionLA PRENSA LITERARIA
Dia27Mes3Año20004Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Performance
SinopsisSUPLEMENTO SEMANAL DEL DIARIO LA PRENSA / SáBADO 27 DE MARZO DE 2004
Crítica a la asfixia informativa

El grupo Al Margen y su teatro, acción se presentó durante el I Encuentro del Día Mundial de la Poesía, celebrado en Galería-Museo Josefina. La razón: cuestionar la asfixia publicitaria de la información a que son constantemente sometidos los usuarios.

El performance que nada tuvo que ver con el anunciado formato de “poesía performántica”, sino que con el teatro-acción, teatro alterno o de lo absurdo, dado sus elementos de actuación experimental, crítica social, música, danza y algo de poesía fragmentada repartida al público en papelitos en un sentido interactuante, constituyó un paso más de esta expresión que gusta estar al margen del teatro tradicional conocido y patentado desde las dionisíacas griegas.


TituloDocumenta 11
AutorFrancisco Calvo Serraller
PublicacionMas de Arte.Com
Dia0Mes6Año2002Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Instalaciones,Performance
Sinopsis



Una documenta sorprendente, superando las expectativas que arrastraban el prejuicio de la fama de su director, Okwui Enwezor, que auguraban una exposición de carácter intrínsicamente político. Lo que acredita esta edición es el respeto demostrado por las obras de arte y su encomiable presentación pública: planteamiento diáfano, ordenado, equilibrado y saludablemente académico. Instalaciones en las que se recrea el mundo íntimo del artista a través de la reconstrucción del taller y, entre ellas, la que más me ha impresionado la del africano Bouabré con sus celebres series icónicas; videos cuya belleza visual y sentido narrativo son emocionantes, particularmente los de Yang Fudong, William Kentridge, o Trin T. Minh-Ha; fotografías marcadas por imperativos esteticistas y compositivos con momentos de intensidad en las obras de Santu Mofokeng, Ravi Agarwal, Fiona Tan o Candida Höfer. Una documenta en la que se pone de manifiesto que habrá arte mientras haya artistas y en Kassel así lo demuestran: los artistas occidentales exponiendo un lenguaje más crispado, violento o desesperado, frente a los creadores del tercer mundo que nos dejan su testimonio sin anular la densidad poética y la complejidad de su denuncia.





TituloBienal de Venecia
AutorFrancisco Calvo Serraller
PublicacionMas de Arte. Com
Dia4Mes11Año2001Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Instalaciones,Performance
Sinopsis
Harald Szeemann comisario de la 49º Bienal de Venecia.Del 10 de junio al 4 de noviembre de 2001 en Venecia.Puntual a su cita desde 1895, la Biennale di Veneziase inaugura el 10 de junio. Una muestra internacional que siempre es punto de encuentro de las últimas tendencias artísticas, y que cada dos años presenta, nunca exenta de polémica, una selección de las distintas propuestas de los países participantes. Con la llegada del siglo XXI, la organización de la muestra ha ampliado su campo de acción. La danza, la música, el teatro y el cine rodearán el restaurado espacio del Giardini di Castello y el Arsenale, junto a otros espacios que colaboran en esta ocasión. Un gran esfuerzo organizativo y económico que se refleja en las novedades que encontrarás, entre ellas la web biennale24 repleta de fotos y noticias diarias de la muestra.El espíritu de esta edición se resume en interdisciplinaridad y globalización. Dos términos que aluden a la gran variedad de propuestas que se dan cita: todo tipo de artistas, todo tipo de técnicas y todo tipo de temáticas. Un amplio espectro que la Biennale recoge, y así lo dice su director Harald Szeemann, en la preocupación de los creadores por la propia identidad personal, la búsqueda individual del yo y como integrarlo en una sociedad cada vez más plural y conflictiva, con un espacio y tiempo cada vez menos determinados por los avances técnicos, los problemas migratorios, las autopistas de la comunicación...Y para ello cualquier medio de expresión es válido.





TituloHANGAR OBERT
AutorCARLOTA FRAGA
PublicacionART.ES
Dia0Mes2Año2004Página127
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones,Performance
SinopsisHANGAR OBERT

Del 23 al 25 de Enero del 2004 se presento “Hangar Obert” una ocasión para entablar un diálogo abierto con los artistas residentes y participar en múltiples actividades que, por una parte , les permitió captar el ambiente de libertad en que se mueve este Centro de Producción Artística y, por otro, entender la filosofía y el funcionamiento del mismo:
Hangar és un centre de producció artística situat al barri del Poblenou de
Barcelona que ocupa un edifici industrial rehabilitat de 1.800 m quadrats de
superfície.

La seva funció és donar suport a les noves generacions d’artistes, siguin quines siguin la naturalesa del seu treball i les eines que utilitzen per dur-lo a terme. Per fer-ho, Hangar ofereix als artistes els següents serveis:
- lloguer d’espais (tallers) a preus molt assequibles.
- accés a equips, programes i personal tècnic qualificat en la creació amb tecnologies digitals.
- organització de workshops o situacions de trobada, debat i reflexió sobre aspectes de la realitat i la cultura contemporànies.
- intercanvis internacionals i residència d’artistes.

D’aquesta manera, Hangar no solament treballa amb els artistes que tenen un espai llogat a l’edifici, sinó també amb altres que lloguen els seus serveis (edició de vídeo, producció de peces
multimèdia, producció d’obres de gran format, etc.) temporalment o que aprofiten
les trobades dels workshops. (www.hangar.es)


TituloINVENTARSE LA BIENAL DE LA HABANA
AutorRUFO CABALLERO
PublicacionART.ES
Dia0Mes2Año2004Página127
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte de accion,Instalaciones,Performance
SinopsisNoviembre-Diciembre 2003

La VIII Bienal de Arte de la Habana sufrió los avatares propios de la mayoría de acontecimientos internacionales que se organizan en la Isla. Las grandes diferencias entre Latino América y Europa causaban desasosiego; algunos patrocinadores retiraron su apoyo, otros dudaron hasta el último momento y cuando parecía que, una vez más, peligraba el evento, éste tuvo lugar a base de tesón e imaginación sin fin. ("La imaginación al poder"... y en esto son maestros los cubanos)

El tema genérico de ésta edición fue “Arte y vida”. Es cuestionable que imponer un tema sea lo mejor para una bienal, pero hay que reconocer que en esta ocasión la temática era totalmente adecuada para representar una realidad donde el arte y la vida se confunden en la vida cotidiana, y en el intento de sobrevivir bajo todo tipo de presiones. Asi lo entendió Clemente Padín con su desfile popular de trasfondo artístico-social y con el que colaboraron, además de ciudadanos, muchos mail artistas y el colectivo de Acción Urgente de Mail Art AUMA.

(*) INFORMACIÓN COMPLEMENTARIA
Bienal de la Habana
The 8th Bienal de la Habana is being celebrated in November and December of 2003. The spirit behind this Bienal is "El Arte Con La Vida" (Art in Life), focusing on the works of international artists seeking to express the many ways daily living inspires and reflects art. The 8th Bienal embraces a critical and reflective perspective, and encompasses a celebration of all forms of beauty, irony and humor.

Using various mediums, artists explore the daily problems that affect us within our own countries and our relationships with the rest of the world. These themes include domestic, national, and international environments, with an underlying focus on urban life and the organic relationship between existing spaces.

Various mediums, including sculpture, painting, installations, photography, video and performance art represent the emotions and ideas governing the theme of life. The artists on display were chosen by a team of Cuban curators organized specifically for the Bienal de la Habana. They selected the artists by studying their works, traveling to various countries, examining proposals, and researching other sources of related information, all under the context of the "El Arte Con La Vida".

The curating team is comprised of Hilda Maria Rodriguez, Jose Manuel Noceda, Nelson Herrera Isla, Ibis Hernandez, Margarita Sanchez, and Jose Fernandez. The team of curators also included a number of special projects for the exhibition to increase public awareness and diversify the themes of this Bienal. For example, Cuban artists will present "El Humor en la Vida y en el Arte" (Humor in Life and Art), as organized by the curatorship of Caridad Blanco and Niurka Mejías from the Center for the Development for Visual Art. There will also be the theme, "Obra de Marcos Kurtycz" (Works of Marcos Kurtycz), organized under the curatorship of the Contemporary Art.


TituloCONVERSACION CON ARMAN
AutorFERNANDO GALAN
PublicacionART.ES
Dia0Mes2Año2004Página127
MateriaPoema objeto,Arte experimental,Instalaciones
SinopsisEn la conversación mantenida con Fernando Galán, director de Art.es, Arman declara que puede emplear la razón en una obra de arte, pero nunca antes de hacer la obra..." Mucho más importante que la razón es la memoria y el cúmulo de imapctos visuales recibidos en el momento de la realización".

Confiesa que a diferencia de Duchamp, a él si le interesa la estética de los objetos. No tiene ningún inconveniente en reconocer que él copia a todo el mundo, y que ésta es la mejor manera de no copiarse a uno mismo... "mejor que copiar, tomo prestado"

(*)INFORMACION COMPLEMENTARIA
Arman
Biografía
Niza, 1929
Pintor, escultor y grabador francés establecido en Nueva York, es un Maestro Contemporáneo co-fundador junto a Klein del grupo NOUVEAU REALISME y pionero en el arte del ASSEMBLAGE

Se graduó en 1946 en la Academia de Niza con títulos en Filosofía y Matemáticas.

In 1947, conoció en una clase de Judo a Yves Klein, con el que mantuvo una larga amistad y numerosas colaboraciones. Compartieron su interés por el Budismo Zen y la astrología y admiraban la obra de Vincent van Gogh. Al igual que van Gogh, que firmaba sus obras sólo con su nombre, ellos se deshicieron de sus apellidos, Armand Fernandez se convirtió en Armand. En 1958, una galería se confundió al escribir su nombre y Armand decidió renunciar a la "d", convirtiéndose en Arman.

Arman se trasladó a París en 1949 para estudiar arqueología y Arte Asiático en el Louvre. En esta época comenzó a practicar los estilos surrealista y abstracto. Sin embargo, en 1958, Arman dejó de pintar para dedicarse a sus "acciones" artísticas. Hacia 1959 realizó sus primeros assemblages, se trataba de objetos embutidos en cajas o vitrinas.


TituloRogelio López Cuenca, Dora García y Txomin Badiola
AutorRedacción
PublicacionEuropa Press
Dia5Mes9Año2003Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisRogelio López Cuenca, Dora García y Txomin Badiola participarán en la VIII Edición de la Bienal de Estambul
Rogelio López Cuenca, Dora García, y Txomin Badiola son los tres artistas españoles que participarán en la VIII Edición de la Bienal de Estambul, que se celebrará del 19 de septiembre al 16 de noviembre. Este evento contará con la presencia de 85 artistas de 42 países seleccionados por el prestigioso comisario Dan Cameron.

Europa Press 05/09/2003 14:35


Cameron, comisario del New Musseum of Contemporary Art de Nueva York desde 1995, ha escogido todas las obras de esta edición siguiendo el concepto de 'Poetic Justice' una frase que para él, supone la base ?para una investigación continuada sobre los últimos desarrollos del arte contemporáneo y que busca articular un área de actividad creativa en la que conceptos aparentemente opuestos, como justicia y poesía, son colocados juntos?.

LA CIUDAD COMO ESCENARIO

La VIII Edición de la Bienal contará con cuatro zonas principales de exposición y diversos espacios públicos alrededor de la ciudad, como la iglesia de Santa Sofía donde se mostrará una instalación de la artista vallisoletana Dora García, quien desde Bruselas activará el motor de una de sus piezas, presentes en la Bienal, titulada 'Screen System'.

Esta obra consiste en tres stores de bandas verticales (que ocupan unos 20 metros de pared) en un material metálico que varía con la luz y que va desde el transparente al oro. La otra pieza de esta artista, que cultiva el arte norteamericano de los años sesenta para crear incertidumbre y duda, se titula 'La habitación cerrada' y es un espacio que exhibe la inaccesibilidad al público y su incomprensibilidad de manera que ningún espectador pueda traspasar la puerta de la habitación.

La obra de Txomin Badiola presente en la Bienal se titula 'When the shit hits the fan' y está financiada por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco. Esta instalación adopta la forma de un extraño pabellón en cuyo interior se encuentran una serie de imágenes contrapuestas y un dos vídeos. Según explicó el autor, en rueda de prensa, las imágenes y el vídeo pretenden mostrar el solapamiento de lo público y lo privado y aluden al título de la obra (cuando la mierda llegue al ventilador) en referencia directa a una sociedad "llena de mierda y en la que es muy difícil encontrar una autoridad moral", explicó.

Por último, El proyecto de Rogelio Lopez Cuenca consiste en una recodificación de la señalización pública de las zonas turísticas de Estambul con la que pretende no sólo crear una confusión entre el espacio y el tiempo, sino también ilustrar una frase de John Berger: la innovación espacial del fin de siglo XX es la exclusión.


TituloKAIRAN E INTERNET
AutorGIANNI SIMONE
PublicacionKAIRAN
Dia0Mes7Año2003Página4
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte experimental
SinopsisGianni Simone es director del magazine Kairan: Edición de Mail Art y Poesía Visual, edición bilingüe -inglés, español (EE.UU). En este artículo, a modo de introducción explica las visisitudes y los reparos que encontraba para lanzar sus proyectos y ediciones basándose en los medios cibernéticos. Finalmente llegó a la conclusión de que Kairan YA ESTABA EN LA ERA ELECTRONICA

Idea que se confirmó cuando propuso a Clemente Padín que Co-editara Kairan para américa Latina, lo que hubiera sido imposible sin internet.

También descubrió que curiosamente, en países en crisis económica, como el caso de Argentina, Brasil,etc , a los mail-artistas les era mucho más económico el correo-electrónico que el postal.

Con todo estos antecedentes, Gianni explica que la última edición de KAIRAN esta fundamentada en el correo electrónico para los textos, incluyendo correspondencia, artículos y traducciones, y que solo las obras llegaban por correo postal.


TituloTRES TIPOS DE POESIA VISUAL
AutorPETER NETMAIL
PublicacionHOTEL DADA MAGAZINE
Dia0Mes8Año2003Página127
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisUna vez más el autor pone de relieve la íntima relación que existe entre el Mail Art y la Poesía Visual.

Considera a la PV Como un campo intermedio entre entre las artes visuales y las artes verbales, pero con múltiples matices y variaciones.

La imágen y el texto se conjugan para formar una nueva unidad significativa. No es tan importante que exista una u otra sino el hecho de que su esencia perviva.

Netmail trata tres variantes:

A/ El concepto mínimo es un espacio blanco y vacio entre los extremos de dos objetos negros

B/ El azar como factor fundamental

C/ La transmutación del signo gráfico

(*)Versión bilingüe: Inglés, español

INFORMACION COMPLEMENTARIA:
HOTEL DaDA

mostra02@hotmail.com

Coordinador : SILVIO DE GRACIA - GRACIELA CIANFAGNA

Numero y fecha : NÚMERO 3 - AGOSTO-DICIEMBRE 2003

Dirección Postal :

ALMAFUERTE 1007 (6000)
JUNÍN. BUENOS AIRES- ARGENTINA-

SINOPSIS :

REVISTA DE ARTE CORREO Y POESÍA VISUAL. DOS NÚMEROS ANUALES.

EL NÚMERO 3 INCLUYE LOS ARTÍCULOS "TRES TIPOS DE POESÍA VISUAL" (THREE KINDS OF VISUAL POETRY) DE PETER NETMAIL, "HASTA LA VICTORIA DE LA POESÍA...SIEMPRE!!! (UNTIL THE VICTORY OF POETRY...ALWAYS!!!) DE GRACIELA GUTIÉRREZ MARX, ARTE Y LAS NUEVAS TECNOLOGÍAS (MAIL ART AND THE NEW TECNOLOGIES) DE RUGGERO MAGGI Y "TENER O NO TENER (UNA COMPUTADORA) (TO HAVE OR TO HAVE NOT (A COMPUTER)) POR GIANNI SIMONE.

OBRAS/ WORKS: FERNANDO AGUIAR (PORTUGAL)- J.M. CALLEJA Y JOAN BROSSA (ESPAÑA)- PASCAL LENOIR (FRANCIA) - ZLATKO KRSTEVSKI (MACEDONIA)- CLEMENTE PADÍN (URUGUAY) - THE STICKER DUDE (USA)- SILVIA AQUILES (ARGENTINA)

PARA RECIBIR HOTEL DaDA EN ARGENTINA ENVIAR 5 ESTAMPILLAS DE 0,75 PESOS POR CORREO ARGENTINO POR NÚMERO.
REST OF WORLD: 5 INTERNATIONAL REPLY COUPON (I.R.C)


TituloARTE VANGUARDISTA EN CHINA
AutorANGELA MOLINA
PublicacionABC CULTURAL
Dia5Mes6Año1999Página127
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisResalta la autora el interés que mantiene el arte vanguardista chino por cuanto al igual que no renuncia a su cultura Zen, la aplicación moderna de esta filosofía puede culminar en el matrimonio de Wang Jim con la mula Ang-Tang al considerar que el Zen no puede ni debe renunciar al absurdo como una de sus múltiples vertientes.

Asi como tampoco renuncia al arte de Fluxux que adaptado a los tiempos modernos puede derivar en contemplar a Zhan Wuan rociado de miel atrayendo a las moscas en un retrete público mientras la naturaleza humana sigue su curso.

INFORMACION COMPLEMENTARIA

(*)Cathryn Meurer

Hacia mediados de la década de 1980, en varios lugares de China se estaban produciendo obras audazmente experimentales y políticas.

El crítico Gao Minglu llama a esta explosión vanguardista el "Movimiento del 85", cuyo propósito era nada más y nada menos que el cambio social y político. ...//...

"Sentían una enorme responsabilidad por la reforma social", recuerda Gao. "Este movimiento no era simplemente para crear una forma o un estilo artístico, la preocupación de los artistas era que su actividad fuese parte del cambio social".


En las últimas dos décadas, China ha experimentado una notable transformación hacia una economía de mercado diversificada y en ninguna parte ese cambio se ve expresado de manera más impresionante que en las artes visuales florecientes hoy en el país ...//...el ambiente artístico chino se ha vuelto abiertamente comercial, la tendencia sobreviene al cabo de un estallido de diversas artes visuales, a menudo políticas, que se percibe desde fines de la década de 1970.


TituloESTHER FERRER
AutorGONZALO ZANZA
PublicacionABC CULTURAL
Dia30Mes6Año1999Página127
MateriaPoesia sonora,Arte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisEntrevista realizada a E.F. con motivo de su participación en la Bienal de Venecia de 1999.

A lo largo de la misma declara su escepticismo con respecto al arte: "...arte es todo lo que alguién hace con intención de hacer arte" y, por el contrario, declara abiertamente que "...sin creatividad sería difícil seguir viviendo, sin arte viviríamos" // Para ejemplificar su idea de arte declara que John Cage le enseñó a escuchar los ruido de este mundo de otra manera, musicalmente.

Dice no pararse a pensar si lo que hace es arte o no, que se limita a hacer aquello que le place y que son los demás quienes lo definen como arte o no.

Para ella los tres elementos fundamentales de la performance son el espacio, el tiempo y la presencia, que ella trabaja como materiales, al igual que otros trabajan el marmol.

La performance es la vida que pasa y la tensión que se crea con la gente a quienes considera autores de la acción tanto como ella. Destaca el caracter irrepetible de la acción y su caracter efímero.

Cuando trabaja con objetos toma como referencia a Marcel Duchamp, al sacar de contexto un objeto de uso cotidiano y contextualizarlo en otro espacio en otro momento y con otras presencias.
(*)
Esther Ferrer - 1937 San Sebastián (España)

1961-68

Actividades en la Asociación Artística de Guipúzcoa, siendo presidente Amable Arias. Creación junto con el pintor José Antonio Sistiaga de un "Taller de libre expresión" en San Sebastián (Guipúzcoa) y de una Escuela Experimental en Elorrio (Vizcaya).

1967

Se integra en el Grupo Zaj, creado por Ramón Barce, Juan Hidalgo y Walter Marchetti en Madrid en 1964.

Esther Ferrer es licenciada en Ciencias Sociales y Periodismo. A partir de 1975 ha publicado sus artículos culturales en diferentes periódicos y revistas, entre ellos El País, Ere, Lápiz y Jano.

...//...


TituloAGITADORES CULTURALES
AutorBASILI BALTASAR
PublicacionQUADERN DEL PAIS
Dia29Mes9Año1985Página1
MateriaArte experimental
Sinopsis...//...Miquel Barceló, formado en las escuelas de Artes y Oficios de Palma y en la escuela de Bellas Artes de Barcelona, irrumpió en el mundo del arte en 1975 integrándose en un grupo de arte conceptual llamado Taller LLunatic. A partir de entonces su carrera estará plagada de éxitos...//..

No deja de llamar la atención el hecho de que el autor del articulo, asi como Carles Hac Mor, en un artículo paralelo (La retòrica de l´improperi) se refiera a este grupo de arte conceptual como el paradigma de la agitación cultural. En 1978 crearon "El Correu de San Coc" con la intención de ser un FULL-LLUNATIC-DISOLVENT y desarrollar una amplia teoría de la transgresión.

Y nos ha parecido interesante el supuesto porque con el paso de los años nos preguntamos si su representante más emblemático, Miquel Barceló, una vez inmerso de pleno en las leyes del mercado y la mercadotecnia, continua considerándose en el 2004 un agitador cultural y un transgresor del oficialismo imperante.

Es lo interesante de las hemerotécas, que nos permiten trazar un plano bidimensional entre dos épocas y, como consecuencia de ello, analizar sus resultados.


TituloARCO 88: REVISTAS DE ARTE
AutorFERNANDO SAMANIEGO
PublicacionEL PAIS EXTRA ARCO
Dia11Mes2Año1988Página10
MateriaArte experimental
SinopsisCuenta su autor que las revistas de arte en España viven una auténtica odisea para captar un nuevo suscriptor. Ediciones como LAPIZ, GUADALIMAR, ARTEGUIA, ART, EL PUNTO, CYAN,...logran sobrevivir con muchas dificultades, pèro que en ningún caso existe una revista específica que se ocupe del arte moderno o de las vanguardias.

TituloREINTERPRETACION DEL ARTE: APROPIACIONISMO
AutorJAVIER MARTINEZ DE PISON
PublicacionBABELIA EL PAIS
Dia10Mes4Año2004Página19
MateriaArte experimental
SinopsisUn grupo de artista reunidos en torno a una exposición en la Sala Puertanueva de la Facultad de Derecho de Códoba, reflexionan sobre algunos temas básicos del arte de nuestros dias y muy especialmente sobre el tema del apropiacionismos. Se citan dos ejemplos emblemáticos: Las pinturas africanas de Picasso y los Ready Made de Marcel Duchamp.

Coincidiendo con este debate, el tema central del nuevo número de la revista internacional de Lápiz es ARTE, APROPIACIONISMO Y SERIALIZACIÓN, dos recursos que se reiteran en el arte actual, y cuyo abuso ha podido observarse en la última edición de la Bienal de Venecia.

Artículos

Dos artículos se centran en el Apropiacionismo y la Serialización: Piedad Solans escribe "Lo real como copia múltiple", explorando cómo la identidad artística es socavada por la copia, la simulación y la contaminación sin límites; asimismo, Jaime Gili analiza la desesperante situación a la que conducen la serialización radical y la repetición, que han pasado de ser recursos creativos a convertirse en un camino sin salida, en "La doble jaula".

Titulopensamiento visual, comunicación de masas y experi
AutorFernando Millán
PublicacionEscaner cultural
Dia0Mes4Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental
SinopsisDado el carácter autorreferencial del pensamiento visual, Millán sostiene que la poesía visual se ha convertido hoy por hoy en auténtica “poesía global”, , asumiendo el código y el lenguaje de la comunicación de masas, maleándola y experimentando con todos sus recursos desligándola de todo vehículo de poder político y de prejuicios comunicativos que polucionan el significado de los mensajes, cumpliendo así con una de las premisas con las que la poesía visual nació: ser una lengua de comunicación transnacional.

TituloPOESIA VISUAL Y JUEGOS OLIMPICOS 92
AutorXAVIER CANALS
PublicacionQUADERN DEL PAIS
Dia18Mes10Año87Página6
MateriaPoesia visual
SinopsisDe la mano de Joan Brossa y con implicación de los ayuntamientos de Barcelona, Girona y Tarragona se realizaron algunas experiencias pedagógicas relacionadas con la poesía visual y centros de enseñanza de secundaria antes del 92. Con motivo de los Juegos Olímpicos la experiencia pedagógica fué muy enriquecedora y los alumnos participantes fueron capaces de poner toda su imaginación al servicio de los Juegos sin dejar de mostrar su caracter crítico cuando lo consideraron oportuno (...92/ Quin mal de cap // 92...hasta en la sopa // 92...el día después: Frágil, etc.)

(*)...//...
La poesía visual es más bien un tipo de expresión que un estilo o un movimiento concreto. Por tanto, su vigencia no es cuestionable. En la poesía lineal, discursiva, se han expresado movimientos varios: en la visual, sintético-ideográfica, también. No se trata de una evolución de la poesía discursiva ni de una moda. La poesía visual es una poesía realizada a menudo por no poetas (discursivos) que terminan por llegar a ser superescritores, en el sentido quimérico, como diría Nietzsche, amante de la integración de la artes; una poesía que quizás no es o que quizás es una superescritura que mantiene una relación marginal con la plástica.

...//...

TituloESCULTURAS VIVIENTES
AutorOLGA ALVAREZ
PublicacionEL PAIS ARTE
Dia27Mes2Año1988Página1
MateriaArte de accion,Arte experimental,Performance
SinopsisUno mismo, ¿obra de arte?

La imagen popular de las estatuas de la Rambla barcelonesa tiene sus orígenes más recientes en los trabajos de artistas como Gilbert y George y Stephen Taylor Woodrow, cuya intención era convertirse a sí mismos en obra de arte. Así fue como Gilbert y George se proclamaron “esculturas vivientes”. En 1969 representaron su primera “escultura cantante” // Pero no estamos en las Ramblas de Barcelona, sino que podemos estar en la Tate Gallery o en el MOMA. La relación que se establece con el espectador tras un intenso y prolongado silencio en el que este no sabe a que atenerse, puede culminar con un cálido apretón de manos o un vómito destinado a provocarle. En definitiva, por una vez, y sin que sirva de precedente, la vida imita al arte.



TituloJOSEPH BEUYS
AutorCALVO SERRALLER
PublicacionEL PAIS CULTURA
Dia24Mes10Año1985Página28
MateriaArte de accion,Arte experimental,Instalaciones,Performance
SinopsisCalvo Serraller da mucha importancia a la implicación social de este taumaturgo, chamán, profeta, filósofo revolucionario y utopista, quién a través del grupo Fluxus inició una enriquecedora proyección en el mundo de la performance. Frecuentemente se le relaciona con el mail art por cuanto proponía la liberación del arte de las ataduras oficiales en pro del trabajo autogestionado como el único que permite la libre comunicación a través de la creación.

(*)
Beuys, Joseph
Krefeld, 1921 - Düsseldorf, 1986
Estudia en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf de la que más tarde será profesor de escultura, desde donde ejerce una poderosa influencia. Sus experiencias le llevan a crear una concepción chamánica de su labor como artista. La herida y la curacion como vías de conocimiento y de liberación, junto a presupuestos ecologistas serán los temas fundamentales en su obra. En los años cincuenta realiza una obra llena de crudeza y tosquedad acentuada por la utilización de madera mal cortada, metales calcinados, toda clase de basuras, materiales de desecho, etc. Es entonces cuando comienza a hacer sus característicos dibujos, grabados y acuarelas de factura rápida en donde ya surge su particular universo: ciervos, renos, osos y otros animales más difíciles de identificar. En torno a 1960 sus piezas quedan definidas por la utilización de materiales como el cobre, la madera, el fieltro, la grasa, el hueso, etc, en una dialéctica que se articula entre lo rígido y lo maleable, lo preciso y lo flexible, lo didáctico y lo espontáneo. Atraído por el movimiento Fluxus, Beuys desarrolla una obra enormemente compleja de marcado carácter conceptual cuyos numerosos "performances" y "happenings", realizados entre 1963 y 1974, ejercerán una influencia decisiva sobre el arte occidental producido en los últimos veinticinco años. Por su impacto hay que destacar entre todos ellos: El silencio de Marcel Duchamp está sobrestimado, El jefe, Cómo explicar un cuadro a una liebre muerta, Eurasia, Celtic (1970-71), o la que realiza en 1974 en la inauguración de la Galería René Block de Nueva York, donde se encierra durante una semana junto a un coyote. Sus creaciones se presentan en las más importantes exposiciones internacionales, como la "Bienal de Venecia" de 1976, la "Bienal de Sâo Paulo" de 1979 y en varias ediciones de la "Documenta" de Kassel.





TituloSURROUNDED ISLANDS / CHRISTO
AutorFERNANDO HUICI
PublicacionEN CARTEL / EL PAIS
Dia14Mes2Año1986Página14
MateriaPoesia experimental
SinopsisCon motivo de la presentación de su proyecto en la Fundación de la Caja de Pensiones en Madrid, Huici desarrolla algunas de las características esenciales de Christo:

(*)
Christo (Christo Vladimirov Javacheff) nació en Gabrovo, Bulgaria el 13 de junio 1935 y pasó su juventud bajo el régimen comunista. Estudio en las academias de arte de Sofia y Viena.

Jeanne- Claude (Jeanne-Claude Marie de Guillebon) quien también nació el 13 de junio 1935, nació en Casablanca, Marruecos de padres franceses pero creció en Paris, Berna, Suiza y Gabès (Tunez) antes de establecerse finalmente con su familia en Paris.

En 1957, Christo consiguió salir del este europeo hacia el oeste.

En 1961 los artistas empezaron a colaborar en proyectos monumentales.

Durante más de 40 años Christo y Jeanne-Claude han envuelto, cubierto, drapeado y doblado tejidos alrededor de objetos cotidianos y formas construidas por ellos mismos.

Sus trabajos han desafiado la definición tradicional de la escultura creando un discurso personal y propio entre el medio ambiente y la estética.

Entre sus actividades tenemos desde dibujos preparatorios y collages hasta modelos relacionado sobre propuestas para obras públicas, incluyendo también fotografías de proyectos completos.


TituloLIBRO ESCULTURA
AutorRICHARD CORK
PublicacionMUJER HOY
Dia2Mes4Año2004Página127
MateriaArte experimental
SinopsisLa editorial Ivory Press, y a su cabeza Elena Ochoa, se dispone a irrumpir en el mundo del libro de artista con la máxima calidad y el mayor prestigio: un libro-escultura de Eduardo Chillida será sin duda su mejor presentación y, en preparación, Francis Bacon (Elena señala que no faltará en el mismo un trozo de los pantalones vaqueros del autor)

TituloTRANSGRESION SURREALISTA EN EL GUGGEHEIM
AutorNICANOR J. CARDEÑOSA
PublicacionEL PAIS CULTURA
Dia6Mes7Año1999Página33
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisMuchos teóricos defienden la tésis de que los orígenes del mail art debemos buscarlo en tres movimientos artístico de principios del pasado siglo: el futurismo, el dadaismo y el surrealismo.

No es de extrañar pués que en la presente crónica no sólo se considere la obra de Magritte, Dalí, Bretón, De Chirico, Bacon, Tanguy, Max Ernst, etc. sino que también se señale a este movimiento como uno de los impulsores del libro de artista o la importancia del proceso de creación inconsciente (siempre presente estuvo la teoria psicoanálitica de Freud)

En cualquier caso, algunas de las ideas de Bretón dejan un campo abierto al arte experimental que se desarrollaría con posterioridad:

...//...
Únicamente la palabra libertad tiene el poder de exaltarme. Me parece justo y bueno mantener indefinidamente este viejo fanatismo humano. Sin duda alguna, se basa en mi única aspiración legítima. Pese a tantas y tantas desgracias como hemos heredado, es preciso reconocer que se nos ha legado una libertad espiritual suma. A nosotros corresponde utilizarla sabiamente. Reducir la imaginación a la esclavitud, cuando a pesar de todo quedará esclavizada en virtud de aquello que con grosero criterio se denomina felicidad, es despojar a cuanto uno encuentra en lo más hondo de sí mismo del derecho a la suprema justicia. Tan sólo la imaginación me permite llegar a saber lo que puede llegar a ser, y esto basta para mitigar un poco su terrible condena; y esto basta también para que me abandone a ella, sin miedo al engaño (como si pudiéramos engañarnos todavía más). ¿En qué punto comienza la imaginación a ser perniciosa y en qué punto deja de existir la seguridad del espíritu? ¿Para el espíritu, acaso la posibilidad de errar no es sino una contingencia del bien?



Queda la locura, la locura que solemos recluir, como muy bien se ha dicho. Esta locura o la otra... Todos sabemos que los locos son internados en méritos de un reducido número de actos reprobables, y que, en la ausencia de estos actos, su libertad (y la parte visible de su libertad) no sería puesta en tela de juicio. Estoy plenamente dispuesto a reconocer que los locos son, en cierta medida, víctimas de su imaginación, en el sentido que ésta le induce quebrantar ciertas reglas, reglas cuya transgresión define la calidad de loco, lo cual todo ser humano ha de procurar saber por su propio bien. Sin embargo, la profunda indiferencia de los locos dan muestra con respecto a la crítica de que les hacemos objeto, por no hablar ya de las diversas correcciones que les infligimos, permite suponer que su imaginación les proporciona grandes consuelos, que gozan de su delirio lo suficiente para soportar que tan sólo tenga validez para ellos. Y, en realidad, las alucinaciones, las visiones, etcétera, no son una fuente de placer despreciable. La sensualidad más culta goza con ella, y me consta que muchas noches acariciaría con gusto aquella linda mano que, en las últimas páginas de L’Intelligence, de Taine, se entrega a tan curiosas fechorías. Me pasaría la vida entera dedicado a provocar las confidencias de los locos. Son como la gente de escrupulosa honradez, cuya inocencia tan sólo se pude comparar a la mía. Para poder descubrir América, Colón tuvo que iniciar el viaje en compañía de locos. Y ahora podéis ver que aquella locura dio frutos reales y duraderos.



No será el miedo a la locura lo que nos obligue a bajar la bandera de la imaginación.
...//...



TituloVINDICACIO DEL FUTURISME
AutorJOAN ABELLO JUANPERE
PublicacionQUADERN DEL PAIS
Dia27Mes7Año1986Página1
MateriaArte postal,Arte experimental
SinopsisEl movimiento futurista tuvo gran influencia en los movimientos vanguardistas durante los primeros 30 años del S. XX y algunos autores, como Baccelli, defienden que fueron ellos conjuntamente con los dadaistas los preculsores del mail art:


FUTURISMO POSTAL
Vittorio Bacelli

Los mitos de la maquina, de la velocidad, de la metropoli, la integracion de todas las artes, la exaltacion de los cinco sentidos, la maxima atencion de la imagen que ocupan los futuristas mas proximos de nosotros (los Mail Artistas) como los verdaderos y autenticos precursores de la sensibilidad contemporanea.

F.T.Marinetti en 1909 definia como valores fundamentales "El amor al peligro, el h!bito a la energia y a la temeridad, el movimiento agresivo, el insomnio febril, la carrera, el salto mortal, la bofetada y el puñetazo."

Ademas, determinaba los modulos expresivos, entre los cuales "las palabras en libertad" liberadas de las ataduras de la sintaxis, de la literatura y de la colocacion ordenada en la pagina.

Para F.T. Marinetti la pintura era vista como una "sensacion dinamica". Tambien reivindicaba la arquitectura de hormigon armado, hierro, cristal, carton, fibras textiles y de todos los derivados de la madera, de la piedra, del ladrillo que permiten obtener la m!xima elasticidad y ligereza.

El denominador comun de los protagonistas de la busqueda futurista reside en la polemica anti-pasado. Al mismo tiempo en el plano de la comunicacion postal los futuristas han sido historicamente los primeros en sistematizar segun las tesis de los diferentes manifiestos, en particular aquellos de Balla y Depero, la funcion del medio postal en una optica esteteizante teniendo conexiones estrechas con el arte del afiche publicitario.

Es legitimo llamar la atencion sobre las pinturas originales de Balla en tarjetas postales, los excesos autopublicitarios de Depero, los papeles en letras modulares de Cangiullo y la pintura aerografica de Tato.

Los "collage postales" construidos por el futurista Pannaggi en 1920 consistian en combinar la direccion del destinatario con fotografias, elementos graficos, sellos, inserciones de cifras, papeles policromados embreados, gasas y telas en una composicion que despues la oficina de correos completaba poniendo al azar sellos de goma y etiquetas oficiales.

Podemos recordar una carta enviada a F.T.Marinetti en 1920 y que se conserva en los archivos futuristas; otra pieza digna de ser citada, es la fechada el 28 de febrero de 1927 igualmente enviada a F.T. Marinetti y conservada actualmente en una coleccion privada.

Conviene remarcar como la idea de los collages postales aparece casi al mismo tiempo en experiencias analogas de Kurt Schwitters en 1922, "Collage Merz 133" conservado en colecciones italianas y presentado publicamente en 1979 en Milan en el Palazzo Reale con ocasion de la exposicion "Origenes de l´Abstraction".

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TituloTAL COMO YERA: MANUEL AMARO
AutorREDACCION
PublicacionTINTA DE BRANU
Dia22Mes6Año1999Página14
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisCrónica de Como Manuel Amaro pasó a ser Nel Amaro y de cómo el escritor y teatrero fué ampliando su repertorio multidisciplinar hasta llegar a ser un consumado performer fundador del colectivo Espacio de Arte Excéntrico.

TituloPOESIA QUE NO LO ES TANTO, O SÍ
AutorSILVANA MORENO
PublicacionDIARIO DE LA NACION
Dia7Mes11Año2001Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisFernando García Delgado es el promotor del IV Encuentro Internacional de Poesía Experimental, Visual y Sonora. Previamente Delgado había sido premiado por la Asoiciación de Críticos de Arte por su labor desarrollada en la website de Vortice-Argentina.

Durante la muestra se rindió un encedido homenaje a Hugo Ball co-fundador del dadaista Cabaret Voltaire.

TituloARTE CORREO Y POESIA VISUAL EN MEXICO
AutorCESAR ESPINOSA
PublicacionEL INDEPENDIENTE
Dia10Mes8Año2003Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte experimental
SinopsisARTE-CORREO Y POESÍA VISUAL EN MÉXICO, UNA PRÁCTICA (TODAVÍA) CORROSIVA

César Espinosa



Guerra preventiva: En tiempos para el arte de guerra, éste es el horizonte, el futuro antihumano que los hombres y mujeres de la cultura y el arte habrán de enfrentar y en lo posible revertir para merecer cabalmente el título de seres creativos y simplemente humanos.

Desde los años 70 y hasta mediados de los años 80 del siglo XX, a contrapelo de la producción artística "reconocida" por el circuito críticos-galerías-instituciones, en México se desarrollaron dos tendencias que permanecen aún en estado subrepticio, disidente, clandestino, a pesar de que cuentan con hondas raíces históricas y su desarrollo atravesó por todas las "vanguardias clásicas" en el mundo: el arte-correo y la poesía visual.

En torno al primero, entre otras numerosas definiciones existentes, cabe apuntar:

Sería el arte-correo el que acabaría con el privilegio mitificador del “aura" del original al reproducir masivamente, al sustraer el arte de la crítica, al demoler las contradicciones, al democratizar la creación, al desregionalizarse como tránsito libre por el mundo, al conciliar códigos, símbolos, grafismos, al particularizar la lectura de lo "Kitsch", al humorizar la sociedad erudita, al crear interferencias visuales hasta la saturación, al preparar la irreverencia paradiscursiva de los "Para-lamas del acontecimiento".[1]

En este circuito, que se integró en los años 60, participan varios centenares, a veces hasta millares, de productores de las artes plásticas-gráficas, además de otras especialidades en la comunicación y la investigación como sociólogos, antropólogos, lingüistas, periodistas, profesores y estudiantes, o simplemente gente que desea establecer una comunicación directa.

Desde sus inicios el arte-correo ofrecía los siguientes atributos, aún vigentes en lo básico:



I. Se trata de un diálogo a larga distancia, entre personas que probablemente nunca llegarán a conocerse ni a intercambiar palabras de viva voz. Esto rompe los parroquialismos, la estrechez de miras, permite conocer otra circunstancia y otra problemática. Nutre la comprensión y la solidaridad.

II. Correlativamente, se trata de un diálogo político, ideológico, por la propia naturaleza del sistema. En cuanto sistema de comunicación se interesa más por los problemas vivenciales y las circunstancias de actualidad que por preocupaciones eminentemente formales y estilísticas. Si bien posibilita desfogues escapistas, siempre significa una práctica ajena a los códigos académicos o del mercado, lo cual favorece las capacidades de autoexpresión como uno de los potenciales más productivos y corrosivos del circuito. Esta característica resultó de especial importancia para enfrentarse a regímenes dictatoriales, como los vividos en Latinoamérica, o sistemas cerrados como los del “socialismo real”.

III. Origina un proceso de descentralización artística, cuando desde cada aldea o provincia se pueden enviar mensajes creativos y ser conocidos o transmitidos hacia una multiplicidad de lugares, en contraposición a los “centros” rectores del arte implantados desde la segunda posguerra, donde una trama de galerías, museos, críticos y marchands controla un cerrado aparato de mercadeo y “prestigio” que se enseñorea sobre el arte universal. Con el arte postal deja de haber “marginados” en la expresión y el muestreo artísticos. Esto se potencia ahora en los tiempos del Internet y el correo-electrónico....//...





TituloLIBRO DE ARTISTA/LIBRO OBJETO
AutorFERNANDO MILLAN
PublicacionESCANER CULTURAL
Dia16Mes6Año2001Página0
MateriaArte experimental
SinopsisDentro de las manifestaciones de las neo-vanguardias artísticas en España, el libro, en sus formas propias e impropias, ha tenido un protagonismo fundamental. Por un lado, la presencia de las nuevas formas de entender y utilizar la escritura en todos los campos expresivos en los países desarrollados, y por otro la acreditación de formas intermedias o mixtas, son características definitorias de todos los movimientos de neo-vanguardia desde comienzos de los años sesenta. De ahí la presencia constante del libro. Aunque con un cierto retraso, artistas españoles se suman a estas corrientes a mediados de los años sesenta, con una personalidad propia y una participación en pié de igualdad con artistas, músicos y escritores de Europa y América. Desde el libro ilustrado al libro de artista, pasando por el libro-objeto, el libro obra de arte, o simplemente, las ediciones en serigrafía o grabado, la idea del libro está presente en la historia de las neo-vanguardias en España en los últimos 35 años. Especialmente importante ha sido, ya en los años setenta y ochenta, las prácticas que han desarrollado la poesía visual, tendencias de escritura minimalista y arte conceptual.
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TituloMIS INICIOS EN MAIL ART Y POESIA VISUAL
AutorMANUEL CALVARRO
PublicacionICARIA VIRTUAL
Dia9Mes8Año2003Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte experimental
SinopsisMIS PRIMEROS PASOS EN EL MAIL-ART Y LA POESÍA VISUAL - Manuel Calvarro

Corría el 1999 y yo había sido invitado a participar en la Segunda Bienal de arte por correo que la Fundación Juan
Ramón Jiménez convocaba ese año para conmemorar la publicación de los primeros libros del poeta.

He de confesar, que a pesar de estar metido en el mundo del Arte desde hacía mucho tiempo desconocía por completo
la historia y la filosofía de este movimiento artístico que luego me cautivaría .

Envié para la ocasión dos obras de formato “A4” y me olvidé del asunto hasta que meses más tarde me fuera remitida
la invitación para asistir a la inauguración de la muestra en la antigua galería que Fernando Serrano tenía entonces
en Moguer. Acudí a la cita y desde el momento que atravesé la puerta de la galería se produjo ese milagro que yo
particularmente siempre busco en todas las exposiciones que visito. Lo que allí había era capaz de llamar mi atención,
se salía de lo normal por ser una propuesta novedosa, atrayente, interesante...

Recuerdo que como junto a cada obra aparecía el nombre y dirección de su autor inmediatamente se me encendió esa
vena fenicia que siempre he tenido y pensé en la fácil posibilidad del intercambio de obras por medio del correo.

Se lo comento en mi ignorancia supina al comisario de la muestra Antonio Orihuela y este me hace ver que eso que
estoy pensando ya había sido “inventado” desde hacía mucho tiempo y que precisamente yo estaba participando(sin
saberlo) en una muestra de Mail Art o, Arte por Correo. (Menudo chasco).

He de reconocer que ese fue un día magnífico, pues no todos le dan a uno la oportunidad de llevarse a casa el
conocimiento de algo nuevo aprendido.

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Como mi amigo César Reglero (Tarragona), también interesantísimo mail artista y poeta visual director de uno de los
escasos museos de Mail Art y poesía Visual que hay en España dice “el Mail Art es una cantera de poetas visuales”.

Efectivamente, pues yo mismo soy un claro ejemplo. El contacto postal con algunos de los poetas visuales me hace
conocer e interesarme también por ella.

La POESÍA VISUAL me haría enfrentar a retos hasta entonces para mí impensables y tomo inmediatamente el
guante que me lanza, ya que no quiero desaprovechar la oportunidad que se me brinda de medir mis fuerzas en este
campo.

La P.V. me permite hacer tangible lo intangible; llevar las ideas abstractas al campo concreto de los sentidos; expresar
un sentimiento sin necesidad de la palabra; comunicar mis inquietudes sólo con una imagen y que esta pueda ser un
auténtico fogonazo que haga comprender lo que yo he pretendido al que en ese momento la contempla; ejercitar
libremente mi ironía y mi intelecto. Comprobar que era cierta la célebre frase de que “una imagen vale más que mil
palabras”... // ...



TituloLA DESMESURA DE SCHNABEL
AutorJOSE COMAS
PublicacionBABELIA/ EL PAIS
Dia6Mes3Año2004Página16
MateriaArte experimental
SinopsisJulian Schnabel con sus pinturas de 500 kilos de peso y 25 metros cuadrados es la pesadilla de todo marchante de arte, y, lo que es peor, cuando los galeristas se acostumbran a sus desmesuras, les sorprende con nuevas desmesuras para las que no tienen soluciones técnicas. Y es asi como en en el Centro de Arte Schirn de Francfort tienen que introducir los cuadrod por las ventanas y con caminones gruas.

TituloVESPELLA:UN RECORREGUT ARTÍSTIC, GEOGRÀFIC I HISTÒ
AutorREDACCION
PublicacionAVUI / SUPLEMENTO CULTURAL
Dia2Mes7Año1993Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisUN RECORREGUT ARTÍSTIC, GEOGRÀFIC I HISTÒRIC

Vespella té uns 200 habitants censats, que es multipliquen per deu quan les migdiades duren tota la tarda, i està format per diversos nuclis: Vespella, els Masos de Vespella, la Coma i Sant Miquel. L'encant i el silenci del seu paisatge va seduir el pintor Rafael Bartolozzi el 1967, quan buscava un lloc tranquil per preparar una exposició a la Sala Gaspar de Barcelona, i el 1972 s'hi va fer una casa.
Des del 1991 Bartolozzi és l'alcalde de Vespella i l'impulsor de la renovació del poble. Quan va entrar a l'alcaldia, Bartolozzi va connectar amb esperits afins i es va adonar que havia de potenciar el poble amb coses que no s'estiguessin fent. "Em vaig adonar que la poesia visual no existia enlloc". I així va organitzar el Premi Nacional de Poesia Visual, creat l'any Miró sota la presidència de Joan Brossa. L'agost del 1993 i arran de l'incendi que va travessar el terme municipal -va cremar 1.000 hectàrees de les 1.824 que té el terme, i hi van morir sis persones- es va crear el Museu d'Instal·lacions Artístiques a l'Aire lliure de Vespella de Gaià. Ara comença a arrencar la Fundació d'Art Contemporani Mas d'en Plana, com a aglutinador d'intercanvis artístics internacionals. I es pretén convertir la Pedrera de Mas d'en Blanc en un auditori natural de tota mena de manifestacions artístiques i d'espectacles.
"Volem que el poble acabi sent un lloc de visita complementari però obligatori del turisme sensible a l'art instal·lat en l'ambient natural", indica Bartolozzi. Ara com ara, hi ha una desena d'obres d'art escampades pel seu terme municipal, la majoria al voltant del pujol que domina la part més antiga del terme municipal. Aquí es pot contemplar una urna de cera misteriosa i poètica, que a l'interior conté un quadern fet amb la pols de l'extracció de la roca on l'ha allotjat el seu autor, el reusenc Rufino Mesa. Martí Royo hi ha deixat reposant un drac fet amb blocs precuits de ceràmica. Una escultura d'arcs de ferro de Glòria Ortega simbolitza el trànsit entre la realitat i el somni. N'hi ha una altra de Fèlix Lozano, que viu al poble. En altres bandes del poble, un cub del badaloní Gabriel penja dins una cova, Iraida Cano ha pintat dos inquietants felins a la roca i el lleidatà Joan Simó també hi ha deixat la seva empremta.

TituloJOAQUIN GOMEZ PREMIO POESIA VISUAL
AutorCARINA FILELLA
PublicacionEL PUNT
Dia16Mes12Año96Página22
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisJoaquín Gomez fué el ganador del IV Premio Nacional de Poesía Visual de Vespella de Gaía. También encontramos entre los premiados a viejos conocidos como el tortosino Albert Aragonès (PV) o Didac P. Lagariga y Joan Simó en la primera edición de Acciones Plásticas.

En el debate posterior sobre arte contemporáneo, participó el jurado compuesto entre otros por Carles Hac Mor, Bigas Luna, Joan Brossa, Rafael Bartolozi, etc. siendo el moderador Joan Abelló.

TituloDEKALLE: EXPOSICION DE NEL AMARO
AutorJOSE LUIS CAMPAL
PublicacionEL PERIODICO DE MIERES
Dia0Mes3Año94Página0
MateriaPoesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisEl cronista al tratar de explicar esta exposición de Nel Amaro, desarrolla previamente algunos aspectos de la personalidad de este autor: fustigador empedernido, libertino acráta, provocador político-social, etc.

Posteriormente Campal explica que Nel Amaro se mueve siempre dentro del complejo terreno de la investigación, ya sea en la esfera de la poesía experimental, del arte conceptual, poemas-objetos, performance, instalaciones o cualquier otra forma de arte que le ayude a expresar su mundo interior reciclando los grandes temas de nuestros dias.

TituloEXPOSICION DE POESIA VISUAL
AutorREDACCION
PublicacionEL CORREO GALLEGO
Dia2Mes3Año2004Página0
MateriaPoesia visual
SinopsisLa residencia de Fonseca acoge una exposición de poesía visual.

A partir de mañana y hasta el próximo día 21 de marzo podrá visitarse en la sede de la residencia universitaria de Fonseca una exposición de poesía visual titulada Gramática para tiempos de confusión, en la que se recogen los trabajos elaborados por los creadores pertenecientes al colectivo de artistas visuales El Grito, que tiene su sede en Cataluña.




TituloRocío Arregui reinventa naturaleza y arquitectura
AutorIsidoro S.
PublicacionDiario de Sevilla
Dia18Mes0Año2004Página55
MateriaPoema objeto,Arte experimental
SinopsisLa artista Rocío Arregui (OSuna, 1965) inaugura una muestra de arte en la galería Icaria de Sevilla en la que reinterpreta diversos códigos en sus ready mades. Hay ramalazos de poemas encontrados, con la incorporación de las tecnologías (RF)

TituloRubén Barroso abre la veda de la performance para
AutorMarta Caballero
PublicacionDiario de Sevilla
Dia18Mes0Año2004Página56
MateriaArte de accion
SinopsisRubén Barroso coordina la IV edición de Contenedores, festival de arte de acción desarrollado en Sevilla, reivindicando la performance como la disciplina artística más accesible a todos los públicos y ser el lenguaje más representativo de nuestra era

TituloCOLECCIONAR ARTE EFIMERO
AutorCIRO KRAUTHAUSEN
PublicacionBABELIA/ EL PAIS
Dia30Mes8Año2003Página11
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisEl Hamburg Bahnhof es el centro de la red de museo estatales de Berlín que se ha especializado en coleccionar arte efímero y, en general, acoge en su seno las expresiones más arriesgadas del arte contemporáneo en la esfera internacional

*(Peter-Klaus Schuster/ Director)

TituloMATERIA DE CREADORES
AutorLUIS E. SILES
PublicacionEL PAIS ANDALUCIA
Dia28Mes2Año2004Página37
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisEl País dedica un suplemento especial a los nuevos creadores andaluces y entre ellos destacamos a Laura Calvarro, hija del gran poeta visual y mail artista Manuel Calvarro. Laura a sus 21 años parece tener los conceptos muy claros de como ella quiere estar en el arte:"Yo tengo la idea, pero no me importa el soporte para expresarla, busco el mejor". Se confiesa artista multidisciplinar y performer. Sus obras han estado en el Museo de Arte Contemporáneo de Nerva (Huelva) y en el Foro Iberoamericano de La Rábida.

TituloRECORDANDO A BROSSA
AutorREDACCION
PublicacionEL PAIS CATALUÑA
Dia16Mes3Año2004Página24
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisHace ahora un año El País publicaba la siguiente noticia:

"En 1997, el actor y director escénico H. Bonnin y el mago J. Julve, pusieron en marcha el Espai escénico Joan Brossa, que con motivo del quinto aniversario de su muerte sale a la calle e invade Barcelona durante el mes de febrero con el fín de divulgar el espíritu del poeta. La idea es que no haya que esperar otros cinco años y que esta celebración sea anual".

Y,efectivamente, no ha habido que esperar cinco años porque un año después se repite la experiencia buscando espacios atípicos de Barcelona para recordar a Brossa con recitales, teatro, poesía escénica, poesía visual, videoproyecciones, performances, etc.

TituloGUILLERMO MARIN PREMIO POESIA VISUAL
AutorJOAN BORONAT
PublicacionDIARI DE TARRAGONA
Dia16Mes12Año1996Página16
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Arte experimental
SinopsisDe manera insólita el Diari de Tarragona adjudica, con grandes titulares, a Guillermo Marín el Premio Nacional de Vespella Gaía en su cuarta edición, por cuanto este autor no se presentaba a dicho concurso. Si bien, el día de la adjudicación del Premio había donado una escultura al municipio. En el interior del artículo se insiste en la adjudicación del premio a G.M., ... Podría pensarse que el autor del artículo no había estado presentte en la localidad, pero lo cierto es que da detalles que confirman su asistencia.

En el jurado se encontraban Joan Brossa, Rafael Bartolozzi, Bigas Luna, Xavier Canals, etc.


TituloPOESIA INEDITA DE FELICIANO DE MIRA
AutorMINA BOLANTE
PublicacionARCA DO VERBO
Dia4Mes12Año96Página4
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisFeliciano de Mira, sociólogo, escritor, poeta visual, foi nomenado Comissario para as Artes Plásticas no projecto "Pontes Lusofanas II"
iniciativa daInstituto Camoes e Monisterio da Cultura de Mozambique.

"Pelo meio participou em onze accoes de poesía visual e poesía concreta, publicou outros poemas, disperso em folhas de jornais marginais, assim como a recolha em livro de poesia alentejana da zona de Pías e Moura"


TituloEL RASTRO FERTIL DEL DADA
AutorFERNANDO HUICI
PublicacionEL PAIS CULTURAL
Dia8Mes3Año2004Página46
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisSabido es que a los dadaistas y futuristas italianos se les consideran los preculsores del mail art, y, en consecuencia, no es extraño que al igual que el mail art lleva camino de cumplir medio siglo de existencia con los pulmones llenos y la actividad incesante, el dadaismo también se resista a perecer y su espíritu flote por, contra, de, hacia nosotros rememorando un arte provocador y antiestético, bajando de los altares al academicismo y recurriendo al absurdo para explicar las grandes verdades de la vida y del arte.

TituloCABARET VOLTAIRE RESURGE EN ZURICH
AutorROGER SALAS
PublicacionEL PAIS CULTURAL
Dia8Mes3Año2004Página46
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisLa experiencia de 1916, en la que un grupo diverso de amantes de las vaqnguardias culturales crearon el dadaista Cabaret Voltaire en Zurich, resurge casi un siglo después de la mano del co-fundador de Fluxus, John Armleder.

No se trata de una imitación, sino de un intento de recuperar el espíritu vanguardista y provocador que tuvo en su momento y que fuen encabezado por Tristan Tzara.

De momento ha sido esponsorizado por una firma de relojes y una revista de arquitectura. Confiemos en esto no suponga una hipotéteca para el post-dadaismo.

TituloCOMUNA BAIRES
AutorREDACCION
PublicacionEXPRESO LATINO
Dia0Mes2Año2004Página10
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisLa Comuna Baires es, probablemente, el centro de arte contemporáneo más importante de Milán. Las ofertas culturales más vanguardistas nacen de este espacio Italo-Argentino que después de 35 años de actividad incesante se encuentran en peligro de perder su local, y con él, peligra también las actividades del Laboratorio di Cromografia, Di Segni di Sogno, los libros de artista, mail art, etc.

El último intento de la Comuna consiste en hacer un llamamiento internacional para recopilar fondos para adquirir el local. A la iniciativa se han sumado Dario Fo, Adolfo Pérez Esquivel, Raúl Alfonsin, Luís Sepulveda, etc.

Lalli R. per Comuna Baires
Banca Popolare Etica
C/C 110931
ABI 05018 - CAB 01600 - CIN E
Milano

Para quienes quieran colaborar desde el exterior

Lalli R. per Comuna Baires
Banca Popolare Etica
IT 28 E 05016 01600
000000110931
MIlano
Italia


Titulo¿QUÉ ES ESO DE LA PERFORMANCE?
AutorCORRESPONSAL CALDAS DEL REY
PublicacionLA VOZ DE GALICIA
Dia30Mes6Año1999Página8
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisNel Amaro es el comisario del PRIMER FESTIVAL INTERGALACTICO DE PERFORMANCE que se celebra en Caldas del Rey y que tiene como tema monográfico el agua. Nel Amaro explica que él entiende que la performance se puede definir como una acción artística llevada a cabo con el propio cuerpo en presencia (o no) de espectadores. Entre los participantes La Sala Itinerante Marsel Duxamps, Joan Casellas, Xavi Moreno, Javier Ureta, Colectivo Atmósfera, Abel Loureda, Nel Amaro, etc.

Nel declara que pocas veces la performance tiene apoyo institucional porqué su contenido escapa de aquello que se puede comprar.

La pregunta que se puede hacer la gente de la calle al ver Caldas de Reis plena de acciones incongruentes para ellos, según Nel Amaro, será, sin duda: ¿ESTO ES ARTE?,...y esa es la cuestión,...

TituloRETROSPECTIVA DE JUAN OROZCO
AutorN.P.
PublicacionDIARIO DE SEVILLA
Dia4Mes7Año1996Página19
MateriaPoesia visual,Arte experimental
SinopsisJoros se manifiesta dentro de la línea del Movimiento Inista que tiene su punto de incio en el Manifiesto de París de 1980.

En su última etapa se pone de relieve su caracter simbolista-geométrico expresado a través de la figura humana.

TituloMOSTRA LIBRI D´ARTISTA
AutorCONSIGLIA RECCHIA
PublicacionVERBANO
Dia30Mes8Año2003Página0
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisLA MOSTRA ITINERANTE "LIBER/AZIONE2" GIUNTA A LA SUA ULTIMA TAPPA.

Le opere esposte sono pezzi unici. Impossible parlare di oltre duocente opere: si pensi solo che no sono giunte dall´Australia, dal Brasile, dalla Corea, dalla Finlandia, dalla Francia, dal Giappone, dall´Olanda, dalla Romania, dalla Spagna, dall´Uruguay,...Artisti: Anna Boschi, Ruggero Maggi, Damiana de Gaudenzi, Marisa Cortese, Gino Gini, Walter Pennachi, Clemente Padín, César Reglero, Antoniuo Sassu, Giuseppe Strano,...

TituloESPAI BROSSA
AutorBELEN GINART
PublicacionEL PAIS CATALUNYA
Dia3Mes2Año2003Página8
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisEn 1997, el actor y director escénico H. Bonnin y el mago J. Julve, pusieron en marcha el Espai escénico Joan Brossa, que con motivo del quinto aniversario de su muerte sale a la calle e invade Barcelona durante el mes de febrero con el fín de divulgar el espíritu del poeta. La idea es que no haya que esperar otros cinco años y que esta celebración sea anual.

TituloARTE / VIOLENCIA / CENSURA
AutorMARIA FABRA
PublicacionEL PAIS CULTURAL
Dia31Mes1Año2004Página28
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisUn gra revuelo a causado en las esferas culturales la censura ejercida por el el partido gobernante en la Generalitat valenciana (PP) en la exposición "Poética de la Violencia" organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Castellón. La crítica ejercida por los autores de la muestra ha sobrepasado los intereses políticos de quienes se han visto directamente aludidos.

TituloEN VERSO LIBRE & LIBERTAD PARA EL VERSO
AutorNEL AMARO
PublicacionMERZ MAIL
Dia0Mes6Año1994Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisEN VERSO LIBRE & LIBERTAD PARA EL VERSO
(O algunas pequeñas y urgentes consideraciones sobre la poesía dentro del MAIL-ART)
por Nel AMARO (junio `94)

Ayer fue un rollo de papel higiénico, así a pelo, con mi nombre y dirección y el remitente (Colectivo ZAS! de Granada) y la inscripción (o TEXTO) AYUDA/INTERNACIONAL -/O.N.U., más un franqueo de 30 pesetas; anteayer pudo ser un par de gastadísimos, y pestilentes, calcetines con los que -al menos teóricamente- los "activistas del colectivo -también granadino- "ZULO" hicieron el Camino de Santiago'93 , y cualquier día de estos próximos pasados pudo llegar hasta mi buzón, con la ines-timable cooperación del servicio local de Correos que aún no sabe si está tratando con un colec-cionista de rarezas, con un chiflado de cuidado o con un experto en arte y curio-sidades (pero colaboran, que no es poco) el lápiz rosal remitido desde Mérida (Bada-joz) por Antonio Gómez, personalista personalidad, merecedora del recono-cimiento que su obra propia y en beneficio ajeno se han ganado sobradamente, "RAIN", de CORPA, nuestro hombre experimentalista en Bargas (Toledo), desde Gijón "ataca" contundentemente Emilio Feito, los "clasicos" y/o "históricos", como J.L.Mata (Atelier Bonanova"), Alfonso López Gradoli y J.A. Sarmiento, se hacen algo más de rogar,pero de tarde en tarde también encuentras con ellos, con algo tan actual (y comprometido) como las tarjetas "PSV UGT y KW:Proyección de los sin hogar" y "¿Por qué una cooperativa de viviendas de origen sindical patrocina una exposición de arte de vanguardia?", del último de los tres citados; "La nevera", desde Cuenca o Madrid, productos artesa-nales; desde Zaragoza Pedro Bericat, uno de los artistas españoles con una más lúcida y absolutamente personalísima trayectoria; el bra-sileño y residente en España (Madrid) Rodolfo López Franco,(a) "Rodolfo Francotirador", impresionado por la obra del "Maestro Brossa" me pone en contacto con sus poemas-objeto, bellos y ocurrentes;"policia NO, exclama en negro sobre fondo blanco (10x15 cm) J.L.Mata, que me habría gustado decir (poéticamente) a mi, pero esto sucede, y nos robamos ideas, o coincidimos, o ...Pero mañana tendré algo, como casi todos los días, de "El Asesino Visionario", trasunto poético del ex-quisito artista asturiano Agustín Bayón, y espero que no se olviden de mi los del Instituto Quirurgico de Creación Militar (Rafael González y sus huestes mierenses). Hoy ha sido J. SEAFREE (civilmente Javier Ocaña) quien desde Madrid me remite su trabajo, poema-objeto a la hora de la eti-queta, "La cápsula envene-nada (ruleta rusa)", una caja negra de plástico (9x-8x1 ,45 cm) en cuyo interior vienen cinco cápsulas, una de ellas contenedora de veneno mortal, mientras que las otras cuatro son el punto cardinal aliado del hombre y del poeta, más una "Nota" explicativa, en la que se nos dice que esta "ruleta rusa" puede some-terse a cambios y según el albedrío de su portador. ...//...


TituloUna experiencia estética radical: Fernando Millán
AutorLaura López Fernández
PublicacionAgulha, revista de cultura
Dia0Mes7Año2002Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental
SinopsisLa profesora López Fernández (actualmente en Nueva Zelanda) se centra en este artículo en uno de los aspectos más peculiares de la obra del poeta expewrimental español (Villarrodrigo, Jaén, 1944): su línea de trabajos con la tachadura. Iniciada en 1965 se ha ido desarrollando a través de los años, dando lugar a trabajos aparecidos en tarjetas postales, carteles y libros.
Según López Fernández, "las tachaduras de textos individuales o de un libro, ejemplifican la práctica artística más deconstructiva de MIllán".
Para ella "Millán usa este modo de deconstrucción de manera aniinstitucioal, entre otros objetivos, para poner un alto al arte conservador a través de la interacción entre las distintas artes (pintura, poesía escrita, escultura, arqueitectura".
Después de señalar el compromiso ético y estético que subyace en estos trabajos, la autora afirma que también se "produce una nueva manera de "ver" y de vernos. Hay en definitiva, un desafío al lector como receptorde un sistema dado y garantizado provocando una contralectura y un arte visual sin antecedentes."
Este artículo ha sido publicado en la revista Agulha, de Fortaleza, Sao Paulo, y está en internet:
http://www.revista.agulha.com.br.ag26millan.htm

TituloCLAUDIO JACCARINO
AutorBENIAMINO VIZZINO
PublicacionTRACCE CAHIERS D´ART
Dia0Mes0Año2004Página0
MateriaPoesia visual,Poesia conceptual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisEn este artículo se traza un amplio recorrido de la mágica existencia de uno de los maestros en la edición de libros de artista, mail artista, acuarelista, actor, mago y dsiseñadoir de fantasias: Claudio Jaccarino.

Se relatan interioridades de su Laboratorio di Cromografia y de la Comuna Baires Agora Club (Milano), una de la experiencias más enriquecedoras de arte vanguardista en Europa y que se encuentra amenazada de clausura por dificultades económicas.

(Pág. 54-55) / Edición Quadrimestali / Inviern0 2004

TituloARTE PERISFERICO/ J.M.CORTES
AutorANGELA MOLINA
PublicacionBABELIA/ EL PAIS
Dia31Mes8Año2002Página10
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisEn la entrevista que Angela Molina hace a José Miguel Cortés, director del EACC, éste llega a decir que "...la historia de los Centros de Arte se ha acabado, se están creando multitud de perisferias que tienen más cosas que decir". Por otro lado se muestra orgulloso de no comisariar exposiciones de cara a la audiencia.

Especialmente interesado en el arte de las minorias, considera que su función como director del Centro Contemporáneo de Castellón consiste en conectar con el "arte vital" de la perisferia y buscar aquello de lo qué carece Castellón, antes que intentar vender lo comestible y trillado.

TituloMAIL ART / FORUM 2004
AutorEMILIA ALTARRIBA
PublicacionMERIDIANO/ DIARI DE TARRAGONA
Dia11Mes1Año2004Página4
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisCon motivo del Forum 2004 de Barcelona se realiza esta convocatoria de Mail Art organizada conjuntamente por el Colegio Oficial de Médicos de Tarragona y el Taller del Sol. En la misma participan 257 MA de 27 paises. En el reportaje de dos páginas a color se relatan los pormenores de la muestra, y entre ellos el envio de obras electrónicas por parte de artistas argentinos debido a las dificultades económicas para hacer el envio por vía postal. También se explican las característica del mail art y se cita a una treintena de poetas visuales españoles que participan en la muestra.(Pág. 4 y 5)

TituloAAVV/ ENTREVISTA FRANCESC TORRES
AutorCATALINA SERRA/ JAUME VIDAL
PublicacionQUADERN/ EL PAIS
Dia13Mes6Año2002Página8
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisEn esta entrevista Francesc Torres explica que la Associación de Artistas Visuales de Catalunya agupa a 880 creadores. Frances Torres, nuevo presidente de la asociación propugna planteamientos propios para Catalunya: "...Si Madrid és el lloc del mercat, Barcelona hauria de ser el de la investigació i el desenvolupament..." Según sus palabras se trata de hacer arte experimental,producir la obra, ofertar cosas nuevas.En definitiva, convertir Barcelona en una especie de laboratorio artístico.

TituloENTREVISTA MERCE ROVIRA
AutorGUSTAVO HERNANDEZ BECERRA
PublicacionDIARI DE TARRAGONA
Dia29Mes12Año2003Página48
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisMerce Rovira ha colaborado con El Taller del Sol en diferentes performance, y entre otros creó el grupo de Actores Imposibles que actuaron en el Centro Multimedia La PaPa de Barcelona, dirigido por Xavier Sabater. Ha participado en diversas convocatoria de Mail Art y actualmente ha creado la obra teatral Brossal als ulls. En la entrevista desgrana sus inquietudes y su apuesta por el teatro experimental y de acción.

TituloUN ESPECTACULO ANTIBROSSIANO
AutorPABLO LEY
PublicacionEL PAIS ESPECTACULOS
Dia22Mes9Año2001Página43
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisLa obra teatral "Mon Brossa" dirigida por Franco di Francescoantonio es criticada duramente por el autor bajo el argumento de que es imposible que una obra de teatro brossiana llegue a ser aburrida. Esta producción del TNC contó con medios y recursos suficientes, pero le falto "alma" y sobre todo, meterse en el espiritú del poeta.

TituloEL NUEVO MAIL ART
AutorMARIUS SERRA
PublicacionLA VANGUARDIA
Dia27Mes1Año2004Página20
MateriaArte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisEl autor destaca la labor de los carteros critógrafos y su trabajo de investigación para descifrar direcciones de mail art insertadas entre laberintos de conceptos y poemas visuales anexos.

Con esta introducción quiere resaltar un aspecto del mail art que está poco estudiado pero que resulta apasionante: los sellos de artista que se confunden y sustituyen a los oficiales con los mensajes más peregrinos y que no llegan a ser detectados por los servicios postales. Esta experiencia desarrollada ultimamente por el colectivo denominado "piratalia", ha llegado a editar un albúm piratélico con multitud de sellos falsos que recuerdan anteriores experiencias italianas, y en los que van mensajes como "V Congreso de Tímidos Españoles", "Asociación de Españoles sin Complejos", etc.

TituloARTE CORREO EN LATINO AMERICA
AutorELIAS ADASME
PublicacionHOTEL DADA, REVISTA / N. 2
Dia0Mes2Año2003Página5
MateriaArte postal,Arte experimental
SinopsisEl autor conecta el nacimiento del mail art en Latinoamérica a la represión política y cultural de los años sesenta / setenta. Ejemplos paradigmáticos fueron la desaparición del hijo de Edgardo Antonio-Vigo, el destierro de Guillermo Deisler, o el encarcelamiento de Clemente Padín y Jorge Carballo. El MA fué uno de los sistemas de romper fronteras y penetrar en territorios vedados a la difusión cultural por las dictaduras.

Como ejemplo contemporáneo del MA como instrumento cultural al servicio de los DD.HH., cita el caso del colectivo AUMA (Acción Urgente de Mail Art), quién combina las nuevas tecnológias con los servicios postales ordinarios para realizar una tarea más eficas y rápida.

TituloARTE CORREO ELECTRONICO
AutorSILVIO DE GRACIA
PublicacionHOTEL DADA, REVISTA / N. 2
Dia0Mes2Año2003Página20
MateriaArte postal,Arte experimental
SinopsisCon el subtitulo de LA DEMOCRACIA RESTRIGUIDA, De Gracia hace alusión a el poderoso influjo de la era electrónica que ha mantenido fuera de los circuitos a unos amil-artistas que no se han podido subir al carro electrónico. Este fenómeno se empieza a dar a mediados de los 80 con el Fax y en 1988 Ruud Janssen (TAM EDITIONS) se contituye en pionero de la era electrónica , de la informática y los ordenadores, al que le sigue Guy Bleus quién declara que todos estos elementos no son más que herramientas que van a favorecer el trabajo de la red, tanto para los que tienen conexión con internet como para los que quieren seguir valiéndose de los servicios postales tradicionales.

El problema del 2000 son las convocatorias de
e-mail-art donde sólo se puede participar por correo electrónico y aqui encuentra el autor una restricción al sistema democrático del mail art.

A pesar de ello De gracia encuentra varias ventajas al nuevo sistema: Carácter inmediato de la respuesta, mayopr economía -tanto para enviar obras como para recibir documentación-, mayor seguridad en la recepción,etc.

Algunas ediciones de arte postal en papel han encontrado en el soporte electrónico la supervivencia que les era imposible sobre papel (Vortice)

STIDNA clamaba para el arte correo medios que sean universales y asequibles, y el medio electrónico no lo era. También consideraba que la magia poéticade la carta no puede ser sustituida por el envio electrónipo.

Acaba el autor y director de Hotel Dada, Silvio de Gracia, reclamando flexibilidad en el udo electrónico y democracia para no desbancar a todos aquellos que se muestran ejenos a esta tecnología.

TituloEL SIGNO Y EL ESPACIO
AutorREDACCION
PublicacionEL PAIS / CULTURA
Dia26Mes5Año2002Página40
MateriaPoesia visual
SinopsisExposición realizada en el Conde Duque de Madrid donde se ha pretendido hacer un seguimiento evolutivo del signo gráfico como una huella que a lo largo de los siglos ha seguido al hombre en su evolución, partiendo del arte rupestre con una siliueta de la mano hasta las primeras imágenes usadas en los sistemas ideográficos y alfabéticcos hasta entrar en la modernidad y en las vanguardias históricas.

TituloANTOLOGICA DE JOAN BROSSA
AutorJOSE OLIVA
PublicacionGUIA/ DIARI DE TARRAGONA
Dia22Mes2Año2001Página60
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisLa exposición comprende obras contenidas en el periodo que va de 1991 a 1998. En la Fundación que lleva su nombre se pueden contemplar. además de las obras, documentos originales, instalaciones, etc.

El comisario de la muestra, Manuel Guerrero, indicó que J.B. está la altura de revolucionarios del arte como Mallarmé, Duchamp, Picabia o Cagé.

La exposición se abre con una mesa de alta burguesía y a la cabezera de la misma una silla y el garrote víl.

TituloARMAN/NOUVEAUX REALISTES
AutorABDREA AGUILAR
PublicacionEL PAIS CULTURA
Dia18Mes1Año2004Página35
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisAntológica de Arman (Niza 1928), uno de los fundadores de Nouveaux Realites, y que alcanzó dimensión internacional a explosionar con dinámita un MG blanco y al meter en cemento 59 coches blancos. El preámbulo a todo ello fueron sus "acumulaciones de objetos, sus basusras, sus combustiones o su cólera". En la presente antológica el plato fuerte consiste en presentar obras pintadas sobre caballete por primera vez en su vida (Galeria Malborough. Madrid)

TituloEL SIGNO Y EL SILENCIO
AutorETTORE LE DONNE
PublicacionL´ORACOLO
Dia26Mes12Año2003Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte experimental
SinopsisCon motivo del terremoto sucedido en Octubre del 2002, una escuela de San Guliano di Puglia (Italia) fué destruida con numerosas víctimas. 500 artistas de todo el mundo rinden homenaje a las personas fallecidas a tráves de una convocatoria de Mail Art bajo el lema: LA REPRESENTACION DEL SIGNO Y LA DIGNIDAD DEL SILENCIO". Esta muestra, participará en la próxima Bienal de Venecia.

TituloART UNDERGROUND
AutorJAUME VIDAL
PublicacionEL PUNT
Dia5Mes1Año2004Página34
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisLa intervención en espacios urbanos contituye una manera de acercamiento del arte al ciudadano. Y la línea 11 del metro de Barcelona ha sido testigo de un acontecimiento de este calibre. Encontrar en una línea de metro un montaje interrelacionado con la naturaleza, la luz y la brisa resulta altamente relajante a las 7 de la mañana para el obrero que con el bocadillo bajo el brazo acude al tajo.

Por alli estaban conocidos poetas visuales como Carles Hac Mor y Esther Xargay, quienes se han convertido en santo y seña de la movida vanguardista catalana.

Titulo¿QUÉ ES EL ARTE CORREO?
AutorMANUEL RUIZ RUIZ
PublicacionCORREO DEL ARTE Nº 121
Dia0Mes2Año1996Página0
MateriaArte postal,Arte experimental
SinopsisEl autor reflexiona sobre la esencia del mail art, sus características fundamentales y forma de funcionamiento. Ilustra sus artículo con obras de Kurt Schwitters, P.O. Box y Ever Arts.

Considera que el mail art es hijo de Marcel Duchamp y la corriente dadaista (Kurt Schwitters) / surrealista (Dali, Lorca, Buñuel,...) / Pop (Warhol) / (Sala Caruso-Vitoria- (1995)

Pero aún retrocede más en el tiempo hasta situar el origen del MA en la poesía visual norteamericana ( Emmet William - 1925) hasta remontarse a Joan Brossa al profundizar en sus posibilidades tipográficas desde un punto de vista psíquico-linguístico... o a los collages musicales de John Cage.

Y finalmente se acerca a Ray Johnson a través de Joseph Beuys quién entre 1962-1964 colaboro con Fluxus desde una dimensión de denuncia social y rechazo del mercantilismo salvaje en el arte.

Como ejemplos concretos de la trayectoría del MA, cita a J.L. Mata quién es de la opinión de que el mail artista basa su acción en "la comunicación y en la experimentación".

Cita igualmente al Taller del Sol por la organización de la muestra "Sarajevo Ferida Oberta" en la participaron más de 600 mailartistas (93/94) y que pone como ejemplo de arte solidario.

Términa el extenso artículo con un rendido homenaje a todos los mail-artistas españoles y especialmente a la labor de Ibíco, fundador de AMAE, Asociación de Mail Artistas Españoles.


TituloENTREVISTA E. A. VIGO
AutorRUUD JANSSEN
PublicacionTAM PUBLICACIONES
Dia0Mes0Año1998Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisDespués de mantener una larga correspondencia con Edgardo Antonio Vigo, desde 1983, era natural invitarlo en Junio 1995 para una de mis entrevistas por correo. La entrevista casi se terminó, y sobre el 28 de agosto de 1997 le mandé la última de las preguntas. Más tarde me enteré que había fallecido el 4 de noviembre de 1997, después de padecer durante mucho tiempo una dolorosa enfermedad.

Durante la entrevista siempre hubo un intercambio de dos cartas, una para la propia entrevista y otra de carácter personal. Así es como se desarrollan la mayoría de las entrevistas, las cartas personales van a parte de las preguntas de la entrevista "pública".

Ya que deseo mostrar en la versión editada, qué tipo de artistas entrevisto, generalmente incluyo ilustraciones trabajos artísticos que he ido recibiendo durante el proceso de la entrevista... En el caso de la entrevista de Vigo esperé un tiempo antes de ponerme en marcha para realizar la tarea de leer y comprobar los textos para preparar la edición impresa de la misma. No es fácil perder un amigo y luego publicar las últimas palabras que has recibido de él. ...//...
http://www.eavigo.com.ar/escritos/entrevista_de_ruud_janssen.htm



TituloExtremadura marca hoy la vanguardia
AutorFelipe Muriel
PublicacionEl Espejo
Dia0Mes0Año1997Página0
MateriaPoesia visual
SinopsisAludiendo en su título a un poema de Antonio Gómez, el autor reflexiona sobre los resortes expresivos y los componentes sociales de la poesía visual en la obra del citado Antonio Gómez, Joaquín Gómez, Antonio Orihuela, Juan Manuel Barrado y Corpá.

TituloPOESIA VISUAL, LITERATURA Y PEDAGOGIA
AutorREDACCION
PublicacionLA GACETA
Dia0Mes4Año2003Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual
SinopsisLa Poesía Visual despierta el interés por la Literatura

Los alumnos de 4º de ESO del ‘IES Meléndez Valdés’ de Villafranca exponen el monográfico ‘Tabaco’ con trabajos realizados bajo la óptica de la Poesía Visual


Los alumnos visitan la exposición sobre Poesía Visual
Las sesiones de Lengua y Literatura dieron tregua a la imaginación de los alumnos de 4º de ESO del instituto de Villafranca de los Barros para que crearan poemas visuales, consiguiendo con ello la motivación, el trabajo en equipo y el gusto por el arte contemporáneo.


‘Terrorismo legal’, un cigarro atraviesa las Torres Gemelas de Nueva York, ‘Nicotina movediza’, un montón de nicotina se traga a un hombre, ‘Su muerte, gracias’, una máquina expendedora de tabaco, ... son algunos de los veintiséis trabajos que forman parte del monográfico ‘Tabaco’ resultado del trabajo de Poesía Visual en el área de Lengua y Literatura de los alumnos de 4º de ESO del Instituto de Educación Secundaria ‘Meléndez Valdés’ de Villafranca de los Barros.
Su profesor, José Calderón González, preocupado por rescatar el interés de los alumnos en clase, propuso trabajar la Poesía Visual, y después de dar unas nociones acerca de un movimiento literario que arranca en las vanguardias de principios del siglo XX, organizó el trabajo por grupos para que con recursos plásticos variopintos plasmaran un tema, que ha servido también para concienciar a los alumnos sobre los peligros que se derivan del consumo de tabaco. «Les expliqué que para hacer un poema visual hay que poner en marcha la imaginación, y mirar las cosas con otros ojos, que la realidad es muy compleja y hay que darle la vuelta», teoriza Calderón.
Cualquier alumno puede hacer Poesía Visual. Según José Calderón, «después de trabajar el collage, los recortes, la ironía, lo lúdico, sin más, estoy seguro de que empezarán a comprender mejor el arte contemporáneo, el arte que es de su tiempo».
La respuesta de los alumnos en este primer contacto con el arte ha sido muy positiva. Y variopintos han sido los objetivos. Por una parte, explica Calderón, «se les suprimió durante unas sesiones de la rutina diaria de las clases de Lengua»; por otra, «el trabajo plástico y visual es fuente de motivación para los alumnos», consiguiendo que los más desmotivados y con peores resultados académicos «hayan llevado en ocasiones la voz cantante a la hora de la creación imaginativa y de la realización práctica». Otro aspecto que destaca el profesor de Lengua es el fomento del trabajo en equipo «por encima de los particularismos personales».
La Comunidad Educativa del instituto de Villafranca ha acogido esta exposición con sorpresa y satisfacción, «unos parabienes que han recibido con energía los ya entusiasmados jóvenes artistas visuales», explica José Calderón.
Rebeca Pinilla es alumna de 4º de ESO del IES Meléndez Valdés y analiza esta experiencia valorando la cantidad de ideas que surgieron entre todos los alumnos «con algunas de las ideas se nos ocurrían otras aún mejores y más brillantes». Para ella, lo más difícil de la Poesía Visual es buscar un título al poema «ya que teníamos que buscarlos irónicos e insinuadores, ya que los poemas visuales tienen que provocar extrañeza, curiosidad para luego ser comprendidos».
La satisfacción de los resultados obtenidos con esta experiencia pionera anima al profesor José Calderón, a proponer al equipo directivo del IES Meléndez Valdés que la Poesía Visual se oferte como optativa para el curso que viene dentro del catálogo de materias para 4º de ESO. «Cuando nos pusimos a trabajar, me di cuenta de lo que aprendían los alumnos y de que daba para un curso entero». Su metodología es fundamentalmente práctica y participativa, «en la que el alumno es el motor de la clase, y el profesor sólo tiene valor en cuanto a guía».




TituloPOESIA PERFOMATICA EN NICARAGUA
AutorFRANCISCO RUIZ UDIEL
PublicacionLA PRENSA LITERARIA
Dia22Mes11Año2003Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisPoesía performática en Nicaragua

Trece barras de pan y el destete-nutrición


Francisco Ruiz Udiel

En Nicaragua actualmente contamos con un grupo de jóvenes que se han lanzado a las calles a realizar intervenciones públicas, se trata de TAJO (Taller de Arte Joven), no se puede esperar lo mejor de todos o que todos estén claros con su arte, sólo conozco el trabajo de dos personas, Wilbert Carmona y Valentina Bossio quienes pertenecen al grupo, por otra parte está el grupo multidisciplinario Al Margen dirigido por Paula Drenkard, recientemente ellos presentaron una intervención llamada El País de los ningunos, los espectadores dijeron que se trataba de una excelente obra de teatro, alguien dijo que era un performance, es aquí donde cabe una pregunta ¿cómo clasificar la poesía visual? ¿Hasta qué punto el teatro es poesía o la poesía se confunde en teatro? Se me hizo necesario emitir una clasificación tomando en consideración la dimensión semántica y escénica.

Al Margen tiene otra obra que aún carece de título, donde dos personas (Tania López y Ariel Bravo), están acostados en una cama artesanal (una tijera para ser más específico), ellos están mirando hacia el techo, del techo pende un manipulador de títeres y en cada regla del manipulador cuelgan unos anzuelos, en cada anzuelo hay una barra de pan (trece barras en total). Las dos personas tratan de alcanzar el pan, pero les es imposible, hay demasiada luz frente a sus ojos, el alimento ¿Es sólo una ilusión del hambre? A la orilla de la cama hay una silla como para que el espectador sea cómplice de lo que está sucediendo, en el otro extremo está una escalera que representa la jerarquía social ¿Es esto un Performance?

Mientras los que agonizan por el pan miran de soslayo a los espectadores el ambiente se torna poético, poesía sonora dentro del cuarto (Estertores jadeando), el movimiento escénico de las manos que desean pellizcar el pan, la luz que ofusca, los gestos, la idiogramática en las trece barras de pan, El Tzolkin, calendario astronómico maya tiene trece meses, las trece barras de pan representan esos trece meses ¿Ansiedad por volver a las raíces indígenas? Más evidente el símbolo cuando la obra se presentó en octubre de este año.

Todo esto nos lleva a un concepto: Poesía performática que se define como la suma de los lenguajes técnicos, sonoros, visuales y escénicos. La poesía perfomática representa aquí un poema-montaje por la visualidad y sonoridad donde se espera del espectador un amplio tiempo para contemplar la obra.

Al margen está integrado por Ariel Bravo, Paula Drenkard, Martín Mulligan, Tania López y Juan Carlos Cruz. Nos comenta Ariel que su trabajo (Grupal) es presentar una obra completa y continua donde cada intervención proceda de otra obra (esto me recuerda a una pintura de Salvador Dalí El destete de los muebles-Nutrición), aportamos continúa, con la memoria, con símbolos bidimensionales, trabajamos desde el margen bilateral social, aportamos concluye, desde nuestro margen.

TituloVII BIENAL DE POESIA EXPERIMENTAL
AutorREDACCION
PublicacionLA PRENSA
Dia0Mes0Año2001Página0
MateriaPoesia experimental
SinopsisVII BIENAL INTERNACIONAL DE POESÍA VISUAL/EXPERIMENTAL 2001
Proyectos radicales de escritura y/o lectura, pertecientes a la nueva imprenta y al nuevo libro, literatura experimental, video experimental, poesía-acción, performance poético, experimentación sonora y poesía, así como escultura cinética, son algunas de las propuestas de la VII Bienal Internacional de Poesía Visual/Experimental 2001, que se llevará a cabo del 8 al 13 de noviembre en el Centro Nacional de las Artes (CENART).

Impulsada por un grupo de artistas plásticos y visuales, la Bienal Internacional de Poesía Visual/Experimental inició en México en 1985, como respuesta a la necesidad de promover y difundir en el medio artístico mexicano la tradición y práctica del texto/acto sonoro-visual-poético, así como de su inserción en los diversos campos de exploración, autoanálisis, deconstrucción y experimentación.

Juan José Díaz Infante, César Espinosa, Araceli Zúñiga y Miguel Ángel Corona son los coordinadores generales de la VII Bienal Internacional de Poesía Visual/Experimental 2001, que este año contará con la presencia de artistas de España, Brasil, Argentina, Chile, Alemania, Japón, Canadá, Estados Unidos y México.

Araceli Zúñiga, explica: “Nuestra mirada ya no es más la del animal carroñero, cuyo campo visual sólo puede enfocar un rectángulo de luz sobre su presa. Ahora somos los cyborg, organismos cibernéticos, hibridos, mitad hombres, mitad mujeres, mitad máquinas. Pero no los cyborg de la hiperguerra... sino los cyborg que podemos reconstruir, metamorfosear, nuestra nueva sincrética y dual, realidad.

“El desarrollo de las nuevas tecnologías marca el progreso de la poesía sonora; los medios electrónicos y la computadora son y serán los verdaderos protagonistas... Museos y galerías al web, semejando un rito prehistórico que obedece a la lógica de un marketing obsoleto”.

La VII Bienal Internacional de Poesía Visual/Experimental 2001 rendirá homenaje a Philadelpho Menezes, doctor en semiótica, teórico de la poesía experimental y creador del movimiento de Poesía Intersignos, con la participación de la artista brasileña Ana Aly, quien presentará parte de su obra, así como la de su esposo Philadelpho Menezes.

En el marco de un arte literario, en su forma más amplia, se realizarán lecturas de textos de integrantes de la Escuela de Escritores "Ricardo Garibay" de la Sociedad General de Escritores de México SOGEM-Morelos y de la propia SOGEM, localizada en Coyoacán, así como de escritores de Ciudad Nezahualcóyotl.

El poeta sonoro y teórico de la vanguardia experimental poética Klaus Groh, de Alemania, dará a conocer el poema “Ursonatas”. Asimismo, habrá actuaciones de artistas mexicanos que cultivan la poesía y la experimentación sonora, como Hebe Rosell, Manuel Rocha y Guillermo Briseño, quien presentará el disco con la obra sinfónica “Romeo y Julieta”.

Por su parte, Pilar Vidal presentará la escultura cinética "Sonoter", la cual integra disciplinas plásticas, musicales y terapéuticas. El crítico de arte Carlos-Blas Galindo y la artista visual Iris Aggeler, presentarán el Manifiesto Conceptual 1, 2, 3 y Miguel Ángel Corona desarrollará un performance.

También se presentarán poemas visuales de Marcela Aguirre Castro, Christian Fonseca de la Huerta, Abigail Díaz García, Paola González Romero, Cristina López Sordo, Diana Verdín Martínez, Damián Walsdorf.

La inauguración de la VII Bienal Internacional de Poesía Visual/Experimental 2001 será el jueves 8 de noviembre, a las 19:00 horas, en el Aula Magna “José Vasconcelos” del CENART, Río Churubusco y Calzada de Tlalpan, colonia Country Club, estación General Anaya del Metro.


TituloRealismo y concepto en la poesía de Brossa
AutorRoberto Farona
PublicacionCartas de navegación-Daniel Ca
Dia0Mes0Año2003Página0
MateriaPoesia experimental,Arte experimental
SinopsisEl realismo de Brossa y su representación lingüística como revisión del conocimiento que tenemos del mundo a través del lenguaje son DOS constANTES en pOEsÍA de bROSSa

TituloLA POESIA EXPERIMENTAL EN ESPAÑA
AutorCHEMA DE FRANCISCO
PublicacionESPECULO
Dia0Mes0Año1997Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Polipoesia,Arte postal,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisEn el periodo comprendido entre los años 1968 y 1975 tiene lugar en nuestro país el momento de mayor auge de la poesía experimental española. Una figura clave para comprender y estudiar este fenómeno literario es Fernando Millán (Jaén, 1944) cuya obra, en sus distintas facetas divulgadora y creativa, se ve contenida por un doble compromiso vanguardista, ético y social, donde la creatividad innovadora se involucra con el contexto histórico y social de su época, desde un pensamiento estético en el cual arte y vida se identifican.

Integrado en 1964 en el grupo de vanguardia Problemática 63, creado por el poeta uruguayo Julio Campal, Fernando Millán publica sus primeros versos en revistas como Poesía Española y Llanura, y en la Antología de la joven poesía española, seleccionada en 1967 por Enrique Martín Pardo para la colección "Pájaro de cascabel". En 1968 funda el grupo N.O. con los poetas Jokin Díez, Juan Carlos Aberasturi, Enrique Uribe y Jesús García Sánchez, desde el cual se organizan conferencias y exposiciones de poesía y escritura de vanguardia, publicándose un conjunto de libros de poesía y artículos de tipo teórico que dan un carácter propio a la vanguardia experimental española.
La vanguardia es una forma de desmesura que, con unos medios ridículos, quiere nada menos que cambiar todo




Con la publicación en 1975, junto con J. García Sánchez, de La escritura en libertad, una antología internacional de poesía experimental en la editorial Alianza, la obra de Fernando Millán y el prestigio de la poesía de vanguardia alcanzan su mejor momento a la vez que su superación y por tanto su obsolescencia. A partir de ese instante, la experimentación en la escritura poética proseguirá su marcha, integrándose en las distintas vanguardias de los campos del arte y de la música, como muestran las páginas de la revista Metaphora, creada por Felipe Boso y Fernando Millán en 1981.

Tras un paréntesis en la década de los ochenta, Fernando Millán ha vuelto a la creación, incansable y desmesurada, propia del vanguardista que no renuncia a su radical utopía, en los límites de la escritura. Invitados por el artista a su taller, verdadero laboratorio de poesía, Fernando Millán conversa apasionadamente tanto del pasado de la poesía experimental española como de sus proyectos futuros, mostrando sus libros inéditos y sus últimos hallazgos, las tarjetas y posters que sirvieron a las exposiciones y conferencias de los años setenta, y la revista de expresión plástica y lenguaje Abreojos a cuyo consejo editorial pertenece desde 1993, junto con Ana Mazoy y otros artistas. Lo recogido por nuestra grabadora es parte de una aventura artística y literaria, una aventura que para Fernando Millán comienza cada día.


TituloPOEMAS PARA SER CONTEMPLADOS
AutorXAVI AYÉN
PublicacionLA VANGUARDIA
Dia14Mes12Año2003Página45
MateriaPoesia visual,Poesia experimental
SinopsisJOAQUIN MOLAS y ENRIC BOU PUBLICAN UNA ANTOLOGIA DE LA POESIA VISUAL DESDE LA GRECIA CLÁSICA HASTA EL SIGLO XX...
Algunas de las curiosidades que pueden verse en el volumen son que el primer collage del que tenemos noticia corresponde al catalán Rafael Nogueras Oller (1880-1949).
la obra que se presenta en una cuidada edición, con mas de 300 paginas de imagenes verá pronto una edición en castellano.

TituloLA PARAULA DIBUIXADA
AutorISABEL OBIOLS
PublicacionQUADERN EL PAIS
Dia18Mes12Año2003Página1
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
Sinopsis(Edicions 62)Joaquim Molas y Enric Bou buscan la geneología de la Poesía Visual desde el S. IV A. de C. hasta 1939. Precisan que a partir de esta fecha se sucede una reiteración de conceptos salvo algunas honrosas excepciones

Entre los movimientos citados como preculsores citan desde el Barroco hasta el dadaismo, pasando por el futurismo, el letrismo, modernismo, etc.

Y entre los autores más significativos, citan desde Símmies de Rodes hasta Joan Brossa, pasando por Man Ray, André Bretón, J.V. Foix. Mallarmé, Apollinaire, Marinetti, Walt Whitman, Baudelaire, Rafael Noguera, Salvat.Papasseir, Junoy, etc.

Hacen especial énfasis en la pérdida del valor de la palabra y la necesidad de que esta sea sustituida por imágenes u objetos.

Parte del trabajo esta dedicado a establer las imágenes simbólocas que con más frecuencia se han empleado desde el barroco: el huevo, los altares, la cruz, las alas,...imégenes esencialmente religiosas que fueron sustituidas radicalmente a partir de la revolución indistrial y las nuevas tecnologias.

Entienden que todo el proceso constituye un esfurzo por vigorizar la palabra y darle la vitalidad que con el paso del tiempo ha ido perdiendo,...pero insisten en que el proceso innovador acaba con la guerra fría y salvan a pocos de de la quema, entre ellos a Brossa y a Luciano Caruso.

TituloVERSION DIGITAL JOAN BROSSA
AutorLAIA REVENTOS
PublicacionQUADERN EL PAIS
Dia5Mes4Año2003Página6
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisLa versión digital de la obra de Joan Brossa se presenta en catalán, castellano e inglés. En la misma, además de los elementos conocidos de la obra de Brossa, se recogen aspectos relacionados con el azar y lo lúdico, que conforman una web interactiva, divertida y brossiana. Además de todo ello, la página pretende que los visitantes participen de manera activa en debates, conferencias, coloquios y demás actividades de la Fundación JNoan Brossa.

TituloFREDERIC AMAT/ JOAN BROSSA
AutorTERESA CENDROS
PublicacionEL PAIS ESPECTACULOS
Dia2Mes2Año2001Página47
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisEl cine narrativo, visual y poético de Frederic Amat ha servido para recrear FOC AL CANTIR el primer guión cinematográfico de Joan Brossa (1948)// El mérito de Amat consiste en haber llevado a cabo un proyecto gestionado en vida de Brossa y haberlo materializado a pesar de su muerte (1998) // Este film ha constituido un homenaje al Brossa al que se han sumado en el reparto actores y amigos del poeta como Teresa Gimpera, Rosa Novel, Zush, Perejaume, Miquel Tapies, Enric Casasses, etc. Y en el apartado técnico la música de Carles Sntos, el director de fotografía, David Omedes, ...// como actores protagonistas Arianna Cabrol y Hector Garcia.

TituloOBRA POETICA/PICTORICA DE RAFOLS CASAMADA
AutorCATALINA SIERRA
PublicacionEL PAIS CATALUÑA
Dia11Mes12Año2003Página8
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisEXISTE EL ESPACIO DE LA ESCRITURA
EXISTE EL ESPACIO ESCRITO
EXISTE EL ESPACIO PINTADO
EXISTE EL ESPACIO QUE SUGIERE EL POEMA
EXISTE EL ESPACIO VIVIDO
EL ESPACIO RECORDADO
EL ESPACIO EVOCADO

Todos estos espacios confluyen en uno que integra la pintura y el poema

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Con motivo del octogésimo aniversario de Albert Ràfols-Casamada, el Centre Cultural Metropolità Tecla Sala presenta una esmerada selección de los últimos veinte años de la producción del artista.


La producción de Ràfols-Casamada es rigurosa y contenida. Pintor y poeta, es un artista culto y reflexivo. Su obra respira serenidad, equilibrio, sabiduría y sensibilidad; unos valores que nos trasmite a través del espacio, el color y la luz.


La exposición incluye obras fundamentales de la trayectoria artística de Ràfols-Casamada, la mayoría de las cuales se muestran por primera vez en Cataluña, gracias a la colaboración de coleccionistas, galerías e instituciones.


De entre la cincuentena de obras seleccionadas —desde los años ochenta, hasta las más recientes- destacan un conjunto de dibujos en los que se percibe la interrelación de los signos, la concepción del espacio y el lenguaje poético.


Para completar la muestra y profundizar más en la personalidad del artista, Alfonso Alegre Heitzmann, también poeta y gran amigo suyo, ha escrito sobre la faceta literaria del artista y ha realizado una selección de poemas y aforismos que forman parte de la exposición.

Por lo que hace a la esencia de la obra pictórica de Ràfols-Casamada, el historiador de arte J.F. Yvars ha colaborado con un texto preciso, entendedor y próximo.


Es, pues, una nueva ocasión para reencontrarnos con el universo plástico y poético de Ràfols-Casamada en un espacio como es el Tecla Sala, con la pretensión de recoger el espíritu y la poética de este artista y ser también un reconocimiento de L’Hospitalet a este creador.


Albert Ráfols-Casamada: "Los Espacios del Color" (Pintura 1980-2003)
aDel 11 de noviembre 2003 al 22 de febrero 2004

Centre Cultural Metropolità Tecla Sala

Albert Ràfols-Casamada
"Los Espacios del Color"
(Pintura 1980-2003)

Exposición del 11 de diciembre de 2003 al 22 de febrero de 2004

Presentación de la exposición a los medios de comunicación:
Miércoles 10 de diciembre de 2003 a las 12:30 h




TituloMETRONOMON/ PERCEPCION Y ARTE
AutorROBERTA BOSCO
PublicacionEL PAIS CATALUÑA
Dia6Mes12Año2003Página11
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisSi las cosas produjesen sonido ¿Cuán seria el sonido de la manzana? ¿Cuál sería el sonido de la tinta sobre el papel? Sirva esto como ejemplo de la exposición colectiva que se celebra en La Sala Metrònomon y en la que los diferentes artistas intentan despertar los sentidos de los espectadpores interrelacionándolos con las obras, de tal manera que éstas no son nada hasta el momento en que interactuan con el espectador.

TituloRUFINO MESA
AutorREDACCION
PublicacionEL DIARI DE TARRAGONA
Dia20Mes11Año2003Página14
MateriaArte experimental
SinopsisRufino Mesa, profesor de arte, escultor, poeta visual, pensador, filósofo, elucubrador y buena persona, ha sido el ganador del concurso destinado a la adquisición de obras para el fondo de arte de Reus valorado en 12.000 euros. La pieza escultorica adquirida, es un conjunto de plegarias, emociones y testimonios entre el barro y la tierra.

TituloJOAN BROSSA, LES PARAULES SON LES COSES
AutorJOAN TEIXIDOR
PublicacionQUADERN/ EL PAIS
Dia26Mes10Año86Página7
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisEliminar las fronteras entre las palabras y las cosas es el objetivo último de esta exposición (Fundación Joan Miró)... en la que las palabras y las cosas conforman sus poemas visuales y sus poemas objetos sin saber bien, bien, donde términan unas y empiezan otras.

Igualmente se resuelve la dicotomia entre poesía y plástica fundiendo con total naturalidad una y otra.

TituloMON BROSSA
AutorMANUEL RAMOS
PublicacionEL PAIS ESPECTACULOS
Dia15Mes9Año2001Página42
MateriaPoesia visual,Arte experimental
SinopsisHacer de la posía teatro fué el reto de Franco di Francescantonio que resolvió eliminando los personajes, el guón, la escena y el Teatro Nacional de Catalunya se transformó en píldoras del universo Brossa, donde cada espectador fué, a su vez, personaje, guión y escena...

TituloSE CREA LA FUNDACION JOAN BROSSA
AutorC.B.
PublicacionEL PAIS CATALIÑA
Dia14Mes1Año2000Página9
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia sonora,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisJoan Brossa realizó su testamento en 1991 y falleció en 1998, en el mismo cedía todos los derechos de propiedad intelectual a la fundación que llevaría su nombre y nombraba presidenta vitalicia de la misma a su mujer Pepa Llopis, quién declaró que el objetivo de la Fundación sería que si J.B. resucitara y visitara la misma, -cosa que es muy posible-, se reconociera en ella.

Parte de la obra de Brossa es del Ayuntamiento de Barcelona, ya que en 1987, y en un momento de penuria económica, la donó al mismo a cambio de una pensión vitalicia de 100.000 pesetas. El Ayuntamiento es asi, y por expreso deseo de Brossa, miembro de la Fundación.

TituloPOESIA VISUAL DE JOAN BROSSA
AutorREDACCION
PublicacionEL PAIS
Dia1Mes10Año1986Página0
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisAntológica de los poemas visuales realizado por J.B. em los últimos 40 años y que ha supuesto para él un reencuentro con muchas piezas a las que ya había perdido la pista.(Brossa comenzó a trabajar en P.V. en 1941)

Brossa habla de como determinado tipo de arte nunca se marchita, y pone como ejemplo el arte egipcio por cuanto supo combinar la forma con el alma de la obra,...en contraposición a ello cita el caso de algunas obras griegas en las que predomina la forma sin alma.

También habla del desconcierto que aún crea la poesía visual que compara con el arte abstracto, que, paradójicamente, es más concreto que el figurativo, solo que le falta el argumento. En definitiva, dice, son intentos de buscar nuevos lenguajes que profundicen con más fuerza en el espíritu y el sentimiento del espectador.

Par´él, la P.V. busca ser un lenguaje universal que supere la handicap que supone el desgaste de las palabras por el mal uso literario que se hace de las mismas.

Otro punto que trata y que le preocupa es el uso del arte para despertar el sentimiento y la dinámica constructiva del individuo, pero señala que el peligro consiste en la apropiación del arte por las instituciones y, en consecuencia, algo que debe servir para revitalizar,... sirva para adormizar.

TituloARTE CONTRA LA GUERRA DE IRAK
AutorROSA MORA
PublicacionEL PAIS CULTURA
Dia26Mes11Año2003Página32
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisA veces tiene tanto arte el que organiza arte como el que hace arte,...es el caso de James Mann quién valiéndose de Internet logró reunir hasta mil carteles que circulaban por la red contra la guerra de Irak. Ahora una selección de 200 de ellos van a ser editados en un libro que pretende que la llama pacifista permanezca viva.

El libro no ha sido fácil de hacer, puesto que una cosa es que la obra de arte circule libremente por la Red (de manera más o menos anónima) y otra muy diferente es que la obra tome forma de libro y tenga difusión mundial, asi algunos autores se negaron a ser publicados temiendo represalias (la caza de brujas continua)y otros optaron por cambiar de nombre. El caso es que se consiguó hacer el libro y los beneficios que pueda obtener su autor serán para Amnistia Internacional.

TituloPEREJAUME
AutorJAUME VIDAL
PublicacionEL PAIS CATALUÑA
Dia26Mes11Año2003Página1
MateriaArte de accion,Arte experimental
SinopsisPerejaume inaugura las nuevas salas de la Fundación Palau de Caldes d´Estrac, y lo hace con una obsesión: sacar la obra del marco y hacerla respirar el aire del mar, la montaña, la tierra,...en las obra de Perejaume nunca se sabe si estamos dentro o fuera del marco, si estamos en la realidad o la ficción, o si todo es lo mismo.

TituloMETAMORFOSIS DE UN POETA: JOAN BROSSA
AutorS.H.D.
PublicacionEL SEMANAL
Dia18Mes3Año2001Página22
MateriaPoesia visual,Poema objeto,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte de accion,Arte experimental
SinopsisPoemas literarios, visuales y objetuales conforman la antológica que la Fundación Miró dedica a Joan Brossa, pero además guiones cinemátográficos, teatro e instalaciones entroncan con las experiencias de Mallarmé, Duchamp y Bretón. Recreación del ARTE POVERA, DADAISMO. Y todo esto fué forjado en la España oscura de los 40.

TituloFREDERIC AMAT/ JOAN BROSSA
AutorBELEN GINART
PublicacionEL PAIS CATALUÑA
Dia17Mes6Año2000Página12
MateriaArte experimental
SinopsisA Joan Brossa le gustó el cine de Frederic Amat (guión de Federico García Lorca/ 1998) y a este le fascina la idea de llevar al cine un guión de J.B. (2000-Reus)

"Foc al cantir" es la película que se verá en las pantallas, con música de Carles Santos y la colaboración de la Fundación Joan Brossa. Recreación de espacios utilizados por el "Dau al Set" y la participación de Antoní Tapies son algunos de los componentes sentimentales de la película.

Amat y Brossa han estado colaborando a lo largo de 30 años y la producción que ahora sepresenta entra en la categoria de los mediometrajes.

TituloJ.M. CALLEJA / EL CUERPO IMAGINADO DE LAS VOCALES
AutorGUSTAVO VEGA
PublicacionEL FANTASMA DE LA GLORIETA Nº
Dia0Mes11Año2003Página0
MateriaPoesia visual,Poesia experimental,Poesia conceptual,Arte experimental
SinopsisEL CUERPO IMAGINADO DE LAS VOCALES DE J.M. CALLEJA

Gustavo Vega

La actividad poético-visual de J.M.Calleja abarca tanto los ámbitos de la poesía visual bidimensional, como los de la poesía objetual, la instalación y la acción. Sus creaciones unas veces se fundan en la metáfora, pero otras en las analogías y referencias de las formas de sus elementos componentes. Así, las letras, entre sus manos -y sobre todo las vocales-, en ocasiones pierden su condición de vehículo de significaciones fónicas -del todo o parcialmente- y se convierten en signo de otras cosas.

Su método consiste –generalmente- en mostrar algunas de las posibles analogías de las formas de los cuerpos de las letras y las formas de los cuerpos de los otros seres que pueblan el universo. Así, por ejemplo, una letra "a" escrita en forma de redondilla, se convierte en imagen antropomórfica ante los ojos del poeta. Su seno es una redonda barriga preñada de fantasías.

Río de transformaciones, lugar de desapariciones y de apariciones, la "U" puede invertir su significado y convertirse en puente, en substrato del que surgen nuevas ramificaciones, un nuevo vocabulario para dar sentido al mundo, nuevas significaciones, nuevos cosmos.

...//...

Pero J.M.Calleja no escribe sólo con vocales. También lo hace con consonantes y con otras muchas de las cosas que pueblan el universo: con objetos personales como lápices, relojes, tijeras, peines, llaves..., o con objetos no tan personales pero que están ahí esperándonos siempre: caminos, caracolas abandonadas..., o con objetos íntimos, tan íntimos como un esqueleto. Como ese esqueleto que llevamos oculto y que nos sueña.

TituloLOS NUEVOS SPAMS
AutorREDACCION
PublicacionBLOCOS NOTICIAS
Dia0Mes11Año2002Página0
MateriaArte experimental